"Je trouvais intéressant de raconter un voyage par le biais de la peinture murale".
Cet ouvrage, créé à l'occasion de l'exposition Seth se la joue au Musée en Herbe, emmènera les lecteurs sur le terrain de jeux de l'artiste Seth. Julien Malland (né en 1972) devient Seth dans les années 1990, quand il commence à peindre les murs des rues de sa ville natale, Paris.
En 2003, Seth entreprend un tour du monde de neuf mois dans le but de partager des expériences artistiques avec des artistes de street art issus de cultures différentes. Ce voyage change radicalement sa perception et lui offre la chance de laisser son empreinte à chaque étape de son itinéraire. Il publie le livre Globe Painter, sous forme d'un carnet de voyage, récompensé en 2007 au festival du Carnet de Voyage de Clermont-Ferrand. Il est alors contacté par Canal+ pour réaliser une série de reportages sur l'art urbain pour l'émission Les Nouveaux Explorateurs.
« L'idée était de faire découvrir un pays par le biais de l'art de rue, pas forcément ni uniquement le street art », explique-t-il. Depuis 2011, Seth travaille principalement seul à la création de ses murs et peint également sur toile. Ses oeuvres livrent un message, parfois caché, ou permettent une libre interprétation que la poésie du dessin suggère. D'ailleurs, l'artiste se considère davantage comme un peintre public qu'un street artiste. Pour Seth, l'art de rue est une discipline plus globale. L'exposition organisée au Musée en Herbe permettra aux enfants et aux plus grands de découvrir ou de redécouvrir cet artiste. Cet ouvrage s'attachera à faire partager l'univers de Seth, à travers ses voyages, la culture et les jeux rencontrés aux quatre coins du monde.
This book is the first monograph devoted to Massinissa Selmani. Most of his work since 2009 is grouped around his central practice of drawing. The artist refers to his works as 'drawn forms', and they involve a subtle balance between staging, architecture and their surrounding spaces. Made up of drawings, installations, sculptures and short animations, they depict scenes often inspired by current events, to which Massinissa Selmani adds supernatural, absurd or mysterious features. Reality becomes imaginary, possible narratives are challenged and ambiguity overrides certainty. The audience is thus free to create its own interpretation of a work in which fiction and reality mingle, creating a new reality. Massinissa Selmani (born in 1980 in Algiers) has received numerous awards, including a special mention from the Jury at the Venice Biennale in 2015. He is nominated for the Marcel Duchamp Prize 2023.
L'Atlas est un artiste parisien né en 1978. Fasciné par l'écriture manuscrite dès son plus jeune âge, il se rend dans différents pays arabes dans les années 1990 pour y étudier la calligraphie. En France, il commence à développer son art du graffiti, qu'il combine avec sa passion pour l'écriture. L'équilibre entre la forme et la lettre est depuis lors au coeur de sa pratique. Ses oeuvres prennent pour point de départ la signature de l'artiste - L'Atlas, qu'il décline de milles manières. À partir des années 2000, il privilégie le gaffer, avec lequel il trace son nom sur différents supports, tels que les toiles, trottoirs ou façades d'immeubles. L'Atlas crée un alphabet tout en méandres qui, ancré dans la ville, invite à s'interroger sur l'universalité de la langue et les limites de l'illisible.
Comme dans son travail en trois dimensions, Plensa s'intéresse avant tout à l'humain dans ses dessins. Il fait fusionner des visages de femmes et d'hommes avec des photos, des lettres de divers alphabets ou encore des chiffres, créant un univers très poétique.
Il a recours à une grande variété de matériaux : colle translucide, pastel, graphite, cire, collage sur tissu, plexiglas ou papier, montrant le renouvellement constant de ses recherches artistiques.
Empreints d'une grande liberté, les dessins dévoilent le cheminement de la pensée de l'artiste, ils constituent un lieu de réflexion et d'expérimentation.
Cet ouvrage trace une histoire de l'art du graffiti à travers l'évolution du travail de Tilt. Partant du writing, ce genre de graffiti fondé sur le dessin et la peinture de lettres dont se réclament encore aujourd'hui nombre de graffeurs - parmi lesquels Tilt - qui entendent affirmer leur spécificité et opposer une forme de résistance au tournant « street-art » de la production visuelle actuelle dans l'espace public. Tilt peint son premier tag éponyme en 1990. Il sait dès lors que le graffiti sera une passion à vie. Le graffiti traduit un rapport libertaire, voire anarchiste, invasif, à la ville, contre l'autoritarisme de l'architecture et de l'urbanisme, la sur-implantation de la publicité, l'enlaidissement de certains quartiers. Son contenu, dans la pratique de Tilt, n'a pas besoin d'être explicitement militant : ce qui est politique, ici, c'est le geste lui-même, sous une forme activiste d'intervention sur le territoire. À partir de 2016, Tilt va recréer en atelier des séries d'abstractions. Ces oeuvres provoquent le même effet de surprise que celui que suscite un graffiti dans la ville, elles sont à la fois inscrites dans les origines subversives du graffiti et dans l'histoire de la peinture. Qu'il soit « vandale », dans la rue, où il appartient à tout le monde, ou qu'il devienne objet à vivre comme en décidèrent les premiers graffeurs qui investirent les galeries d'art newyorkaises dès les années 1970, l'histoire du graffiti continue ainsi à s'écrire.
The best of Japanese graphic poster design, from the 1964 Tokyo Olympics to the Issey Miyake logo.
This book brings together the best of Japanese graphic poster design--from the 1964 Tokyo Olympics to the creation of the Issey Miyake logo, and from the Osaka Expo to the official poster for the Pan-Pacific Design Congress. Japanese contemporary posters are considered to have started in the mid-'50s, after World War II and following a period of depression, post-militarism and post-autarchy. This new expressive mode was fueled by stimuli from abroad, but it was also a chance to reinterpret traditional themes and colors, bringing them into modernity in refreshing and fruitful ways. In the maze of expressive forms that flourished in Japan during the postwar period, graphic design stands out as a precious tool for following the thread of national creativity and the intense permanence of traditional aesthetic sensibility through these new forms.
Over half a century after the inception of graphics and with the coming Olympic Games taking place in 2021, this volume takes a wide view of the trends and aesthetic shifts that can be traced in the development of graphic design in Japan. Contemporary Japanese Posters includes 85 graphic designers and 756 posters. It is the most complete volume on the subject in any language.
La découverte des cinq mondes imaginaires permet d'explorer l'oeuvre foisonnante de Speedy Graphito tout en apprenant l'histoire de l'art. Ludique et pédagogique, le livre comprend une multitude de jeux. Après être sorti du labyrinthe et avoir joué au jeu des 7 différences, nos petits lecteurs sauront-ils retrouver les nombreuses références à l'histoire de l'art, aux jeux vidéo et à la bande dessinée, cachées dans les oeuvres de Speedy Graphito ?
Précédant de quelques semaines l'exposition Antoni Clavé - Estampes présentée à la Bibliothèque nationale de France à partir du 9 janvier 2018, cet ouvrage rassemble l'intégralité de l'oeuvre gravé de l'artiste.
Antoni Clavé (1913-2005) fait partie des peintres graveurs du XXe siècle qui, comme Pablo Picasso ou Joan Miró, ont trouvé dans la gravure une pratique à part entière comme celle de la peinture et la sculpture. Ce catalogue raisonné réunit des oeuvres publiées précédemment dans les ouvrages de Roger Passeron (1977) et de la Sala Gaspar (1984), il présente également des gravures redécouvertes et inédites, l'intégralité des dernières estampes réalisées par l'artiste et jamais montrées dans leur ensemble à ce jour.
L'ouvrage réunit près de 520 estampes originales ainsi que 22 livres de bibliophilies auxquels l'artiste a collaboré.
Ce catalogue raisonné se veut un outil exhaustif pour les amateurs autant qu'une plongée au coeur d'une pratique de la gravure en dialogue permanent avec la peinture et la sculpture, révélant ainsi?la démarche créatrice globale d'Antoni Clavé.
Natif de Barcelone, Clavé effectua toute sa carrière en France. En 1944, sa rencontre avec Picasso fut déterminante dans sa vie comme dans son oeuvre. À partir de la seconde moitié des années 1950, ses peintures, gravures et sculptures sont exposées aussi bien dans les galeries de renommées internationales (Beyeler, Salar Gaspar) que dans les musées : Centre Pompidou, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Pavillon espagnol de la Biennale de Venise (1984). En 2015, le premier musée entièrement consacré à l'oeuvre de d'Antoni Clavé, conçu par Tadao Ando, est inauguré au Japon.
Cette publication préfacée par François Pinault dont il fut l'ami, ainsi que l'exposition de la BnF, permettront au public parisien de redécouvrir cet artiste singulier qui a occupé une place à part dans l'histoire de l'art français et espagnol de la seconde moitié du XXe siècle.
Ce volume documente les recherches d'Alberto Giacometti sur le graphisme avec plus de quatre cents feuilles et de nombreux livres d'artistes dans lesquels il a exploré diverses techniques, des gravures sur bois aux gravures au burin, en passant par les points secs, les lithographies et les calotypes. Des matrices chalcographiques et lithographiques accompagnent les tirages. L'environnement créatif de l'artiste et de l'homme se révèle également à travers les photographies évocatrices d'Ernst Scheidegger et Paola Savioni Martini.
This publication highlights the stages of the Arabic script's development since its very beginnings and the artistic relationship between calligraphy, contemporary art and artificial intelligence through an exceptional journey of knowledge, featuring Saudi and international master calligraphers, contemporary artists and designers.
Daniel Dezeuze, né en 1942, est un artiste français et membre fondateur du groupe Supports-Surfaces. Composé entre autres de Claude Viallat, Louis Cane, André-Pierre Arnal, Vincent Bioulès, Jean-Pierre Pincemin et Bernard Pagès, ce groupe s'est formé en 1966 dans le but de déconstruire la peinture, afin de réexaminer son histoire et de remettre en question sa nature.
La couleur était une question fondamentale dans nombre de leurs oeuvres, tout comme l'utilisation de matériaux nontraditionnels.
Le travail de Dezeuze a beaucoup varié au fil des années tant en termes de technique que de ton, depuis les austères échelles en bois souple des années 1970, jusqu'à la légèreté éthérée de ses oeuvres en gaze ou à la gaieté colorée de ses Peintures qui perlent.
Il existe deux principales directions dans son oeuvre, comme dans ses dessins : la première est la déconstruction de la peinture et de ses commposantes et la seconde est la création de séries d'objets, évoquant des activités récurrentes de l'humanité. À cela s'ajoute, dans ses dessins, la représentation sensible de la nature dans des séries tels que La Vie Amoureuse des Plantes ou les Papillons.
