Transformer le passé en un avenir rayonnant, poutre rénovée après poutre rénovée, tel est le sujet de " Restaurer de vieilles maisons pour une vie moderne ", un beau livre surprenant !
Cet ouvrage est un recueil d'immeubles et de maisons, comprenant des appartements et des maisons individuelles, qui ont été rénovées pour répondre aux besoins du mode de vie contemporain. Les réhabilitations des espaces de vie sont souvent réalisées pour redonner vie à des constructions existantes qui, avec le temps, sont devenues impraticables, voire obsolètes. Le défi est d'adapter ces bâtiments existants aux normes contemporaines tout en préservant ce qui pourrait encore être utile ou ce que nous aimons chez eux. La plupart des anciens bâtiments sont très compartimentés, reflétant les habitudes humaines et la technologie de leur époque. De nos jours, nous aimons vivre dans des espaces beaucoup plus ouverts et aérés, et les nouvelles méthodes de construction permettent de supprimer des murs pour libérer de l'espace. Nous rénovons et modernisons les espaces de vie à divers degrés, allant de la mise à niveau des équipements à la démolition et à la reconstruction de murs et à l'agrandissement des bâtiments. Bien que parfois un travail important soit nécessaire, ces réhabilitations peuvent entraîner des transformations époustouflantes. Beaucoup ajoutent du confort et augmentent l'utilité, sans parler du fait que l'investissement ajoute généralement de la valeur à la propriété. Ce livre présente une gamme de projets réhabilités, depuis ceux qui commencent par totalement dénuder les intérieurs pour un nouveau départ, jusqu'à des travaux moins importants qui peuvent se limiter à des changements cosmétiques ou à des mises à jour simples de finitions et d'équipements. Les logements existants se révèlent ainsi flexibles face aux nécessités changeantes, et ils sont essentiels à la régénération de notre environnement de vie. Lire la suite Fermer

Groupe fondateur du speed metal, Motorhead est surtout l'écrin dans lequel s'exprime l'icone du rock Lemmy.
Lorsque l'on prononce le nom de Motorhead, un souffle glacial vous parcourt la nuque. Bien qu'il ne soit devenu un étendard de la communauté Metal qu'à la fin de sa carrière, Motorhead reste pour toujours un groupe sans compromis, à la puissance intacte. Constamment sur la route, le groupe a défini un son autant qu'une esthétique de desperados unique, que même le thrash-metal, le death-metal ou le black-metal n'ont pas réussi à rendre obsolète. Au contraire, ces genres ne furent que des satellites gravitant autour de l'étoile noire Motorhead à qui ils doivent tout.
L'identité du groupe est bien évidemment indissociable de son bassiste-chanteur et fondateur Lemmy Kilmister. Personnage charismatique, jamais avare d'un bon mot, truculent et surtout libre, Kilmister aura mené sans broncher Motorhead jusqu'à sa propre fin en décembre 2015, quarante ans après la formation du trio originel. Il aura été le gardien du son Motorhead et de son esprit musical. On dit souvent que tous les albums se ressemblent, mais cette critique facile est aussi applicable à Black Sabbath, Status Quo ou AC/DC. C'est surtout le signe d'une méconnaissance réelle de la discographie de ce groupe qui aura su évoluer par petites touches dans son cadre musical. Ainsi, Overkill ne ressemble pas à Orgasmatron, qui ne ressemble pas à Sacrifice, qui n'a qu'une partie de points communs avec Aftershock. Pourtant, quand on écoute un album de Motorhead, on s'y sent toujours à la maison, et cela est en grande partie dû à la voix foudroyante de Lemmy Kilmister et à son jeu de basse bombardier.
De nombreux musiciens se sont succédés aux côtés de Lemmy. Certains ont été particulièrement importants dans l'histoire de Motorhead : Fast Eddie Clarke, Philthy Animal Taylor, Phil Campbell, Michael Burston, Mikkey Dee. Kilmister a toujours été loyal envers ses lieutenants, et la plupart ont été à ses côtés de nombreuses années.
Cet ouvrage revient en détails sur la discographie studio de Motorhead, ainsi que sur ses lives officiels. Une sélection de compilations est également proposée, visant à mettre en avant les publications les plus intéressantes parmi la pléthorique discographie plus ou moins officielle du groupe. Les destinées vinyliques de chaque musicien sont également proposées afin de mieux comprendre d'où ils viennent, ce qu'ils ont apportés au groupe en l'intégrant, et ce qu'ils ont pu proposer par la suite. Aux côtés de Lemmy Kilmister, ils auront contribué à définir un véritable canon musical, une pierre angulaire de l'histoire du rock'n'roll que le temps n'est pas près d'altérer de sitôt. Lire la suite Fermer

Un ouvrage qui est une ode au bois, matériel exceptionnel pour des intérieurs toujours plus chaleureux.
Surf, un art de vivre explore la culture et le mode de vie du surf. Il plonge le lecteur dans l'histoire et l'évolution du surf en tant que sport et style de vie et analyse son impact sur la société.
L'ouvrage examine les différentes manières dont vivent les surfeurs et les différentes
sous-cultures qui se développent au sein de leur communauté. Des surfeurs professionnels au simple adepte profitant du surf comme passe-temps, le livre explore les diverses façons dont les individus s'engagent dans l'océan, donnant un aperçu des perspectives uniques qui émergent d'une vie dédiée au surf. Il approfondit également le lien entre le surf et la nature et montre comment cette relation peut conduire à une appréciation plus profonde du monde naturel.
Le livre analyse aussi l'impact de la commercialisation et du développement du surf sur les différents sites. Il montre le rôle du surf dans les efforts de conservation et de protection de la nature particulièrement sur les barrières de corail.
Enfin il détaille le style de vie du surf et présente un fascinant aperçu de l'état d'esprit et de la culture unique qui se sont développés autour de cette pratique sportive populaire.
Une lecture incontournable à l'intersection de la nature, de la culture et du sport. Lire la suite Fermer

Comme à l'habitude dans la collection Cover, il s'agit de retrouver l'histoire du groupe The Cure et les multiples aventures de son leader Robert Smith à travers sa discographie et l'ensemble des chansons que Paul Convard analyse avec goût et minutie. Il y est aussi question d'un groupe culte qui a bercé les années 80 et 90.

Cette intégrale retrace l'aventure d'un des plus grands groupes de rock alternatif qui depuis plus de quarante-cinq ans se transforme et se modèle, change de personnel, de style et d'image au bon vouloir de son leader : Robert Smith. Seul membre permanent depuis Three Imaginary Boys, il reste aux commandes de ce vaisseau temporel aux multiples facettes dont il se sert comme vecteur de ses émotions.
L'épopée se dévoile à travers l'analyse minutieuse de ses 235 chansons expliquées et décortiquées une par une par Smith, Tolhurst, Gallup ainsi que par tous les artisans qui ont contribué à forger le récit de ce groupe emblématique. Les anecdotes, les vérités, les mensonges et les contradictions de Smith, les obsessions, la création, les blessures, le spleen, l'humour potache, le succès et ses désillusions... Rien n'est caché.
Une découverte pour ceux qui ont toujours voulu connaitre l'envers du décor et les secrets cachés derrière l'oeuvre de The Cure et pour ceux qui voudraient tout simplement s'immerger dans l'univers d'un groupe culte. Lire la suite Fermer

" Ashes To Ashes " est une chanson rupture dans l'histoire de David Bowie. Elle paraît sur l'album Scary Monsters où l'on retrouve, cette fois-ci, Bowie grimé en clown blanc : chanson de rupture avec l'ère berlinoise de Brian Eno, chanson qui clôt les années 70 : il dit adieu à Major Tom, qui est le cosmonaute de " Space Oddity ". C'est aussi la dernière chanson la plus " audible " de David Bowie avant longtemps la traversée des années 80 n'a pas été facile pour Bowie, même si son plus gros succès date de 1984 : " Let's Dance ", mais qui est certainement la pire de ses chansons... le monde du rock est toujours un grand paradoxe). Mais c'est aussi la chanson qui ouvre l'ère du clip roi. Le clip de " Ashes To Ashes " a généré nombres de cauchemards chez les kids du début des années 80. Lire la suite Fermer

Une histoire des Pogues vue à travers une de ses plus belles chansons. Hommage à Shane McGowan
Les Pogues est certainement un des groupes irlandais préférés des Français, avec son leader édenté Shane McGowan, qui est une figure du mouvement punk (documentaire disponible en replay sur Arte : " Ma vie avec les Pogues - L'épopée sauvage de Shane McGowan "). Avec " Dirty Old Town ", " Fairytale of New York " est une des chansons les plus connues des Pogues. Mais cette chanson est remplie d'une histoire chargée, émouvante, passionnante. Longtemps censurée (il y a un peu trop de gros mots pour la pudibonde BBC : Nick Cave a accusé récemment la censure abusive de la BBC sur cette chanson), la chanson est interprétée avec un talent hors-norme par Shane McGowan et Kirsty McColl (qui n'est autre que la fille de Ewan McColl, compositeur de la chanson... " Dirty Old Town ") au destin tragique (Kirsty McColl se noie en sauvant son fils sur lequel un bateau fonçait dessus). Kirsty McColl a été choriste pour les Smiths, Robert Plant, Alison Moyet, Talking Heads, Simple Minds et tellement d'autres. Lire la suite Fermer

L'histoire de Sonic Youth, sans doute le groupe le plus important du rock indépendant américain et une influence majeure pour l'ensemble des groupes actuels.
New York, 1981 : Sonic Youth naît de l'association de trois individus de caractère (Thurston Moore, Lee Ranaldo et Kim Gordon) qu'un quatrième (Steve Shelley) rejoindra quelques années plus tard pour finir de former le plus grand groupe de rock de la fin du XXe siècle. Jusqu'en 2011, Sonic Youth travaille à son mythe au son de guitares dissonantes et de refrains volontaires (parfois même involontaires) qui ne font plus de différence entre avant-garde et culture pop. Aux chansons électriques qui parsèment ses plus beaux albums (Sonic Youth, Confusion Is Sex, EVOL, Sister, Daydream Nation, Goo, Dirty...), chacun des membres de Sonic Youth ajoute ses propres expériences, réalisées en compagnie d'autres musiciens, et aussi d'artistes, de cinéastes... En conséquence, c'est à la " galaxie " Sonic Youth que ce livre est consacré : il en raconte l'histoire et ses à-côtés pour redire, en reprenant les mots du producteur Butch Vig, que si " ça peut paraître bizarre par endroits, ça sonne toujours bien. " Lire la suite Fermer

L'histoire d'un titre, Trans Europa Express, et d'un groupe allemand Kraftwerk dont la musique expérimentale va influencer le rap et être un référent pour de nombreux groupes d'électro.
Pour Thomas Gaetner, évoquer le morceau culte de Kraftwerk, Trans-Europa-Express est un pur prétexte pour raconter la musique qui l'habite : le rap et l'électro (celui de Detroit, USA).
Comment un groupe de musique expérimental allemand, de la Ruhr a-t-il plu influencer en 1977 autant la musique qui sera la plus écoutée au monde : le rap.
Et, comment les premiers DJ américains ont ils pu insuffler de cette mécanique électronique totalement européenne, froide, faite pour l''esprit, dans une musique chaude, faite pour les corps, sur les dance-floors.
C'est l'enjeu de ce livre de la collection seveninches, de raconter un des groupes européens les plus importants du XXème siècle, son histoire et ses influences. Lire la suite Fermer

Daniel Darc - Close up est le récit d'une amitié indéfectible, et nous présente Daniel Darc sous des facettes inattendues.
En 1990, enfant du rock et jeune cinéaste rêvant de cinéma rock'n'roll-underground, Marc Dufaud rencontrait Daniel Darc, figure charismatique du rock français des années quatre-vingt, avec pour objectif de tourner un film. Il réalisera Le Garçon sauvage, en dehors du système, au moment où l'ex-Taxi-Girl plongeait au purgatoire.
Ensemble, ils tourneront encore quatre films sur près de vingt ans, nouant l'un envers l'autre un lien qui durera jusqu'à la disparition du chanteur et poète.
Ces quatre films - très - confidentiels seront le ferment du long métrage multi-récompensé Pieces Of My Life sorti en salle en 2019.

Le récit s'articule autour de ces rockumentaires. On y retrouve de nombreuses autres figures du rock français, retraçant de façon personnelle et documentée la trajectoire de Daniel Darc depuis l'enfance jusqu'à son retour en 2004 avec Frédéric Lo et l'album Crève Coeur.

C'est aussi l'occasion pour Marc Dufaud de revisiter et d'interroger une expérience cinéma inaboutie mais singulière, avec ses mutations, expérience hantée par le syndrome de l'imposteur, un désir cinéma contrarié qui le conduira à se tourner vers l'écriture. Lire la suite Fermer

Printemps 1983 : le légendaire label londonien Rough Trade publie le premier single d'une formation alors inconnue. Le groupe se nomme The Smiths, la chanson s'intitule " Hand In Glove ". Malgré seulement trois concerts à son actif et quelques mois d'existence, le quatuor mancunien possède déjà tous les atouts pour s'imposer parmi les groupes les plus importants qu'ait connue la pop britannique. Chanson en forme de manifeste, vision artistique totale, sens de l'esthétique époustouflant, section rythmique parfaite, parolier hors pairs, compositeur surdoué, le premier 45 tours des Smiths est un coup de maître. Il représente désormais une borne incontournable dans la grande histoire du rock anglais. Ce livre retrace pas à pas la naissance d'un groupe et d'un single qui devaient changer à tout jamais le monde du rock dit indépendant. Lire la suite Fermer

Le premier ouvrage en langue française consacré au monument de la soul music qu'est Curtis Mayfield autant pour ses compositions que pour son engagement pour les droits civiques
Révélé au sein de The Impressions, trio phare des sixties, Curtis Mayfield s'est rapidement imposé comme un monument de la soul music. Lorsque sa philanthropie et sa conscience politique rencontrèrent la tension liée aux mouvement pour les droits civiques, Mayfield devint l'un des principaux architectes d'une soul militante dont l'influence est aisément identifiable chez le Marvin Gaye de What's Going on. Mais l'engagement de Curtis Mayfield ne saurait se résumer à son engagement citoyen. Guitariste extraordinaire, auteur et compositeur surdoué, il fournira un répertoire irréprochable à son premier groupe. "Gypsy Woman", "People Get Ready", "It's Alright" ou "Keep On Pushin" ne constituent qu'une poignée d'exemples extraits d'un catalogue vertigineux. Par la suite, le musicien évoluera vers une carrière solo considérée aujourd'hui comme l'une des plus riches dans l'histoire de la musique afro-américaine. De l'inoublialbe "Move On Up" à "There's No Place Like America Today", en passant par le légendaire "Super Fly", l'oeuvre de l'artiste est jalonnée de merveilles immortelles. Jerry Butler, Aretha Franklin, The Staple Singers et des dizaines d'autres ne s'y tromperont pas. Ils en commun d'avoir profité des services de ce discret génie lors de leur carrière. Paul Weller, Stevie Wonder, Bob Marley, Steve WInwood ou Lambchop font également partie des très nombreux artistes ayant salué à juste titre l'apport décisif de Mayfield sur la musique populaire.
Ce livre est le premier en langue française, à retracer l'épopée de l'homme au falsetto déchirant. Lire la suite Fermer

Jimi Hendrix est surement la star ultime et le plus grand guitariste que la terre rock ait porté avec seulement trois albums studios. Mais cette ouvrage foisonne de disques sur lesquels il a posé ses notes merveilleuses... Plus d'une centaine pour s'apercevoir aussi qu'il s'agit d'un des plus grands musiciens de l'histoire du rock.
Jimi Hendrix était trop. Trop bon. Trop doué. Trop intense. Trop sexe, trop drogues, trop rock'n'roll. Trop tout. Larger than life comme disent les anglo-saxons. Plus grand que la vie ! Hors du commun, c'est le moins qu'on puisse dire. Alors, les autres avaient du mal à suivre. Tous les autres : musiciens, accompagnateurs, stars du rock concurrentes, groupies, producteurs, organisateurs de concerts, journalistes, disc jockeys, présentateurs télé... Et nous aussi, pauvre public, bien sûr. Car son oeuvre est à son image : immense, d'une richesse inouïe, fascinante. Mais aussi truffée d'arnaques dues à des producteurs véreux, de disques post-mortem sur lesquels il n'apparaît parfois même pas ! Un bordel sans nom, pour résumer.

C'est à cette somme que ce livre s'attaque. Tous les albums, ou presque ! Tout considérer. Et faire le tri. Comme Hendrix lui-même faisait le tri : après avoir écouté un de ses grands disques - voire un seul morceau -, tout le reste parait fade. Jimi Hendrix était le plus grand. Il n'y a même pas de discussion. Le plus grand guitariste, bien sûr. Mais aussi probablement l'un des plus grands musiciens et compositeurs de l'histoire du rock - au sens large. Voire même l'un des plus grands chanteurs. Ironie suprême pour ce grand timide qui disait détester sa voix.

Mais comment faire ce fameux tri ? La carrière de Jimi Hendrix sous son nom - après n'avoir été qu'un simple accompagnateur - n'a duré que quatre ans. Il n'a publié de son vivant que trois albums studio - trois chefs-d'oeuvre - et un live. Et ce livre recense plus de cent disques ! Un cas d'école. Parce que Jimi jouait, composait, jammait avec d'autres musiciens et enregistrait en permanence. Les inédits sont innombrables, et souvent excellents. Car une chute d'Hendrix, c'est presque toujours quelque chose que n'importe quel autre musicien se damnerait pour avoir un jour enregistré... Son génie était tel que même ses rebuts étaient divins. Enfin, presque tous.

En conséquence, sa discographie, pléthorique, est une véritable jungle. On ne sait où donner de la tête. Ce livre essaie de trier le bon grain de l'ivraie. Avec subjectivité, bien sûr. Comment faire autrement ? En art, il n'y a rien de meilleur que la subjectivité. La critique objective est un leurre.

Stan Cuesta en sait quelque chose, lui qui a découvert Hendrix avec l'un de ses faux disques, l'une de ses fameuses arnaques, et qu'il l'a aimé parce qu'il ne savait pas. Depuis, il a tout écouté. Et il nous livre ici ses impressions, tel un reporter de guerre de retour de la ligne de front. En plus, il s'attache à raconter la planète Hendrix au sens large. Tous ces disques qu'on évoque généralement sans jamais les écouter : ceux que Jimi a, ceux des groupes avec lesquels il a joué. Un travail de dingue ? Absolument. Fait par un dingue, pour des dingues. Parce qu'Hendrix, c'est dingue. Lire la suite Fermer

En pleine vague punk et alors que les radios américaines boudaient son premier album, Tom Petty et ses fidèles Heartbreakers devaient connaître le succès en Europe lors d'une tournée anglaise en première partie de Nils Lofgren et en Europe continentale aux côtés des Kinks. Et pourtant, Petty et sa bande n'avaient rien à voir avec les punks, bien au contraire. La musique que jouait Petty et son groupe était fortement américaine, et puisait dans les racines musicales de ce pays. Du rock'n roll bien sûr, mais également des morceaux empruntant au blues, au folk et à la country music. Bien vite, grâce à ce judicieux mélange des genres, il devint une méga star aux Etats-Unis et accrocha une poignée de fidèles dans le monde entier. Pour le blondinet, né dans un bled paumé de Floride, la gloire, le succès n'ont jamais changé sa façon de vivre, ni de travailler. Reconnu par ses pairs, il aura également joué avec les plus grands musiciens, ses idoles de jeunesse pour la plupart. Son extraordinaire talent de singer/songwriter en fait l'un des musiciens les plus intéressants de ces quarante dernières années. Il se situe, sans conteste possible, dans la veine d'un Bob Dylan - avec qui il a joué au sein des Traveling Wilburys - d'un Neil Young, voire même d'un Bruce Springsteen. Tom Petty and his Heartbreakers, une histoire américaine, mais, heureusement pour nous, pas qu'américaine. Lire la suite Fermer

Un chanteur charismatique, un groupe mythique, une histoire torturée et un dernier album remarquable : LA Woman.

"We want the World and we want it nom" clame Jim Morrison Comme Jimi Hendrix, les Doors ont eu une carrière météorique de quatre années d'existence, plus fructueuse que le Voodoo Child, avec sept albums officiels au compteur et une notoriété folle ne s'arrêtant pas à leur Amérique natale. Les frasques de Jim Morrison ont traversé l'Atlantique comme une trainée de poudre et ont séduit les jeunes gens du monde entier, épris de liberté sexuelle. De plus, le groupe avait été signé par Jack Holzman, patron du label Elektra. Ce qui un gage de qualité et une raison supplémentaire de s'intéresser aux Doors.

L'histoire commence en 1966 à Los Angeles et la provocation devient le lot quotidien du groupe sur scène. Toutefois c'est autour de la méditation transcendantale et des enseignements du Maharishi Mahesh Yogi que ce sont retrouvés Ray Manzarek, pianiste, John Densmore, batteur et Robbie Krieger guitariste. La poésie et le mysticisme que développe Jim Morrison les fascinent et les Doors s'imposent alors entre expérimentation et psychédélisme. Après des débuts au London Fog sur Sunset Strip, ils rejoignent le Whisky A-GoGo ou le côté baroque et insolite de Jim Morrison séduit autant qu'il dérange. Les concerts deviennent alors une cérémonie entre imprécations sataniques et insultes contre les forces de l'ordre. La provocation trouvera son paroxysme lors d'un concert à Miami en mars 1969 lorsqu'il exhibera ses parties intimes s'attirant les foudres du FBI. Des albums mythiques, avec L.A Woman en joyau ultime, jalonneront une courte carrière qui se terminera dans une baignoire à Paris le 3 juillet 1971.

Jim Morrison est le troisième dans l'histoire à arborer un pantalon de cuir après Gene Vincent et Vince Taylor, laissant clairement apparaître ses organes génitaux. Ce qui concourt à faire de lui une icône sexuelle. Le garçon avait tout compris. D'une maturité exceptionnelle pour son âge, il allie un certain charisme, le mysticisme et la provocation, trois idiomes illustrant le futur triptyque " Sexe, drogue et rock'n'roll'. Avec son image de poète et de rebelle, il se veut aussi le porte-parole et la conscience de toute une génération.

La musique envoûtante des Doors avec l'orgue de Manzarek , la guitare tranchante de Robby Krieger, le beat imperturbable de John Densmore et le chant langoureux et masculin de Jim, fait de ce quatuor l'équation parfaite. Plus de cinquante ans après la mort de son leader, le culte de Jim Morrison est bien vivant en France et à travers le monde. Ce que témoigne la discographie enrichie par le label Bright Midnight Records année après année. Voici donc à travers la discographie des Doors et des élans solitaires de chacun des membres fondateurs l'histoire écrite par Gilles Scheps etc Serge Kaganski, d'un des plus grand groupe de rock que l'Amérique puritaine ait enfanté. Comme le disent nos amis anglais " Warning, the Lizard King is buried at Père-Lachaise " Enjoy it ! Lire la suite Fermer

Telephone, la machine créé par Jean Louis Aubert et Bertignac, est assurément le plus grand groupe de rock français que certains ont considéré, peut être à raison, comme les Rolling Stones français. Julien Deléglise raconte leur histoire à travers la discographie complète du groupe ainsi que les aventures solitaires de chacun des musiciens.


Téléphone reste en 2022 le plus grand groupe de rock français. Son héritage immaculé est constitué de cinq albums publiés sur une courte période de dix années entre 1976 et 1986, auxquels s'ajoutent deux albums live impeccables, et sur lesquels on trouve l'alchimie unique qui réunit Jean-Louis Aubert, Louis Bertignac, Corine Marienneau et Richard Kolinka. Jean-Louis Aubert sera le plus prolifique en solo, accompagné du fidèle Kolinka à la batterie. Louis Bertignac connaîtra une carrière un peu plus erratique, mais néanmoins riche en très bons albums, avec ou sans Corine Marienneau à la basse, avec ou sans les Visiteurs. Les deux guitaristes de Téléphone sont par ailleurs de fantastiques artistes de scène dont les disques live sont des jalons importants de leurs discographies respectives. Ils se réuniront d'ailleurs avec Richard Kolinka pour ranimer la flamme Téléphone sous le nom des Insus. Cet ouvrage retrace par ses albums la carrière de Téléphone, mais aussi celles de ses musiciens en solo.

Une manière de retrouver des chansons qui ont bercé la vie de nombre d'entre nous comme La bombe humaine et Un autre monde . Lire la suite Fermer

Avec l'architecture des containers, c'est une architecture qui est aujourd'hui tres tendance et en même temps abordable et durable. Ce beau livre en dévoile tous les secrets.
Avec l'architecture de conteneurs, il est question d'une architecture modulaire, préfabriquée, abordable, mobile et durable.

Une forme d'architecture durable qui créé une esthétique très particulière à partir de matériaux recyclés.

Il s'agit d'un procédé de construction basé sur l'assemblage d'éléments modulaires, en l'occurrence des conteneurs utilisés dans le transport maritime et ferroviaire de marchandises. Ils sont robustes, durables, économiques, facilement transportables, adaptables et durables. Leur polyvalence les rend adaptables aux échelles et aux besoins les plus divers : logements individuels et collectifs, centres commerciaux, bureaux, écoles, hôtels, restaurants, abris, laboratoires et oeuvres d'architecture éphémère. Container Architecture présente une sélection de projets originaux réalisés par une trentaine d'architectes internationaux. Lire la suite Fermer

Un beau livre pour présenter des solutions originales et écologiques en terme d'architecture en faisant appel au savoir-faire des plus grands architectes, adeptes de solutions durables en complet respect avec l'environnement.
Pendant plusieurs décennies, les concepts d'écologie et de durabilité ont généré des courants d'opinion très influents dans notre société, envahissant tous les domaines de notre vie.

Personne ne va à l'encontre des théories du réchauffement climatique ou du besoin toujours plus pressant de réduire les émissions de gaz à effet de serre. Dans le domaine de l'architecture, cette problématique provoque des changements et développements importants. Cependant, la réalité nous dit que nous avons encore de grands progrès à faire. Le pourcentage de bâtiments durables est encore très faible et en conflit ouvert avec l'augmentation des projets de construction dans le monde entier. Cela demande beaucoup d'investissement et de participation de la part de tous les architectes, constructeurs, fabricants de matériaux et bien évidemment des clients finaux.

Ce livre donne la parole à 30 architectes internationaux, professionnels reconnus, qui révèlent les nouvelles tendances de l'architecture durable et précisent comment ils ont contribué par leurs idées aux bases de cette architecture. Lire la suite Fermer

Prenons un, deux ou trois tambours. Nommons-les : toms, caisse claire ou grosse caisse.
Prenons une, deux ou trois cymbales. Choisissons les petites, grandes, rivetées ou incurvées.
Ajoutons à cela de la ferraille pour porter ces instruments, des pédales pour occuper nos pieds, un tabouret, quelques paires de baguettes, mailloches ou balais.
L'instrument est là, installé, attendant l'artiste....
Ils seront 150 à s'asseoir derrière la batterie tout au long de ces pages.
150 histoires de musiciens nous parlant de rock'n roll, de blues, de reggae, autant que de jazz ou de salsa.
150 parcours sillonnant le Brésil, l'Afrique, la Louisiane, la France.
La batterie des villes - New York, Paris, La Nouvelle-Orléans - qui rencontre celle des campagnes, des États du Sud américain à ceux du Nordeste brésilien.
La batterie des riches, avec leurs millions d'albums vendus, ou celle des pauvres, aux musiques plus confidentielles. La batterie au masculin, mais aussi au féminin.
Ils seront 150 à se côtoyer à travers ces pages. La plupart ne s'étaient jamais rencontrés avant ce livre, alors que tous racontent à peu près la même histoire : celle d'un enfant qui, un jour, entendant ou voyant une batterie, se dit : « Je veux jouer de cela. » Vous croiserez au fil de ces pages des destins incroyables, des passions que rien n'arrête. Vous suivrez ces artistes dans leurs plus grandes réussites musicales comme dans leurs périodes de vaches maigres, découvrirez leurs vies où tout s'enchaîne sans accroc ou s'obtient à la force des poignets.
150 biographies de batteurs, distingués parmi les centaines de ceux qui auraient pu ou dû figurer dans cet ouvrage. Il a fallu choisir.
André Ceccarelli, Buddy Rich, Art Blakey, Jack de Johnette, Elvin Jones, Brian Blade, Paul Motian, Tony Williams, Manu Katche, Zakir Hussein, Keith Moon, Charlie Watts, John Bonham, Carmine Appice, Phil Collins, Nick Mason et tant d'autres vous attendent.
Alors, 1, 2, 3, 4 : bonne lecture ! Lire la suite Fermer

L'histoire d'une chanson qui a révolutionné le monde de la musique
40 ans de house music à travers ce titre qui a déferlé sur tous les dance floor du monde, depuis mars 1983. Ce ne serait pas drôle si un de premiers titres dédié à la collection seveninches était tout, sauf un 45 Tours. En effet : Blue Monday est un maxi 45 tours (sa taille n'est donc pas de sept pouces, mais de douze...). Le format n'est pas anodin, car c'est un morceau fait pour les discothèques, avec une durée bien plus longue qu'un single (Blue Monday dure 7:31). Comment ce disque, réalisé par des musiciens orphelins de leur chanteur culte de leur précédent groupe ( Joy Division), prolétaires du nord de l'Angleterre ont pu chavirer à ce point les clubs de New York, Ibiza, Berlin, etc. ? Il y a un avant Blue Monday et un après. C'est sur le label indépendant Factory, que le maxi est publié. L'histoire raconte (et c'est vrai !) que le graphiste, Peter Saville, a désiré une fabrication spéciale pour ce disque, qui représente la modernité en illustrant un floppy disc, avec des découpages dans le carton de la pochette... Le disque coûtait plus cher qu'il ne rapportait... C'était donc pour la gloire... Sauf que le label, ne le groupe n'avait prévu de vendre... plus d'un million d'exemplaires du Maxi 45 Tours... ce qui fait de ce Maxi 45 Tours la plus grosse vente de toute l'histoire de l'industrie musicale britannique (80.000 ex en France !).

Préface de Mona Soyoc (KaS Product), post face de Dominique Dalcan, épilogue de Philippe Lomprez (Trisomie 21). Lire la suite Fermer

La new wave représente la musique pop des années 80 et ses emblèmes ont pour nom Dépèche Mode, Duran Duran et The Cure. Un dictionnaire passionnant et séduisant, reflet de toute une époque tout autant que répertoire de ce qui en a fait la magie.
Comment définir la new wave ? Un genre musical qui embrasse tellement de notions disparates. Selon l'Encyclopedia Universalis : " Le terme new wave apparaît en Grande-Bretagne vers 1977 pour qualifier un courant musical qui rompt, d'une part, avec l'anarchisme du punk, d'autre part, avec le caractère pompier et technique du rock progressif ou psychédélique des années 1970. On range alors dans cette catégorie new wave l'ensemble des nouveaux artistes qui pratiquent une musique où cohabitent guitares électriques au son tendu et sonorités électroniques, le tout étant accompagné d'une imagerie minimaliste et de textes sombres ou cyniques. " Ce qui est sûr, c'est que la new wave a embarqué sérieusement des millions d'ados, de la fin des années 70, des années 80 jusqu'à nos jours. Le nombre de groupes actuels qui se réclament héritiers de la new wave n'est plus à recenser. Une new wave qui était portée par des groupes comme Depeche Mode, Bauhaus, Spandau Ballet, Duran Duran, Cocteau Twins mais aussi The Smiths et Cure. Lire la suite Fermer

Fleetwood Mac est un des groupes qui a marqué l'histoire du rock durant les années 80 avec l'album ultime Rumours . Il est aussi le reflet des histoires d'une époque entre drogue, sexe et combat d'égos. Mais il fut, avant tout ça, le réceptacle du talent d'un guitariste d'exception : Peter Green.


Flanqué de John et de Christine McVie, de Mick Fleetwood et du couple Lindsey Buckingham et Stevie Nicks, Fleetwood Mac a bouleversé la culture pop en semant dans le monde entier une palpitante musique d'ascendance progressiste et country. Il y a eu les records établis par Rumours en 1977, puis les scores immenses de Mirage, Tango In The Night et autres Say You Will dans les années 1980, 1990 et 2000. Derrière cette rare longévité et cet attachement populaire constant, l'aventure aura toutefois été semée d'embûches : de la malédiction des guitaristes aux escroqueries du business, des crises mystiques aux conflits amoureux. Commencé au coeur du Blues Boom anglais des années 1960, cette histoire est une leçon de persévérance et de témérité. Car ce groupe aura d'abord réussi à survivre à la folie de son leader Peter Green, guitariste et compositeur de génie à qui nous devons Black Magic Woman , puis à celle de Denny Kirwan, un petit-génie devenu SDF, ainsi qu'à la déconfiture morale de Bob Welch. Il a fallu faire face ensuite aux émois destructeurs de Lindsey Buckingham et de Stevie Nicks, ainsi qu'aux adultères et à la cocaïne. La stature internationale d'un groupe pop de cet acabit ne s'illustre jamais sans la floraison de quelques scandales majeurs. Mais il est question de musique aussi et d'une créativité pionnière tout à fait spectaculaire. Lindsey Buckingham l'illustre pratiquement à lui seul, accompagné d'une des rythmiques les plus raffinées de cette époque, ainsi que de deux compositrices qui auront aussi révolutionné la coutume en imposant le sort des femmes à une échelle générationnelle. Lire la suite Fermer

De Smile, écrite par Charlie Chaplin pour son film Les Temps Modernes (1936) à No Time to Die, générique du James Bond Mourir peut attendre (2021), retrouvez dans ce livre 101 chansons de films parmi les plus célèbres du cinéma mondial, des années 1930 à nos jours. Un beau livre dédié à la chanson dans le monde du cinéma.

Les chansons de films sont souvent l'un des éléments essentiels du succès de celui-ci, mais il arrive aussi que la chanson ait été un tel succès qu'elle en a effacé parfois totalement son support comme ce fut le cas de Strangers in The Night qui occulta totalement D pour danger, le film dont elle est issue. ou Les copains d'abord, de Georges Brassens, du long métrage Les copains ?
Mais la plupart du temps, les deux sont intimement liés dans la mémoire du public, par exemple, Singin'In The Rain est à la fois le film mythique du Hollywood des années 1950 et la chanson extraite de celui-ci interprétée par Gene Kelly.
Ce livre se propose de passer en revue les plus grands succès nés du cinéma, qu'il s'agisse de chansons faisant partie intégrante d'un film, ou bien de chansons figurant simplement au générique ou ayant été reprises par la suite. Présenté par décennies et illustrés d'affiches de films et de pochettes de disques, ce livre, s'adressant autant aux amoureux du cinéma que de la chanson, Lire la suite Fermer

Ce livre célèbre le travail de 30 studios d'architecture ; les forces influentes singulières sont présentées aux côtés des talents émergents. Certains ont été largement récompensés et publiés.
Ils disposent de bureaux répartis dans le monde entier, qui promeuvent leurs idéaux et leurs visions, et créent des oeuvres qui ont le pouvoir de suggestion et qui inspirent l'émotion. Les architectes participants, à travers leurs oeuvres les plus remarquables, présentent leurs propres positions théoriques, leurs innovations techniques et leurs contributions à la conception du monde bâti. Chacun, à sa manière, s'efforce d'offrir des solutions de conception qui contribuent au progrès et au bien-être des sociétés.
Innover, anticiper les défis futurs et développer des visions à long terme sont quelques-uns des objectifs de conception qui répondent aux idées contemporaines de confort, de convivialité, de durabilité et de qualité. L'année de l'architecture compile une riche variété de ses approches de conception les plus variées possibles.
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Fils du jazz, amant du rock électrique, le jazz-rock doit sa paternité au grand Miles Davis, sans contestation possible. C'est lui qui introduit de la musique amplifiée dans son jazz en pleine mutation à la fin des années 1960, trouvant une résonance dans les mouvements culturels et politiques afro-américains. Il va s'entourer d'une pléiade de jeunes musiciens qui vont à leur tour prendre leur envol et développer leurs propres formules de ce que l'on appelle également le jazz-fusion : John MacLaughlin, Tony Williams, Herbie Hancock, Chick Corea... Cette impulsion poussera par ailleurs toute une génération de vénérables vétérans du post-bop à se laisser tenter par l'expérimentation : Sonny Rollins, Herbie Mann, McCoy Tyner...
Le rock lui-même cherche de nouvelles voies, de nouveaux apports artistiques. Aux Etats-Unis, les musiciens s'intéressent de près au jazz, et en donne leur version du jazz-rock : Chicago, Blood Sweat And Tears, Frank Zappa, Larry Coryell, Tim Buckley... Quant à la musique afro-américaine, elle prend appui sur la musique de Miles Davis et Herbie Hancock pour se tourner vers une extension du jazz-fusion, le jazz-funk, dont Hancock est l'un des pionniers avec ses Headhunters. Ils s'appellent Joe Farrell, Tom Scott, Carlos Santana, John Abercrombie, George Duke... et vont eux aussi alimenter la grande marmite musicale initiée par Miles Davis.
En Grande-Bretagne, la musique de Miles Davis trouve aussi de l'écho, en même temps qu'est toujours ardemment admiré John Coltrane, décédé en 1967. Le rock, le blues et le jazz s'entrecroisent, parfois avec un soupçon de psychédélisme, et vont donner naissance à une scène riche : Nucleus, Soft Machine, Keef Hartley Band, Isotope, Allan Holdsworth, Colosseum... Simultanément, l'Europe suit le mouvement. La France offre Magma, Jean-Luc Ponty... L'Allemagne et la Scandinavie, Terje Rypdal, Jan Akkerman, Kraan...
Le jazz-rock perdure durant toutes les années 1970. Avec le rock progressif, il est le symbole de la liberté d'expression artistique et du bouillonnement créatif de cette époque. Il n'y a pas de limite ni de durée, ni de genre musical. Le public s'enivre d'improvisations électriques, de ces grandes odyssées sonores jouées par Mahavishnu Orchestra, Weather Report, Return To Forever... Une nouvelle génération voit même le jour au milieu des années 1970 aux Etats-Unis et en Grande-Bretagne : Brand X, Hummingbird, John Scofield, Dixie Dregs, Marcus Miller...
Et puis, alors que le formatage généralisé de la musique mainstream semble toujours limiter un peu plus l'horizon sonore, une nouvelle génération fait à nouveau revivre l'esprit du jazz-rock et sa liberté artistique et intellectuelle : Causa Sui, Kanaan, John Dwyer...
Julien Deléglise a sélectionné 150 noms, musiciens ou groupes, qui auront tous contribué à la grande aventure du jazz-rock, de la fin des années 1960 à aujourd'hui. Chaque entrée bénéficie d'une biographie, et d'une sélection de un à plusieurs disques que l'auteur considère comme essentiels, de manière absolument subjective mais argumentée. Lire la suite Fermer