« Myth is timeless, as painting has become. My works usually revolve around stories that are so old we cannot determine their origin. It is the very idea of the origin that interests me, no doubt precisely because it can't be found ! Just as the truth of myth is utterly elusive. » Gérard Garouste Gérard Garouste is one of the major figures of French painting. This monograph presents the artist's journey through the great mythological sources he has drawn from in order to build his oeuvre. Whether literary, biblical or personal, these myths are the framework of his painting and have fed, for over forty years, his quest for meaning, as well as his philosophical and poetic investigations.
This book was published on the occasion of the exhibition Gérard Garouste - The Other Side presented at the National Gallery of Modern Art, New Delhi.
Bernard et Franck Prazan ont réussi la gageure de réunir un ensemble de chefs-d'oeuvre de Serge Poliakoff : une vingtaine d'oeuvres regroupées pour une exposition et présentées dans un magnifique catalogue publié à cette occasion.
Les oeuvres de Serge Poliakoff seront exposées à la galerie Applicat-Prazan du 27 mars au 26 avril 2008. Parmi les oeuvres regroupées, deux ont déjà connu des records du monde.
Alexis Poliakoff, fils de l'artiste, souligne le caractère d'exception de l'ensemble présenté :
" Lorsque Bernard Prazan et son fils Franck m'ont parlé de leur projet d'une exposition Poliakoff, en voyant les tableaux qu'ils avaient réunis pour cette manifestation, je me suis retrouvé par enchantement dans ma chambre de l'appartement que mes parents occupaient boulevard Saint-Germain en 1954. J'étais à l'époque entouré de cinq ou six de ces tableaux que je revois aujourd'hui. C'est comme si je retrouvais les compagnons de jeu de mon enfance.(...) J'ai souvent rêvé d'organiser une exposition avec les tableaux de mon enfance et je salue l'exploit de Bernard et Franck Prazan d'avoir pu réunir autant de chefs-d'oeuvre de Poliakoff pour notre plus grand plaisir. " Outre l'introduction d'Alexis Poliakoff, une interview de Bernard Prazan et une conclusion de Jean Pollak, éminent marchand d'art moderne, fondateur de la galerie Ariel à Paris et ami intime de Serge Poliakoff, offrent autant de regards aiguisés sur l'oeuvre de cet immense peintre abstrait de la seconde Ecole de Paris.
Textes d'Alexis Poliakoff, Bernard Prazan et Jean Pollak. Index des oeuvres.
À l'occasion de l'exposition de Piero Pizzi Cannella à la galerie di Meo du 26 octobre au 16 décembre, Communic'Art a créé et édité un catalogue de 80 pages présentant un catalogue de 80 pages comprenant 34 illustrations, un texte de Lydie et Nello di Meo, une lettre de l'artiste et un texte de Laurent Boudier, journaliste et critique d'art.
L'exposition, intitulée Omaggi, constitue un hommage aux grands maîtres de la peinture, Duccio, Caravaggio, Goya, Velazquez, Delacroix, Matisse, Picasso, Rembrandt, Giotto, Bronzino à travers quelques liens subtils : un fragment, une couleur, une ligne, un récit. Ces douze " hommages " sont accompagnés d'une série d'huiles et de gouaches.
" Radicale peinture, résolument contemporaine, qui ne proclame pas de facto son intention mais impose à la matière épuisée - et à l'image écharpée et vagabonde, tout Pizzi Cannella - sa confession. Encore et encore, l'art est une blessure, délicate mort de l'instant. " écrit Laurent Boudier.
Piero Pizzi Cannella, né à Rome en 1955 fait partie de la Nouvelle Ecole Romaine. Son art associe une matière riche à une iconographie épurée. Des objets font leur apparition sur de vastes aplats, ils n'ont que peu de relief, ils semblent glisser sur la surface peinte comme des images glissent sur notre conscience. L'objet est représenté par la grâce d'un dessin léger, il se révèle après avoir été gratté, raclé. L'objet s'avère fondamental dans la composition car il constitue la porte d'entrée dans l'univers du peintre, et nous permet de mieux pénétrer l'immensité et la richesse picturale de ses fonds.
Textes de Nello di Meo, de Piero Pizzi Cannella et de Laurent Boudier
Edité à l'occasion de l'expsiitoon actuelmement en cours à la galerie Daniel Templon, ce beau livre revient sur une grande période de création du célèbre artiste Claude Viallat, aetiste phare du mouvement Supports/Surfaces.
Il contient unn entretien exceptionnel de l'artiste avec Alfred Pacquement, ancien directeur du Centre Pompidou, qui a exposé Viallat, et ami de longue date de l'artiste.
Les années 1980 marquent le temps de la reconnaissance pour Claude Viallat : après les années fondatrices de Supports/Surfaces, l'artiste s'émancipe et développe une oeuvre picturale originale qui sera exposée dès 1982 au Centre Pompidou et en 1988 au Pavillon français de la Biennale de Venise. Tout en restant fidèle au programme qu'il avait mis en place dès 1970 - s'affranchir des contraintes de composition et de représentation, désacraliser la toile libérée de son châssis - l'artiste développe une oeuvre plus nourrie, expérimentant davantage avec la couleur et les textures.
Admirateur de la peinture vénitienne, de Matisse et de Pollock, il applique des couleurs épaissies sur des oriflammes, des rideaux, des fragments de tente ou de parasols. 'J'ai quitté Supports/Surfaces et je suis plutôt dans la Peinture/Peinture' affirme l'artiste, qui, après les expérimentations et la fluidité des années 1970, se dit 'déculpabilisé' dans son rapport au support.
'On a salué à juste titre la continuité de l'approche de Viallat, sa fidélité aux principes établis dès le départ. Mais doit être également soulignée sa détermination à transgresser les règles qu'il s'est imposé, d'aller souvent à la limite dans les confrontations colorées, dans les associations de tissus', insiste Alfred Pacquement dans le catalogue de l'exposition.
A partir de la forme abstraite, toujours identique, qu'il répète depuis cinquante ans, dans une démarche continue où le support est déterminant, 'chaque peinture est pourtant singulière'.
Le travail de Claude Viallat est aujourd'hui incontournable et son approche revêt une actualité toute particulière au vu du développement de la jeune scène américaine qui retravaille son héritage (pauvreté du matériau, répétition, exploitation de l'erreur, réflexion sur la surface) mais aussi de la revalorisation du vernaculaire et des pratiques artisanales dans la création contemporaine internationale.
Son oeuvre est présente dans de nombreuses collections publiques dont celles du Musée National d'Art Moderne de la Ville de Paris, du Mnam - Centre Pompidou, du Moma (New York). Le Musée Fabre à Montpellier lui a consacré une grande rétrospective à l'été 2014.
