Dès ses débuts, le langage scénique de Krzysztof Warlikowski intègre l'art video comme dimension essentielle de son esthétique. Son fidèle collaborateur, l'artiste vidéaste Denis Guéguin, fait partie de cette aventure depuis plusieurs années. À partir d'entretiens réalisés avec ce dernier, la scénographe Malgorzata Szczesniak et Krzysztof Warlikowski lui-même, cette monographie explore son oeuvre sur le plan conceptuel, avec une approche dramaturgique de ses mises en scène et sur le plan technique, révélant certaines pratiques de répétitions.

Krzysztof Warlikowski, the outstanding European director of theater and opera, is one of the greatest artists of our time. From the start, he incorporated video art into his scenic language as an essential dimension of his aesthetic. His collaborator, video artist Denis Guéguin, has been part of this adventure for many years. Based on interviews with Guéguin, set designer Malgorzata Szczesniak and Krzysztof Warlikowski himself, this monograph explores the director's scenic work for the first time, both from a dramaturgical perspective, revealing how the productions are prepared, and from a technical perspective, narrating key moments in rehearsals.
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Conçu par l'une des figures majeures de l'art conceptuel, ce livre d'artiste (et catalogue d'exposition) élégant et sophistiqué propose une analyse visuelle des réflexions conceptuelles autour de la couleur, de la forme, de l'espace et du temps, à travers un dialogue entre les oeuvres et les écrits de Castellani, Fontana, Manzoni et Klein et ceux de Joseph Kosuth. L'ouvrage, illustré d'inserts sur papier photo, comprend également un texte personnel et théorique de la curatrice Cornelia Lauf.
Publié suite à l'exposition éponyme à Mazzoleni, Londres, du 19 mai au 28 juillet 2017.

Tableau premier :
Cinq cages pour cinq femmes : Lama, 60 ans, vieille fille ; Zeina, 50 ans, intégralement voilée, surnommée « Ninja » ; Hiba, 30 ans, pute ; Yara, 30 ans, lesbienne, et Abir, 20 ans, obèse.
Et un homme vêtu de noir, 50 ans, qui serait l'interrogateur et le gardien des femmes.
L'homme interroge et les femmes répondent.
Elles font plus que répondre : elles révèlent leur condition de femmes dans une société patriarcale et conservatrice. Elles accusent et s'accusent, sans pitié ni parti pris.
Tableau second :
Un intérieur d'appartement avec l'époux, l'épouse, la fille et son amie. Ici, les rôles sont inversés : c'est l'homme qui manie serpillère et balai, et subit les quolibets.
La fin est noire à souhait.
Joumana Haddad, qui « a été prisonnière, puis geôlière, et qui s'est libérée des deux cages », se dédie sa pièce et la dédie à tous ceux pour qui, selon André Malraux, « la liberté n'est pas un échange, c'est la liberté ».
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Le premier recueil publié de l'oeuvre de l'artiste et homme de théâtre Asher Hartman, figure du théâtre-performance américain, et de sa compagnie du Gawdafful National Theater.
Le livre comprend trois pièces de Hartman (Purple Electric Play (PEP !), Mr. Akita et Sorry, Atlantis: Eden's Achin' Organ Seeks Revenge), ainsi qu'un encart en couleur, des contributions de Janet Sarbanes et Lucas Wrench et une conversation entre Asher Hartman et Mark Allen (producteur des trois pièces) et Tim Reid (un dramaturge et interprète qui a rejoint la compagnie Gawdafful en 2018).

Yarn and fiber enthusiasts everywhere will celebrate the latest addition to Amy Herzog''s beloved knitting series (which includes You Can Knit That, Knit to Flatter, and Knit Wear Love ). This essential guide details every aspect of sweater knitting, starting with instructions for four basic sweater types: yoke, raglan, drop shoulder, and set-in sleeve. Patterns are offered in multiple sizes and yarn gauges for broad appeal. Following the basics for each of the four sweater types are a diverse range of customizing options, including how to add a hood, cowl neck, turtleneck, pockets, and zip or cardigan front, just to name a few. Amy''s clear instruction and expert tips expand the many knitting possibilities, creating the essential knitting resource for knitters everywhere.
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La théâtralisation de l'Union soviétique à travers la mise en scène des procès staliniens pour l'exemple par le dramaturge Nikolaï Evreinov.
Dans les années 1910, le metteur en scène et théoricien du théâtre russe Nikolaï Evreinov a insisté sur la théâtralisation de la vie. Vingt ans plus tard, Evreinov, qui avait quitté la Russie en 1924, était en exil à Paris lorsque Staline a organisé trois procès politiques complexes à Moscou. Il lit alors méticuleusement les transcriptions des procès dans la presse russophone, rassemble des documents sur Nikolaï Boukharine et les autres accusés, consulte des experts et finit par écrire une pièce, sa réponse à la mise en scène d'une farce judiciaire. Avec cette réponse, il a peut-être aussi voulu réhabiliter son idée de la théâtralisation de la vie. Après tout, celle-ci n'implique pas l'obtention de fausses confessions, la construction de conspirations, la fabrication de faits ou le recrutement de témoins. Dans sa théorie théâtrale, Evreinov était soucieux de ne pas rendre invisible le théâtre de la vie. Sa pièce n'est donc pas une reconstitution historique, mais un regard imaginaire sur les coulisses, dans lequel les accusés avouent le vrai crime en fin de compte : le théâtre. Lire la suite Fermer

Why play is a productive, expressive way of being human, a form of understanding, and a fundamental part of our well-being.

What do we think about when we think about play? A pastime? Games? Childish activities? The opposite of work? Think again: If we are happy and well rested, we may approach even our daily tasks in a playful way, taking the attitude of play without the activity of play. So what, then, is play? In Play Matters, Miguel Sicart argues that to play is to be in the world; playing is a form of understanding what surrounds us and a way of engaging with others. Play goes beyond games; it is a mode of being human.

We play games, but we also play with toys, on playgrounds, with technologies and design. Sicart proposes a theory of play that doesn't derive from a particular object or activity but is a portable tool for being--not tied to objects but brought by people to the complex interactions that form their daily lives. It is not separated from reality; it is part of it. It is pleasurable, but not necessarily fun. Play can be dangerous, addictive, and destructive.

Along the way, Sicart considers playfulness, the capacity to use play outside the context of play; toys, the materialization of play--instruments but also play pals; playgrounds, play spaces that enable all kinds of play; beauty, the aesthetics of play through action; political play--from Maradona's goal against England in the 1986 World Cup to the hactivist activities of Anonymous; the political, aesthetic, and moral activity of game design; and why play and computers get along so well. Lire la suite Fermer

Une rétrospective en images des activités de la Compagnie Pitoiset en dix créations théâtrales, de Un été à Osage County (2014) à A Love Suprême (2019), avec une longue analyse de Daniel Loayza.

Miguel Vaylon takes us to Paris in 1939, when Frida Kahlo came to exhibit her paintings for the first and only time in Europe, invited by André Breton. There she met Parisian artists of the time such as Kandinsky, Duchamp, Picasso and Jacqueline Lamba, Breton's wife, with whom she identified from the first moment. The two women share a taste for the eccentric, painting, beauty and love. Despite the many difficulties encountered, Frida presents her works at the Renou & Colle Gallery as part of a heterogeneous exhibition entitled Mexico, alongside notably photos by Manuel Álvarez Bravo. During her stay, Frida's heart is torn between New York (Nicolas Murray), Mexico (Diego Rivera) and Paris (Jacqueline Lamba).

The play in its original Spanish version and English translation is accompanied by :
* a preface written by Mr. Juan Manuel Gómez Robledo, Ambassador of Mexico in France, * an introduction by Jaime Chabaud, * a text by Namiko Prado, a summary by the author recounting the origin of the project, * an epilogue by Ivan Torres, a map with photographs taken by Mexican artists showing the places that Frida Kahlo visited during her stay in Paris, * a visual tribute with photographs of paintings by contemporary Mexican artists, * the recipe for the cocktail called Moi Frida, created by Martha Murguia for the occasion and to be enjoyed while reading, * as well as certain documents and photographs that are part of the author's research work, carried out between Paris (Public Information Library of the Center Pompidou and National Library of France) and the city of México (Archives of the Blue House). Lire la suite Fermer

Yo el Supremo / Moi, le Suprême (roman de la dictature, 1974) est l'oeuvre la plus connue du Paraguayen Augusto Roa Bastos (1917-2005), qui publia toute son oeuvre en exil. La première version de la pièce de théâtre Moi, le Suprême, variation de son roman de la dictature, est de 1991. En 1998, l'auteur la remanie.
C'est cette oeuvre totalement inédite en France qui fait l'objet de cette édition annotée. Le livret de la pièce mise en scène à Asunción en 1991 par Gloria Muñoz Yegros et Agustín Nuñez, véritable exemple d'écriture de plateau, est ici également mis à disposition du public français.

Cet ouvrage est le fruit des journées d'études autour de l'oeuvre du dramaturge espagnol Juan Mayorga, à la Villa Hispánica de Cogny, qui devaient avoir lieu initialement en avril 2020 et ont été reportées au 9 et 10 octobre 2020. L'ouvrage contient les articles de recherche des participants, ainsi qu'un texte inédit de Juan Mayorga, spécialement rédigé pour l'occasion. La publication se centre sur la problématique du religieux dans le théâtre et la pensée du dramaturge, philosophe, metteur en scène, théoricien du théâtre et académicien Juan Mayorga, une approche novatrice, qui dresse un portrait inédit de l'oeuvre de l'auteur.

L'auteur fait rejoindre notre temps et son époque à l'échelle de l'universel par "la voie royale" pour paraphraser Freud évoquant l'"autre scène", celle de l'inconscient et du rêve, qui est ici transmutée, déplacée sur la scène du théâtre le temps d'un match. Majid Safouane, psychanalyste. Cette pièce de théâtre, initialement intitulée Oedipiades, a d'abord été écrite en 2010, suite à une commande de la Compagnie du Jour de Grenoble.
Elle a été réécrite, rebaptisée Le match, après avoir valu à son auteur d'être sélectionné en 2012 parmi les six meilleurs dramaturges africains par National Studio Theatre de Londres et Arterial Network.

An avant-garde comrade of Jonas Mekas, George Maciunas, Jack Smith and others, Richard Foreman (born 1937) was at the forefront of downtown New York's experimental theater scene of the 1960s. He wrote and directed more than 80 verbally and visually singular productions with his Ontological-Hysteric Theater company in a career that spanned 45 years. Foreman's visually arresting plays made heavy use of static tableaux, frantic choreography, projected text and Foreman himself sitting in front of the stage operating the lights and sound. While Foreman has published many of his scripts, No Title is a text unlike anything preceding it. Handwritten on a series of note cards, these aphoristic declarations and philosophical asides hover between being a stream-of-consciousness dialogue and a message sent from another world. Foreman's wonderfully elliptical words are counterposed with photographs of the mystifying diorama-like maquettes that he created while staging a number of his plays. Lire la suite Fermer