Filtrer
Rayons
- Littérature
- Jeunesse
- Bandes dessinées / Comics / Mangas
- Policier & Thriller
- Romance
- Fantasy & Science-fiction
- Vie pratique & Loisirs
- Tourisme & Voyages
Support
Éditeurs
Langues
Prix
Bibliotheque Des Arts
-
Les montres les plus chères du monde
Ariel Adams
- Bibliotheque Des Arts
- Arts Decoratifs Bibliotheque Des Arts
- 9 Octobre 2014
- 9782884531870
Cet ouvrage présente quelques-unes des pièces les plus extravagantes, les plus décadentes, les plus désirables et fascinantes ou simplement les plus intéressantes en matière de technique de mesure du temps, et dont les prix se situent tout au sommet de la pyramide. Le spectre s'étend entre quelque 200 000 dollars et environ 5 000 000, prix incroyable atteint au cours de ces dix dernières années ! De plus, l'auteur a sélectionné des montres qui ont atteint des prix extrêmement élevés lors de ventes aux enchères. Certaines d'entre elles sont devenues à proprement parler historiques.
Une collection d'une centaine de montres, à la fois informative et divertissante comprenant des descriptions détaillées et des commentaires développés qui expliquent et analysent la relation entre le prix et la complexité des mécanismes, la sophistication du design tout comme l'importance de l'exclusivité, du caractère d'objet de collection et du prestige de chaque montre.
Plus qu'un accessoire de mode ou qu'un simple moyen d'indiquer l'heure, la montre-bracelet est devenue une part de l'identité de nombre de politiciens ou de sportifs d'élite, de stars ou de personnalités célèbres : le choix de ce que vous portez à votre poignet en dit long sur qui vous êtes.
Superbe volume, hommage à un fabuleux savoir-faire, qui comblera les amateurs, les collectionneurs et les curieux.
Ariel Adams est le propriétaire et l'éditeur de « aBlogtoWatch.com ». Il est correspondant de nombreuses publications spécialisées.
-
La peinture anglaise, 1830-1900 ; de Turner à Whistler
Collectif
- Bibliotheque Des Arts
- 31 Janvier 2019
- 9782884532211
Notre livre met en lumière trois générations de peintres actifs durant l'ère victorienne, à commencer par J. M. W. Turner, l'un des plus célèbres paysagistes britanniques de son temps, dont l'oeuvre magistrale annonce l'impressionnisme. La part belle sera aussi faite à la confrérie préraphaélite, fondée en 1848 par des jeunes étudiants de la Royal Academy de Londres, dont John Everett Millais et Dante Gabriel Rossetti. Ce mouvement de courte durée, qui entend s'affranchir des conventions académiques, prône un retour à la nature et s'inspire des maîtres italiens primitifs, en suivant les préceptes du critique d'art John Ruskin. Dans les années 1860, une seconde génération d'artistes emmenée par Edward Burne-Jones - généralement désignée sous le nom d'Aesthetic Movement - se nourrit de sources multiples, dont les légendes médiévales, la littérature, la poésie et le théâtre britannique ou encore l'Antiquité. Cette dernière est au coeur de la pratique de Lawrence Alma-Tadema, qui connaît un immense succès de son vivant grâce à la précision de ses représentations antiques. En point d'orgue, des figures singulières de la période victorienne seront également mises à l'honneur : Whistler, ou encore Sargent, deux artistes cosmopolites d'origine américaine. Une chance donc de pouvoir découvrir - ou redécouvrir - une peinture souvent méconnue.
L'illustration sera enrichie d'une section dédiée à la photographie victorienne. Seront représentés les plus importants photographes britanniques du XIXe siècle.
L'ouvrage illustre la richesse et la fascinante originalité de l'art anglais au XIXe siècle. L'âge d'or de l'Empire britannique et les profonds bouleversements induits par la révolution industrielle inspirent des scènes de genre saisissantes qui enregistrent les diverses facettes de la vie moderne : l'essor des villes et des transports en commun, la naissance de la classe moyenne ou le travail à domicile. En contrepoint, de nombreux artistes embrassent des thèmes antiques ou littéraires pour parfaire leur idéal de beauté, alors que d'autres se tournent vers la peinture de paysage.
-
Marcel Gromaire : la vie et l'oeuvre ; catalogue raisonné des peintures
Collectif
- Bibliotheque Des Arts
- Catalogue Raisonne
- 17 Mai 2001
- 9782850472244
-
Alfred Sisley ; catalogue critique des peintures et des pastels
Sylvie Brame, François Lorenceau
- Bibliotheque Des Arts
- 29 Avril 2021
- 9782884532280
Cette nouvelle édition tant attendue du Catalogue raisonné de l'oeuvre d'Alfred Sisley a été établie par Sylvie Brame et François Lorenceau.
Dès 1959, dû à François Daulte, avec le concours de Charles Durand-Ruel, paraissait le premier catalogue raisonné de l'oeuvre peint de Sisley. Une soixantaine d'années ont été nécessaires pour que soit publié aujourd'hui le présent catalogue raisonné, sous forme d'une édition renouvelée par sa mise à jour autant qu'amplifiée par le nombre des oeuvres retenues, catalogue cette fois illustré de reproductions en couleurs : un ouvrage combien précieux pour mieux connaître Sisley, comprendre et apprécier son art. En apportant aux spécialistes comme aux vrais amateurs une vision globale des peintures accompagnées des pastels ici regroupés pour la première fois, ce catalogue raisonné permet que revienne encore davantage à Sisley une reconnaissance justifiée. (Sylvie Patin, Conservateur général honoraire au musée d'Orsay ) Si, par la tonalité claire de sa palette et par sa volonté de peindre en plein air, Sisley fut l'un des premiers à participer au mouvement impressionniste, il sut toujours garder son indépendance et ne pas se laisser embrigader. Singulière destinée que celle de cet Anglais, Français d'adoption, qui, sans s'écarter de sa voie, sans montrer d'hésitation, sut peindre en toutes saisons les paysages les plus mesurés, les plus harmonieux, à la gloire de l'Ile-de-France.
Malgré quelques représentations de la figure humaine et quelques natures mortes, Sisley a été essentiellement un paysagiste. Durant sa carrière, Sisley a été le peintre des petites villes échelonnées sur les bords de la Seine, en amont et en aval de Paris. S'il quitta parfois sa retraite de Louveciennes et, plus tard, sa chère maison de Moret-sur-Loing pour aller peindre les brouillards de Londres, les régates de Hampton Court ou les falaises de Langland, il revint toujours dans le coin de terre qu'il avait élu. Plus que l'amitié de Renoir, de Monet ou de Bazille, plus que l'attrait indéniable de Paris, ce qui compte dans la vie de Sisley, ce sont les liens qui l'unirent à ces rives de la Seine ou du Loing. Ayant choisi un pays, Sisley s'y est maintenu avec fidélité.
Cette nouvelle édition tant attendue du Catalogue raisonné de l'oeuvre d'Alfred Sisley a été établie par Sylvie Brame et François Lorenceau. Elle recense 1012 tableaux et, pour la première fois, les 71 pastels du maître impressionniste. Sylvie Patin, dans son introduction, retrace avec brio la carrière de Sisley, la personnalité du peintre, les caractères de son talent, et resitue la place de Sisley au sein du groupe impressionniste. -
Les laques de Coromandel
Nicole Brugier
- Bibliotheque Des Arts
- Arts Decoratifs Bibliotheque Des Arts
- 29 Octobre 2015
- 9782884531979
A travers l'histoire des laques de Coromandel, ce livre nous faire revivre celle de la Chine, sociale et économique. Il nous éclaire sur les aspects techniques de la fabrication de la laque et son emploi. Les paravents en laque de Coromandel, c'est-à-dire en laque gravée et peinte, constituent l'un des aspects les plus prestigieux des arts de la Chine à son apogée, aux XVIIe et XVIIIe siècles. Ce livre nous emmène dans l'histoire de ces magnifiques objets qui ont traversé les mers pour arriver jusqu'à nous.
Nous revivrons les aventures des voyageurs, des marins, des négociants qui ont fondé des compagnies et des comptoirs à l'autre bout du monde, le long des côtes de Coromandel, pour ouvrir des relations commerciales entre l'Extrême-Orient et l'Europe. Enfin, nous aborderons le sort que les Occidentaux ont réservé à ces paravents en les utilisant dans d'autres créations, estampillées des plus grands ébénistes, ou en en lambrissant des murs entiers.
-
William Bouguereau
Frederick C. Ross, Kara Lysandra Ross
- Bibliotheque Des Arts
- Maitres D'hier Et D'aujourd'hui
- 18 Octobre 2018
- 9782884532204
Sans doute William Bouguereau est-il l'un des artistes les plus populaires en France au 19e siècle, et il deviendra rapidement l'un des plus célèbres peintres représentant l'Académisme.
Dans son Hommage à Meissonier, Salvador Dali fait l'éloge des « peintres héroïques portant le beau nom de Pompiers ». Pour lui, « ils ont découvert ce qu'il y a de plus important dans la structure historique de notre civilisation ».
Cet ouvrage explore les quatre types principaux de peintures qui furent les axes autour desquels s'organise tout l'oeuvre de l'artiste. Cela comprend les travaux à caractère mythologique, religieux et paysan, ainsi que les portraits. Un chapitre traite en particulier des portraits et se concentre sur la représentation des têtes et des mains. Cela donna à l'artiste la possibilité de saisir toutes les subtilités des émotions humaines. Bouguereau excella dans cet art, et c'est l'une des principales raisons qui rend son oeuvre si attachant.
Bien que chaque partie du livre argumente sur l'importance de l'une ou l'autre spécificité des oeuvres et inclut de fines analyses picturales mettant en évidence les plus marquantes, cet ouvrage est une « vitrine » présentant ce que le maître a réalisé de plus abouti tout au long de sa vie.
Il était temps de rendre hommage à William Bouguereau, lauréat du Prix de Rome en 1850, l'un des peintres académiques les plus prolifiques (828 oeuvres achevées) et auquel artiste aucune publication monographique n'avait été consacrée jusqu'ici. C'est maintenant chose faite avec ce magnifique ouvrage signé par les meilleurs connaisseurs de son oeuvre.
-
La relation intime qui unit l'ombre et les arts remonte aux temps antiques. En effet, une légende rapportée par Pline l'Ancien raconte que la peinture est née lorsqu'une jeune femme corinthienne, éprise d'un homme qui devait quitter la ville, dessina sur un mur, à la lumière d'une chandelle, le profil de son bien-aimé. Au-delà du mythe, la part de l'ombre dans l'histoire de l'art occidentale est fondamentale. Dès la fin du Moyen-Âge et l'apparition des premières ombres portées dans la peinture, les artistes ne cesseront de s'intéresser à ce thème, que ce soit dans les recherches sur la perspective à la Renaissance, dans le travail sur le clair-obscur chez les ténébristes du XVIIe, ou pour la dramatisation des paysages chez les romantiques. Le XIXe siècle est celui de la révolution de l'ombre : l'apparition de la lumière artificielle, puissante et stable, transforme le quotidien lumineux.
Les artistes rendent compte de ce changement : les scènes d'intérieurs à la lumière au gaz se multiplient ; les ombres se font moins sombres, voire se colorent ; le théâtre d'ombres est à son apogée... Sous l'influence des peintres surréalistes, des photographes et des cinéastes, l'ombre devient au XXe siècle un sujet autonome, détaché de l'objet tridimensionnel qui est censé la provoquer.
Didier Semin, Michel Hilaire et Michel Pastoureau comptent parmi les nombreux auteurs de cet ouvrage original richement illustré.
-
Emile et Henriette Gallé ; correspondance, 1875-1904
Philippe Thiébaut, Jacqueline Amphoux
- Bibliotheque Des Arts
- 9 Mai 2014
- 9782884531795
Si les « Ecrits pour l'art » réunissant bon nombre de textes de Gallé que son épouse Henriette avait publiés en 1908, quatre ans après la mort de son mari, disent beaucoup de notre artiste (né en 1846 à Nancy où il mourut en 1908), ils ne disent pas tout. Seule son abondante correspondance permet en réalité de saisir sa personnalité complexe d'homme et d'artiste.Ce qui est révélé ici est certainement la part inaccessible, la plus intime également, de la correspondance de notre artiste qui doit être considérée comme inédite : celle, croisée entre les deux époux, conservée par leurs descendants.Cette correspondance est composée de trois temps forts :- Les lettres qui précèdent le mariage avec Henriette, célébré au printemps 1875.- Les lettres échangées à un moment où Emile Gallé s'impose sur la scène nationale et internationale avec le succès retentissant qu'il remporte à l'Exposition universelle de Paris en 1889 et devient une personnalité du Tout-Paris mondain, littéraire et artistique.- Les lettres de l'époque des difficultés, contemporaine de l'Exposition universelle de 1900 avec les premiers symptômes du mal qui l'oblige à s'éloigner de Nancy pour suivre des cures et obligent Henriette à jouer un rôle de plus en plus important dans la marche des affaires.Ces lettres inédites constituent donc un témoignage de tout premier ordre sur les composantes de la personnalité de l'homme et de l'artiste, sur ses brillantes relations, mais aussi sur ses angoisses de créateur, d'industriel et de citoyen.
-
-
La fleur au fusil ; entretiens avec Françoise Monnin
Andre Robillard
- Bibliotheque Des Arts
- 6 Mai 2016
- 9782884532037
Voilà un demi-siècle qu'André Robillard conçoit des sculptures à l'aide de matériaux de récupération et d'objets trouvés. Repéré dès le milieu des années 1960 par Jean Dubuffet, cet homme modeste a traversé l'existence dans un anonymat quasiment total. Mais depuis quelques années, de nombreuses expositions présentent ses oeuvres qui sont également conservées dans plusieurs musées. C'est à l'hôpital psychiatrique de Fleury-les-Aubrais, près d'Orléans, où l'artiste vit depuis qu'il a dix-huit ans, qu'ont été enregistrées les conversations synthétisées dans cet ouvrage.
En ce lieu où il fut brièvement interné, André Robillard a mené ensuite une existence paisible. A l'âge de la retraite, il a transformé une petite maison de jardinier en un lieu de vie et de stockage, au milieu duquel il conçoit ses oeuvres et dessine les thèmes qui lui sont chers. Pétrie de sagesse populaire et de fantaisie poétique, la conversation d'André Robillard est riche et la lecture de ces mots est émouvante, joyeuse, instructive et passionnante.
-
Michel Nedjar ; le chantier des consolations
Françoise Monnin
- Bibliotheque Des Arts
- 24 Février 2017
- 9782884532068
Une rétrospective au MAHJ en 2016 (Musée d'Art et d'Histoire du Judaïsme à Paris), une « introspective » au LaM en 2017 (Musée d'art moderne, contemporain et brut de Villeneuve d'Ascq) : à soixante-dix ans, Michel Nedjar accède enfin à une reconnaissance institutionnelle dans son pays natal. En Allemagne, en Autriche et aux États-Unis, voilà trois décennies que cet artiste atypique fascine nombre de conservateurs de musées et de collectionneurs particuliers. En Suisse aussi : Jean Dubuffet y présenta certaines oeuvres dès 1981 (Collection de l'Art Brut à Lausanne). Et dans le n°16 des Cahiers de l'art brut, l'écrivain Roger Cardinal, inventeur du concept d'Outsider art, célébrait déjà cet artiste stupéfiant.
Né dans une famille mi-polonaise, mi-algérienne, dont quelques membres échappèrent à l'holocauste durant la Seconde Guerre mondiale, Michel Nedjar a suivi un apprentissage de tailleur. Mais il a vite préféré réaliser des films, des dessins, des peintures, ainsi que d'étranges poupées. Autodidacte et globe-trotter, son oeuvre protéiforme, expérimentale, a maille à partir avec certaines pratiques chamaniques universelles. Considéré à présent comme un artiste « contemporain », il n'en demeure pas moins infiniment sensuel, et parfois expressioniste. Tout son univers fait la part belle à l'instinct, à la transe, et plus que tout à l'Humain.
Collectionneur également, traqueur de trésors d'art populaire et d'oeuvres d'Art brut, il effectue régulièrement des donations à des collections publiques, contribuant ainsi à une meilleure connaissance de créations alternatives.
Curieux et cultivé, sensible et libre, Michel Nedjar raconte ici les étapes de son existence, de communautés hippies en ateliers intimes. Il décrit la fabrication et les thèmes de son oeuvre ainsi que la nature de ses collections. Évoquant aussi le monde qu'il arpente - de l'ïle de Pâques au Japon en passant par le Mexique ou l'Inde - il définit magnifiquement, les liens entre les hommes, le nécessaire amour, la puissance de la mémoire, celle des rêves, le rôle de l'art et sa définition, la force des émotions, le charme de certains accidents, l'importance de la transmission, la permanence de la vie... Autant de mots très précieux, pour les amateurs d'art, comme pour tous les croqueurs de vie.
Si Michel Nedjar, depuis peu, raconte volontiers les grandes lignes de son parcours, l'historienne d'art qui l'accompagne dans ces entretiens le fréquente depuis trente ans. Aussi ces confidences exceptionnelles permettent-elles d'aborder pleinement et intimement les mécanismes de la création, et ceux de l'existence, à travers le cheminement intense d'un créateur exceptionnel.
-
Vallotton, Manguin, Hahnloser ; correspondance 1908-1928
Hedy Hahnloser, Arthur Hahnloser
- Bibliotheque Des Arts
- 19 Septembre 2013
- 9782884531740
Contribution importante et originale à l'histoire de l'art, cette riche correspondance inédite complète l'ouvrage paru l'an dernier : La collection Arthur et Hedy Hahnloser.
Les Hahnloser ont eu la chance en effet de côtoyer de nombreux artistes de l'époque post-impressionniste et nabie. Plusieurs d'entre eux sont devenus des amis intimes du couple, tels Félix Vallotton et Henri Manguin. Dès leur rencontre, naît un échange épistolaire passionnant qui se poursuivra jusqu'à la mort des artistes. Au fil du temps, cette correspondance nous dévoile non seulement l'amitié profonde qui les unit mais offre une chance unique de découvrir le marché parisien à travers le point de vue d'artistes sensibles à l'art de leur époque. Conseillers dans les achats de leurs amis, Vallotton et Manguin n'hésitent pas à donner leur point de vue et guident les Hahnloser dans le vaste marché de l'art contemporain français de leur époque pour bâtir avec eux une collection à la hauteur de leurs désirs. D'un point de vue plus personnel, cette correspondance nous montre l'attachement mutuel entre les artistes et le couple de collectionneurs. Elle nous permet de pénétrer dans le quotidien des artistes qui dévoilent à leurs amis leurs questionnements et inquiétudes de créateurs mais aussi leurs difficultés de tous les jours. Quant à Arthur et Hedy Hahnloser, ils sont non seulement les témoins privilégiés du développement artistique de leurs amis, mais sont aussi les acteurs de la découverte et de la promotion de leur art.
-
-
Odilon redon - portraits et figures
Wildenstein Alec
- Bibliotheque Des Arts
- 27 Juin 2001
- 9782850472039
-
-
-
Correspondance de renoir et durand-ruel (2 vol)
Durand-Ruel/Renoir
- Bibliotheque Des Arts
- 21 Mai 2001
- 9782884530064
-
-
Danseur et chorégraphe, Gil Roman dirige le Béjart Ballet Lausanne. Créée par Maurice Béjart en 1987, la compagnie célèbre cette année ses trente ans d'existence. Maurice Béjart, qui disparaît en 2007, confie la direction de sa compagnie à Gil Roman et en fait le légataire de son oeuvre.
Danseur et chorégraphe, Gil Roman dirige le Béjart Ballet Lausanne. Créée par Maurice Béjart en 1987, la compagnie célèbre cette année ses trente ans d'existence. Né dans un petit village du sud de la France, Gil Roman découvre la danse àl'âge de sept ans et suit les cours de Marika Besobrasova, Rosella Hightower et José Ferran. A 19 ans, il fait son entrée au Ballet du XXe siècle. DeBruxelles à Lausanne, Béjart et Roman ne se quitteront plus. Révélé à 21 ans par son interprétation de l' Adagietto de Mahler, Gil Roman dansera les plus grands rôles : Messe pour le temps futur , Le mandarin merveilleux , Le Presbytère , Le manteau , Juan y Teresa , Brel et Barbara , Zarathoustra ou le chant de la danse , La Vie du danseur racontée par Zig et Puce ... Maurice Béjart, qui disparaît en 2007, lui confie la direction de sa compagnie et en fait le légataire de son oeuvre. De la IXe Symphonie de Beethoven, présentée à Tokyo, en passant par La Flûte enchantée , comment Gil Roman se fait-il le passeur d'un formidable héritage chorégraphique ? Comment, dans son studio du chemin du Presbytère à Lausanne, travaille-t-il à ses propres créations dont la dernière en date, t'M et Variations , lettre adressée à Béjart, qui a été ovationnée par des milliers de spectateurs ? Dans ce livre d'entretiens, Gil Roman dit ce qu'il doit à Maurice (Béjart), dans quelles circonstances ils se sont rencontrés, quel regard il porte sur le mystère de la danse et pourquoi il a choisi d' écrire sur l'éphémère . Quelle quête poursuit-il, et quels rêves ? En revisitant les grandes étapes de sa vie, Gil Roman se dévoile pudiquement. Le temps d'un pas suspendu. -
Au coeur de la création musicale ; paroles de compositeurs
Myriam Tétaz-gramegna
- Bibliotheque Des Arts
- 22 Mars 2018
- 9782884532174
Ce livre propose une rencontre avec vingt et un des plus grands compositeurs de la seconde moitié du 20e siècle. Il intéressera non seulement les musiciens professionnels, mais aussi les élèves de conservatoires ainsi que les mélomanes lorsqu'une oeuvre de ces compositeurs est à l'affiche d'un concert.
Il s'agit d'entretiens que l'auteur, responsable de la rubrique « Musique classique » dans un quotidien suisse, a conduits au fil des années. Elle a retrouvé, enregistrés sur bandes magnétiques, l'entier des propos qu'elle avait échangés avec ces compositeurs aujourd'hui pour la plupart décédés. Ce sont des textes qui n'avaient trouvé place dans ses chroniques. Les transcrivant, elle nous restitue ici ces moments privilégiés.
Ce furent parfois de brefs entretiens recueillis à l'occasion d'une création, d'une invitation, d'un festival, d'une tournée d'orchestre. Ils eurent lieu dans une loge d'artiste, un café, ou une salle de répétition ; d'autres fois, de longues conversations se déroulèrent chez les compositeurs eux-mêmes. A chaque fois, des moments uniques.
L'auteur a eu soin de rédiger sous une forme propre à la lecture, sans les trahir, les conversations qu'il n'était pas possible de transcrire telles quelles, avec leurs hésitations, leurs répétitions, leurs aller-retour d'un sujet à l'autre.
Toujours passionnants par la spontanéité, l'honnêteté, la lucidité des paroles prononcées, ce sont vingt et un instantanés ; des instantanés parce qu'ils rapportent les propos d'un moment, d'une étape dans la carrière des principaux compositeurs qui ont fait la musique du 20e siècle. Et ouvert les portes du 21e siècle. Pris sur le vif, ces compositeurs l'ont aussi été par la caméra de l'auteur. En effet, elle a photographié chacun d'eux à l'occasion des interviews, ce qui confère à ce livre un caractère d'intimité complice.
-
à la lumière du sol ; essai de métamusique
Denis Magliocco
- Bibliotheque Des Arts
- 14 Novembre 2019
- 9782884532181
Qu'est-ce que la métamusique ?
Le mot grec meta signifie entre autres : au-delà. Au-delà des contraintes techniques, des compétitions et des frustrations que vivent beaucoup d'artistes, la musique peut être un instrument de création d'un monde de fraternité et de respect. « Lorsque le musicien prend conscience du rôle magique de la musique et qu'il met ses moyens techniques au service de cet idéal, il commence à développer, sans même s'en rendre compte, son pouvoir guérisseur en parlant directement au plus profond de ceux qui l'écoutent. » ( Benoit Douchy) De tous temps la musique a agi comme agent fédérateur entre les êtres humains et elle a été un moyen de communication entre le corps et l'esprit.
En ce début du XXIe siècle, le musicien savant, qui maîtrise parfaitement la technique, a trop souvent oublié les pouvoirs magiques d'harmonisation, de fédération et de compassion propres à la musique : « ce langage qui parle directement au plus profond des êtres, au-delà des barrières de la langue et de la culture. » Eprouver de la sympathie pour des thèses qui, aux yeux de la communauté scientifique ne sont que des hypothèses non encore vérifiées par des expérimentations rigoureuses, avoir de l'intérêt pour des analogies qui émanent des relations entre musique et développement de la personne, souscrire à ces mêmes thèses en quête d'un idéal culturel, artistique ou spirituel, tout cela est accessible à celles et ceux qui ont la chance d'expérimenter le pouvoir de cet art sur leur propre personne ou sur autrui.
La pédagogie par l'oreille et la voix (aurale-orale), héritée de l'oeuvre de Guido d'Arezzo, génial inventeur des noms des notes (XIe s.), est le fil rouge de cet essai où les sons et les couleurs sont en résonnance élective. La substance de cet ouvrage offre un rapport à la musique très organique et, de ce fait, polarisé sur la vie, la joie et les valeurs qui leur sont inhérentes. Cette démarche entraîne musiciens et mélomanes, enseignant(e)s et élèves dans une quête de sens que peut révéler en eux l'approche des « musiques qui les aiment ». C'est à tous ceux-là que s'adresse cet ouvrage, au texte foisonnant d'informations et abondamment illustré.
-
Pierre Soulages Outrenoir Entretiens avec Françoise Jaunin Pierre Soulages, " le peintre du noir ", est un géant de la peinture contemporaine. De ses premiers idéogrammes au brou de noix des années 40 jusqu'aux monumentaux polyptyques architectoniques de ses " Outrenoirs ", il n'a cessé de mener son ouvre entre sculpture d'ombre et poétique de la lumière.
Dans ces entretiens, Soulages évoque son parcours d'homme et d'artiste depuis ses débuts de jeune méridional monté à Paris pour décrocher un brevet de professeur de dessin, mais que le jury dirige, dès l'examen d'entrée, vers les Beaux-Arts auxquels il n'osait presque pas rêver. Jusqu'à la création de son musée à Rodez. Son expérience de viticulteur dans le Midi pendant la guerre pour échapper au service militaire en Allemagne. Ses rencontres, notamment avec les grands peintres américains de l'après-guerre. Son amour de la poésie. Le grand tournant de son ouvre, en 1979, quand il invente le " noir Soulages " qu'il appelle "noir-lumière" (lumière et espace naissant dans la géographie même de la matière et de la couleur). La brève parenthèse télévisuelle qui l'amène à être l'un des fondateurs de la chaîne Arte. L'étonnante aventure de ses vitraux pour l'abbaye de Conques. Ou son exposition à Saint-Pétersbourg où il est le premier artiste vivant à être présenté au Palais de l'Ermitage. Ou encore, plus près de nous, les 5oo oo0 visiteurs venus au Centre Pompidou admirer ses ouvres.
Dans ce livre, Pierre Soulages raconte surtout son désir intense et toujours intact de peinture, son perpétuel état de recherche et cette quête de lumière qui en est le fondement.
Françoise Jaunin, journaliste et critique d'art, est aussi l'auteur de nombreux catalogues d'expositions, de monographies d'artistes et de livres sur l'art. Elle a déjà conduit des entretiens avec Balthus et avec Giuseppe Penone, publiés par la Bibliothèque des arts.
Plus près de nous, les 5oo oootéeens avec Balthus (Les méditations d' -
Maurice Béjart, l'esprit danse
René Zahnd
- Bibliotheque Des Arts
- Paroles Vives Bibliotheque Des Arts
- 20 Juin 2001
- 9782884530736
-
De Raphaël à Gauguin ; trésors de la collection Jean Bonna
Collectif
- Bibliotheque Des Arts
- 5 Février 2015
- 9782884531917
Collectionneur et mécène, Jean Bonna à récemment financé la restauration d'une salle de l'Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, à Paris, laquelle porte désormais le nom de « Cabinet des dessins Jean Bonna ».
C'est là que furent présentées sa « Suite française » et sa « Suite italienne ».
Tout d'abord bibliophile, Jean Bonna est un amoureux du papier, une passion qui l'a mené du livre aux ouvrages illustrés, puis à l'estampe et enfin au dessin ancien. Depuis trente ans, il réunit des oeuvres graphiques de très haute qualité, qui composent désormais un ensemble remarquable, digne des grandes collections privées constituées en Europe depuis le XVIe siècle.
Au-delà de sa richesse, cet ensemble se distingue par sa variété, qu'il s'agisse des artistes représentés, des techniques utilisées ou encore des époques de création, allant de la Renaissance italienne au début du XXe siècle.
Rassemblée par un seul homme, cette collection révèle une préférence pour les feuilles achevées, et le goût de l'amateur éclairé pour la figure féminine, le paysage et le monde animalier.
Cet ouvrage abondamment illustré nous montre comment le goût du collectionneur transparaît dans ses acquisitions, au travers d'une large sélection de près de 150 chefs-d'oeuvre de maîtres tels que Raphaël, Carracci, Lorrain, Rembrandt, Tiepolo, Watteau, Guardi, Chardin, Boucher, Liotard, Greuze, Goya, Géricault, Delacroix, Redon, Manet, Renoir, Degas, Gauguin et Cézanne.
