Cet ouvrage retrace cinq siècles de sculpture à travers le travail de 300 artistes femmes venues de 64 pays. Les sculptrices rassemblées ici sont représentatives de multiples mouvements, genres et techniques, mais ont pour point commun leur imagination et leur créativité sans faille. Troisième volet d'une collection en réponse à l'essai fondateur de Linda Nochlin paru en 1971 « Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grandes artistes femmes ? », le présent ouvrage célèbre la vie et l'oeuvre de celles qui ont mis la sculpture au centre de leur art. La sculpture défie toute catégorisation. Qu'elles soit temporaires ou permanentes, installées en intérieur ou à l'extérieur, de petite ou de grande dimension, qu'il s'agisse de sculptures ou de moulages, d'assemblages ou d'installations in situ, qu'elles soient faites de marbre, de bois, de textile ou de céramique, les oeuvres de cet ouvrage révèlent l'immense talent artistique des femmes qui ont adopté ce médium marqué par sa plasticité. Parmi les artistes présentées ici, certaines ont créé des oeuvres sculpturales alors même qu'on leur refusait de se former ou qu'elles n'avaient pas les moyens de rendre visible leur travail, d'autres ont été négligées par l'histoire, d'autres encore ont été reconnues de leur vivant. Ensemble, elles racontent une version plus diverse de l'histoire de la sculpture. Présentant les sculptrices par ordre alphabétique, Sculpture au féminin invite à établir entre les artistes et les oeuvres de nouveaux liens et des juxtapositions surprenantes qui dépassent les classifications chronologiques ou géographiques. Chaque artiste est présentée par un texte explicatif illustré d'une oeuvre clé. Cet ouvrage met à l'honneur de grandes figures de la sculpture, historiques et contemporaines, ainsi que des étoiles montantes, afin de témoigner de la créativité des femmes artistes du passé tout en proposant des perspectives aux générations futures. Lire la suite Fermer

Lorsque que l'on débute en dessin, on a envie de tout représenter : personnages, animaux, bâtiments, objets... A travers des centaines d'exercices en pas à pas et d'exemples commentés, ce manuel complet vous donne les clefs d'un dessin réussi !

Chaque sujet est décomposable en formes très simples. Une fois les volumes principaux combinés dans le respect des proportions, il ne reste qu'à ajouter quelques détails. Vous pourrez ainsi représenter aussi bien un félin à l'affût qu'un visage expressif ou un véhicule.

Pour agencer les éléments en perspectives et équilibrer votre composition, vous apprendrez ensuite très simplement à placer les points de fuite, à jouer sur le cadrage et même la couleur !

Camille Claudel est une « icône » qui fascine toujours. Voici enfin la grande biographie non romancée de l'artiste à l'existence singulière, pleine de paradoxes et de contradictions, dont on croyait tout connaître.
Mais si la relation avec son frère adoré Paul a été abondamment commentée, que sait-on de Louise, la jeune soeur détestée ? De sa mère, Louise Athanaïse, avec laquelle elle a une relation compliquée ? De son père, Louis Prosper, trop peu présent ?
Loin des poncifs, Claude Pérez s'en tient au plus près de ce qu'a été sa vie. Mobilisant, avec la rigueur de l'historien, la totalité des archives existantes, il cerne au plus près les singularités de Camille Claudel : ses amours avec Rodin, bien sûr, mais aussi ses liens avec d'autres artistes, son antisémitisme, les circonstances polémiques de son internement. Il interroge enfin l'ensemble de son héritage artistique. Car si elle a été sculptrice, elle a aussi été
peintre et dessinatrice de grand talent. Et nous livre les réflexions inédites et pertinentes de Camille Claudel elle-même sur son oeuvre.
Un portrait fascinant, lucide et sans concession. Lire la suite Fermer

Née en 1972 à Osaka et vivant en Allemagne depuis 1997,
l'artiste plasticienne Chiharu Shiota commence par étudier
la peinture au Japon. Sa première installation « Becoming
Painting », qu'elle réalise en Australie. Elle marque le début
d'une oeuvre protéiforme qui combine performance, body
art et installations pour questionner, à partir d'une émotion
individuelle forte, des notions universelles telles que le
temps, le rêve, la mort et les relations humaines.
Ses installations à travers le monde sont presque
toujours temporaires, destinées à être expérimentées
puis remémorées : l'émotion du spectateur constitue une
partie intrinsèque de son travail. La présence du corps,
prépondérante dans ses premières performances, est
peu à peu remplacée par des objets qui sont comme
l'extension, annonçant ce qui constitue le thème central
de toutes les oeuvres de Chiharu Shiota : l'existence dans
l'absence, la trace qui provoque la mémoire. Ainsi, ses
toiles immenses, noires, blanches ou rouge sang, révèlent
les connexions invisibles entre les individus, qu'elles soient
nouées, emmêlées, coupées, attachées ou étirées.
Ce livre constitue non seulement une rétrospective
des installations de Chiharu Shiota, mais il se propose
également d'interroger son identité personnelle pour
comprendre sa trajectoire artistique. Cela est d'autant plus
primordial que Chiharu Shiota s'inspire de ses propres
émotions et d'événements marquants de sa vie pour
penser ses oeuvres. La perspective biographique de cet
ensemble de « milestones » permet donc d'appréhender
et de comprendre bien plus profondément la démarche
créatrice de l'artiste. Lire la suite Fermer

Se détachant de l'académisme, Auguste Rodin (1840-1917) a su faire vibrer le marbre et le bronze pour donner à ses figures une expressivité nouvelle. L'ensemble des passions humaines sont traduites avec force dans des sculptures intenses, parfois sensuelles. Novateur également dans sa manière de travailler, Rodin " construit " ses oeuvres en assemblant différents éléments de plâtre les uns avec les autres, essayant sans cesse d'inventer de nouvelles formes. Véritable génie, expérimentateur insatiable, Auguste Rodin a ouvert la voie à la sculpture moderne.

Languages : Fr. En.

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Breaking away from academicism, Auguste Rodin (1840-1917) knew how to make marble and bronze vibrate to give his figures a new expressiveness. All the human passions are forcefully translated into intense, sometimes sensual sculptures. Innovative also in his way of working, Rodin "builds" his works by assembling different plaster elements with each other, constantly trying to invent new forms. A true genius and insatiable experimenter, Auguste Rodin opened the way to modern sculpture. Lire la suite Fermer

Olga de Amaral est une figure incontournable de la scène artistique colombienne et du Fiber Art. Inclassable, son oeuvre emprunte tant aux principes modernistes qu'aux traditions vernaculaires et à l'art précolombien. Contemporaine de Magdalena Abakanowicz et Sheila Hicks, Olga de Amaral a participé à la révolution de l'art textile dans les années 1960 et 1970.
Ses créations, tissées à la main, mêlent fibres naturelles, peinture, plâtre et métaux précieux, et témoignent de son intérêt pour l'architecture et la géométrie. Si ses premières oeuvres présentent des motifs géométriques et des couleurs vives révélant son intérêt pour la structure et la grille, celles des années 1970 marquent le début de ses recherches sur la tridimensionnalité et s'affranchissent du mur pour envahir l'espace. L'artiste revient par la suite à une échelle plus humaine et intime qu'elle associe à des couleurs s'inspirant des paysages colombiens et à. des matériaux précieux comme l'or ou le palladium.
D'octobre 2024 à mars 2025, la Fondation Cartier dévoile toute la richesse et la force de l'art d'Olga de Amaral dans la première gra Lire la suite Fermer

Ce volume rassemble les contributions présentées lors du colloque international 'Sculpter à la Renaissance. Un art pour (é)mouvoir' organisé par le Musée du Louvre à Paris et le Castello Sforzesco à Milan pour accompagner l'exposition 'Le Corps et l'Âme. De Donatello à Michel-Ange. Sculptures italiennes de la Renaissance', organisée entre 2020 et 2021 dans les salles des mêmes institutions , le catalogue a été publié par Officina Libraria. Avec la participation de quelques-uns des plus grands spécialistes de la sculpture de la Renaissance, l'objectif est d'étudier les interactions, les influences et les échanges entre les arts plastiques et les autres formes d'art de la Renaissance capables de révéler les sentiments à travers l'expression du corps. Il s'agit également de replacer dans leur contexte social, dévotionnel et intellectuel les différentes manifestations du sentiment dont la sculpture est l'un des supports privilégiés. Les huit contributions de ce volume abordent plus particulièrement les thèmes de l'art sacré, en tentant d'expliquer leur évolution formelle en relation avec les transformations socioculturelles de l'époque, mais aussi avec les traditions locales et leur dramatisation. Les essais du volume sont en FRANÇAIS, ITALIEN et ANGLAIS. Lire la suite Fermer

« Il ne faut pas parler de sculptures peintes seulement de sculptures, la couleur fait partie de la sculpture. » Lettre d'Alberto Giacometti à Pierre Matisse (15 octobre 1950)
Le désir, ou le besoin, d'associer la peinture à la sculpture apparaît de manière récurrente chez Alberto Giacometti et sous différentes formes au cours de sa carrière. Très tôt, il utilise son pinceau pour « animer » certaines de ses sculptures, il peint les traits du visage, les cheveux, accentue les formes du corps, rehausse les volumes. Ses outils et ses gestes de peintre sont appliqués à la sculpture, et vice-versa. Très peu connues du public, ces sculptures peintes de Giacometti font pour la première fois l'objet d'une étude dévoilant cette part secrète et émouvante de la production de l'artiste.
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Jean-François Jaussaud a rencontré Louise Bourgeois en 1994 dans son atelier de Brooklyn. Passé au crible de ses questions, le photographe est finalement adoubé par l'artiste. Un premier rendez-vous a lieu au printemps 1995, mais à une seule condition : détruire les images si celles-ci ne lui plaisent pas...
Jaussaud accepte et passe le « test ». Il obtient alors carte blanche pour photographier librement l'atelier et la maison de Chelsea. Il reviendra pendant onze ans.
Ces images rares montrent l'une des plus grandes artistes contemporaines dans son intimité, au coeur de son oeuvre.

« Il a été, tour à tour, le supplice et l'exaltation de la Volupté, la douleur de la Vie, la terreur de la Mort avec l'Enfer ; la voix de l'Histoire, avec les Bourgeois de Calais ; le fracas de l'Élément avec Victor Hugo ; l'Humanité multiple avec Balzac », s'enthousiasme l'écrivain Octave Mirbeau. En effet, Auguste Rodin ose tout. Sa créativité, ses capacités de travail sont sans limites. Après 1900, la gloire enfin venue, l'artiste voit défiler dans son atelier du Dépôt des marbres, admirateurs et belles admiratrices, disciples et assistants. Souvent considéré comme le dernier sculpteur inscrit dans la tradition occidentale de la représentation du corps, Rodin annonce sans conteste l'art du XXe siècle par son usage de l'accidentel, du fragment et de l'assemblage.
Spécialiste des archives de l'artiste, Hélène Pinet restitue le parcours d'un génie qui sut magnifier l'humain.
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L'exposition présentera une soixantaine de sculptures et autant de dessins, de peintures et de gravures. Les oeuvres seront mises en regard, dans un dialogue inédit, avec celles des artistes qui l'ont marqué pendant son séjour en Belgique. La Belgique est le berceau rodinien, c'est là que l'artiste naît à lui-même. Les six années d'expatriation en Belgique entre 1871 et 1877 doivent être considérées comme séminales pour l'artiste. Il change alors de statut : d'ouvrier- artisan au service de Carrier-Belleuse, il devient un artiste pleinement indépendant. Mais la Belgique c'est aussi le pays où se tient sa première exposition personnelle, en 1899, une exposition itinérante qui débute à Bruxelles. Rodin est alors en pleine possession de ses moyens : l'année suivante d'ailleurs il n'hésitera pas à faire construire un pavillon place de l'Alma à Paris pour y présenter l'ensemble de son oeuvre au public attiré par l'Exposition universelle. L'exposition de Mons se propose de mettre en lumière son cheminement artistique pendant cette période d'environ 25 ans au terme de laquelle il apparaît à la fois comme l'une des figures majeures du panorama artistique parisien et le précurseur du XXe siècle. Lire la suite Fermer

Sakountala l'un des chefs-d'oeuvre de Camille Claudel, est un fil permettant de retracer la carrière de l'artiste. Cet ouvrage, publié à l'occasion de l'exposition « Camille Claudel à l'oeuvre : Sakountala », présentée au musée Camille Claudel de Nogent-sur-Seine, revient sur le contexte de création de cette sculpture, l'histoire très mouvementée de sa réception ainsi que ses multiples avatars, de L'Abandon à Niobide blessée en passant par Vertumne et Pomone.

Ce catalogue offre aussi des éclairages sur la source littéraire très originale qui a inspiré Camille Claudel : La Reconnaissance de Sakountala, un mythe issu de la littérature indienne ancienne. En vogue en Europe à l'époque de la sculptrice, celui-ci a donné lieu à différentes traductions mais aussi à des adaptations scéniques, en ballet ou au théâtre, tout au long du XIXe siècle et encore au XXe siècle.

Textes inédits et notices d'oeuvres proposent ainsi un regard renouvelé autour de cette oeuvre majeure, la seule qui ait valu à Camille Claudel une récompense au Salon et qu'elle n'aura eu cesse de reprendre jusqu'à la fin de sa carrière. Lire la suite Fermer

Catalogue d'une exposition mettant en évidence la proximité des recherches du sculpteur suisse et du photographe japonais à travers une reconstitution d'une scène de théâtre nô, entre apparitions et réalité.

« Rien ne pousse à l'ombre des grands arbres ! » C'est ainsi que Constantin Brancusi (1876-1957), venu des Roumanie parfaire sa formation de sculpteur auprès du célèbre Rodin, se détache du maître pour tracer sa voie. Après des siècles de sculpture basée sur le modelage, il initie une petite révolution : pour lui, rien ne vaut la taille directe ! Il se confronte aux matériaux - le bois, la pierre, le marbre - dont il extrait des formes épurées, mais jamais abstraites. Il travaille bien souvent en série, déclinant un même sujet jusqu'à trouver la forme idéale. Son atelier lui-même est un véritable chef-d'oeuvre, aujourd'hui reconstitué au Centre Pompidou, où ses oeuvres dialoguent entre elles. Découvrez avec Brancusi comment la sculpture est définitivement entrée dans l'art moderne... Lire la suite Fermer

Cet ouvrage sur l'âge d'or de la sculpture à Florence est constamment réédité en Grande-Bretagne depuis sa première édition (1970). Cette synthèse n'avait pas d'équivalent. Elle n'en a toujours pas aujourd'hui.
Un des plus grands spécialistes de la sculpture italienne dresse ici un panorama complet de l'art des sculpteurs florentins, des Pisano à Jean Bologne, qui s'attache autant au développement du style qu'à l'évolution de la commande, des techniques et de l'iconographie. Issu d'un cycle de conférences données à l'université de Cambridge et à l'Institut Courtauld à Londres, le texte de Charles Avery, rédigé avec une clarté et une précision impeccables, ne tombe jamais dans la sécheresse érudite et parvient à mettre en relief les caractéristiques principales de l'art des sculpteurs florentins dans un exposé alerte et nuancé à la fois.
Ce classique de l'histoire de l'art anglo-saxonne a été entièrement revu par l'auteur pour l'édition française et la bibliographie en a été mise à jour.

Références - ART - Série dirigée par Philippe Sénéchal.
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Prix Augustin Thierry de l'Académie française 2021.
Illustré par une iconographie en partie inédite, cet ouvrage porté par deux éminents spécialistes, Pierre-Yves Le Pogam, avec une collaboration de Sophie Jugie, envisage la sculpture gothique à la fois dans son développement artistique et dans son contexte de création (commandes, ateliers, outils, circulation des formes, etc).
À partir du milieu du XIIe siècle, alors que l'art roman est encore en plein essor, certains développements de l'architecture occidentale annoncent une rupture profonde qui va donner lieu à une nouvelle étape de l'art européen, qu'on désigne après coup, depuis le XVe siècle, par le qualificatif de gothique. Dans le domaine de la sculpture, il s'agit d'une période qui voit se déployer des évolutions multiples et décisives. Les églises, notamment les grandes cathédrales, se couvrent d'un décor sculpté foisonnant, à la fois didactique et séduisant, qui illustre les grands cycles de l'histoire chrétienne et fait appel à la sensibilité des fidèles. Les XIIIe et XIVe siècles sont aussi marqués par le retour à la ronde-bosse, le développement de la statuaire autonome, l'invention ou la recréation de genres disparus depuis l'Antiquité (les tombeaux et les portraits sculptés, la statue équestre), qui préfigurent tout ce que nous entendons aujourd'hui dans la notion de sculpture.
Ces inventions aboutissent, autour de 1400, à l'un des derniers moments où les différents pays européens utilisent la même langue stylistique, avant que n'apparaissent au xve siècle des idiomes artistiques profondément individualisés et nationaux, liés à la Renaissance, laquelle a créé par dédain le concept d'art gothique. Or, les sculptures réalisées dans tout l'Occident entre la fin du XIIe et le début du XVe siècle, loin d'exprimer la barbarie que voulaient y voir, en forgeant ce terme, les intellectuels du Quattrocento, illustrent un des sommets de l'humanisme européen, par leur capacité à transmettre aussi bien des valeurs transcendantes que les affects et les émotions d'ici-bas.

Dix ans après La Sculpture romane, de Jean-René Gaborit (Hazan, 2010), auquel il offre un pendant, il s'adresse à un public érudit et curieux tout en enrichissant les connaissances d'un lectorat avisé. Lire la suite Fermer

Tout en ancrant sa pratique dans la continuité de l'art antique et de la Renaissance, Auguste Rodin (1840-1917) a ouvert la voie à la sculpture moderne. Loin de respecter les codes iconographiques classiques, il s'intéressa, très tôt, au mouvement, à l'expression du corps, à l'accident et au fragment ; donnant vie et forme à des chefs-d'oeuvre pour lesquels il est universellement reconnu, comme en témoignent des icônes telles que Le Baiser ou Le Penseur.
Réalisé en collaboration avec le musée Rodin, cet ouvrage revient sur les années de formation du maître comme sur les étapes les plus essentielles de sa carrière. La genèse des oeuvres et des monuments est retracée d'un point de vue historique mais aussi esthétique afin de mieux comprendre les liens qui existent entre toutes ses créations. Passage du plâtre au marbre, travail sur la terre cuite, agrandissements et assemblages : le lecteur est invité à découvrir, de l'intérieur, l'atelier de Rodin et à ressentir toute la puissance et la poésie de son geste créateur ; geste riche en innovations et en transgressions dont les dessins érotiques de Rodin portent également la marque.
Source d'inspiration intarissable pour plusieurs générations d'artistes, Rodin a su transmettre sa passion pour l'observation de la nature, la saisie du vivant et la vérité des formes avec une force inégalée. C'est à la découverte ou la redécouverte de cet inestimable héritage que le livre de François Blanchetière s'attache avec succès. Lire la suite Fermer

« Toutes mes sculptures, même les plus imaginées, partent toujours de quelque chose de vrai, d'une vérité organique.
L'imagination a besoin de départ. On peut ainsi déboucher de plain-pied dans la poésie. J'invente plus facilement en regardant la nature, sa présence me rend indépendante. » Germaine Richier, née le 16 septembre 1902 à Grans (Bouches-du-Rhône), et morte le 31 juillet 1959 à Montpellier (Hérault), est une sculptrice française.

L'oeuvre de Germaine Richier est représenté dans de nombreux musées français et étrangers et particulièrement :
- Antibes, musée Picasso.
- Montpellier, musée Fabre.
- Paris, musée national d'Art moderne, Centre Pompidou.

Prends un crayon à papier et une feuille. Voilà tu es prêt à apprendre à dessiner !
José Antonio Pérez, dit Jape, partage sa passion du dessin avec de jeunes (et moins jeunes) artistes qui comme lui ne cherchent pas à reproduire le monde, mais veulent simplement le rendre plus mignon ! Pas à pas, il enseigne l'art du dessin kawaii à travers plus de soixante illustrations représentant des fruits, des animaux, des aliments, des personnages... tous plus jolis les uns que les autres. Il est si facile d'embellir son univers avec ces petits dessins à la portée de tous !
José Antonio Pérez est tombé dans un pot à crayons quand il était enfant, dès lors, il n'a jamais cessé de dessiner. Sa maman, pour le punir, l'envoyait jouer dehors ! Cet autodidacte a lancé la chaine youtube 365BOCETOS (dessins) qui cumule plus de 285 millions de vues ! Lire la suite Fermer

Ce beau livre s'attache à réunir pour la première fois l'ensemble de la production d'inspiration religieuse de Jean Touret (1916-2004). Sculpteur mais aussi peintre et créateur de mobilier, il est emporté dès ses premières commandes dans l'effervescence qui accompagne dans l'après-guerre la construction de nouveaux lieux de culte, des chapelles emblématiques comme celle de Tignes jusqu'à la réalisation de l'autel moderne de Notre-Dame de Paris. Parallèlement aux oeuvres de commande, Jean Touret a sculpté toute sa vie des christs, des prophètes, un thème inspiré par ses lectures de l'Ancien testament et qu'il affectionne particulièrement. Il peuple sa maison de ces hautes figures d'orants à la forte présence, témoins de sa propre aspiration à une vie sans artifice. Cette statuaire, intégralement illustrée dans cet ouvrage, justifie le titre choisi : Art sacré - Art prophétique. Parmi les nombreux témoignages qui nourrissent ce livre, on retiendra celui de l'archevêque de Paris, Jean-Marie Lustiger, avec qui le sculpteur collabore pendant quarante années, dans la recherche ardente d'un art sacré où le figuré, le visible, évoque et signifie, sans imposer d'image. Cette quête commune transparait dans l'émouvante correspondance, nimbée d'amical respect et de foi partagée, qui accompagne la genèse de leurs réalisations au service de la liturgie. Lire la suite Fermer

À l'occasion de l'exposition du sculpteur Ron Mueck en juin 2023, la Fondation Cartier publie une version augmentée du catalogue raisonné de l'oeuvre de l'artiste publié pour la première fois en 2013. Cet ouvrage de référence présente l'ensemble des sculptures créées par Ron Mueck depuis ses débuts en 1996 à travers de nombreuses photographies et des documents inédits. Des notes de l'artiste, des vues de studio, des dessins préparatoires et des photographies de maquettes permettent au lecteur de découvrir le processus de création de Ron Mueck et d'entrer dans l'intimité de son travail. Des contributions du critique d'art Justin Paton et des historiens de l'art Robert Rosenblum et Robert Storr, ainsi que du philosophe Peter Sloterdijk explorent les thèmes majeurs qui sous-tendent son art. Lire la suite Fermer

Quand on possède la technique, tout est possible : dessiner un personnage en mouvement, varier ses expressions, ajouter des ombres, mettre en relief un visage, colorer son dessin aux feutres à alcool... Pour maîtriser pleinement ces divers procédés, il faut les aborder étape par étape. Les modèles expliqués dans ce livre permettent d'atteindre deux objectifs essentiels : prendre immédiatement plaisir à dessiner tout en acquérant des bases solides. À chaque leçon, vous apprendrez de nouvelles techniques. En élargissant ainsi progressivement votre socle de compétences, vous gagnerez en assurance et pourrez enfin dessiner comme un vrai mangaka !

Apprenez à dessiner la nature comme un véritable illustrateur !

Un bleuet, un artichaut, un cirse des champs, une feuille d'ortie ou encore un pin des Landes... 300 modèles présentés étape par étape pour apprendre à dessiner des fleurs, des arbres, des feuilles ou encore des champignons !

- Réalisé par la célèbre illustratrice Lise Herzog, experte dans l'art de décomposer les formes, et illustratrice de trois autres titres dans cette collection !
- Un format souple et pratique avec un crayon à papier intégré pour pouvoir annoter directement son livre.

Nous entraînant dans sa quête de « l'essence des choses », Brancusi nous propose de franchir toutes sortes de frontières, géographiques, historiques ou formelles. De sa Roumanie natale à Paris, à travers l'Europe, ainsi qu'aux États-Unis, en Inde et en Egypte, il effectue un parcours qui le mène à une sculpture originale, dépouillée de toute influence. Ce livre très documenté nous donne accès à une création exceptionnelle, désormais dans la mémoire collective et qui, au début du XXe siècle, a ouvert des voies vers la modernité.