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Peinture / Arts graphiques
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Né en Chine en 1895, Sanyu arrive à Paris au lendemain de la Grande Guerre, dans le sillage des premiers artistes venus d'Asie se former aux techniques de l'art occidental. À la tradition académique de l'École des beaux-arts, le jeune homme préfère toutefois le climat de liberté créative des ateliers de la Grande Chaumière, dans le Montparnasse cosmopolite et euphorique des Années folles. Il y côtoie l'avant-garde artistique et s'initie aux recherches formelles de l'art européen tout en restant fidèle à son propre héritage culturel. Ses dessins suscitent rapidement l'intérêt de ses pairs, fascinés par une ligne souple qui porte en elle toute la richesse et la complexité de la tradition calligraphique et picturale chinoise. Tombé dans l'oubli après sa mort en 1966, Sanyu n'a été redécouvert que récemment. Il est aujourd'hui considéré en Chine et à Taïwan comme l'un des maîtres de la peinture à l'encre moderne.
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James Abbott McNeill Whistler est passé à la postérité comme le prototype même de l'artiste singulier, rebelle et influent. Dès la fin des années 1870, son oeuvre rencontre un succès considérable à une échelle internationale et le peintre n'a de cesse de s'entourer de jeunes artistes afin de perpétuer l'originalité de ses partis pris esthétiques.
Pour la première fois en France, une exposition d'envergure dévoile le « whistlérisme », mouvement artistique contemporain de l'impressionnisme et pourtant encore peu étudié. Accompagnant l'exposition James Abbott McNeill Whistler : l'effet papillon tenue au musée des Beaux-Arts de Rouen en 2024, cet ouvrage nous transporte de l'Écosse à la Pologne, des côtes normandes aux salons parisiens afin de nous faire découvrir, grâce aux précieuses contributions de grands spécialistes internationaux de Whistler et de ses épigones, des artistes parfois mal connus en France. Et parce que le whistlérisme a perduré bien après la mort de l'artiste, ce catalogue interroge son héritage jusque dans le mouvement abstrait américain du milieu du XXe siècle, tout en ouvrant aux domaines de la poésie, de la critique d'art, de la photographie et du cinéma. -
Grands décors restaurés de Notre-Dame de Paris
Collectif
- Silvana Editoriale
- 12 Juillet 2024
- 9788836656820
De la cathédrale Notre-Dame de Paris, on connaît l'architecture gothique et l'intervention de Viollet-le-Duc, mais beaucoup moins les tableaux peints qui l'ont ornée au fil des siècles. Le présent ouvrage explique les étapes de la constitution de ce décor, depuis la collection des « grands mays » inaugurée en 1630 jusqu'aux XIXe et XXe siècles. À travers l'histoire de chacune des oeuvres peintes présentes dans l'édifice à la veille de l'incendie de 2019 et de leur restauration en 2022-2023, la cathédrale apparaît aussi, du XVIIe siècle à nos jours, comme un écrin d'objets d'art et de piété de qualité exceptionnelle.
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Guido Reni est l'un des peintres les plus convoités du XVIIe siècle. Mais, entre Paris et Rome, l'artiste n'est pas seul : à l'époque, l'atelier est un lieu de collaboration. Jusqu'à 200 personnes, venant de toute l'Europe, auraient travaillé avec le maître bolonais. Pour la première fois, une exposition explore autant les tableaux que la réalité de cette bottega. Qu'est ce qui fait un original ? L'oeuvre d'art est-elle unique ? Comment l'artiste décline-t-il ses oeuvres dans le temps ? Autant de questions affrontées en analysant la production et la vie des peintres de l'entreprise Reni, parfois marquée par les explosions de colère du maître, ou ses dettes immenses. Au coeur de la réflexion, une iconographie : David contemplant la tête de Goliath. Si ce chef-d'oeuvre du peintre marque durablement l'histoire de l'art occidental, son histoire reste complexe. Le dossier s'est récemment élargi avec la redécouverte de la version du musée des Beaux-Arts d'Orléans, longtemps considérée comme une copie ! Chef-d'oeuvre du maître, ce tableau ajoute un nouveau chapitre à l'intérêt de l'artiste pour ce sujet traité tant de fois durant sa carrière. Toutes les versions connues de Guido Reni ou de l'un de ses collaborateurs sont ici reconsidérées ensemble.
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Inclassable, Raymond Moretti (1931-2005) a marqué le paysage artistique du xx? siècle par une production foisonnante, à la croisée de la peinture, de la sculpture et de l'affiche. Insatiable explorateur de formes et de couleurs, il refuse les cadres et les conventions, revendiquant une liberté absolue. Dès ses jeunes années à Nice, il côtoie des figures majeures telles que Jean Cocteau et Pablo Picasso, tandis que son atelier devient un lieu de rencontre et d'échange pour les grands noms de son temps, de Louis Armstrong à Joseph Kessel. Nourri par la science, la foi et une fascination pour l'infiniment grand comme pour l'infiniment petit, il déploie un univers vibrant, plein d'énergie et d'audace.
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Claude Monet, portail de la cathédrale de Rouen, temps gris
Robert Blaizeau, Jeanne-Marie David, Bénédicte Trémolières
- Silvana Editoriale
- Unique !
- 16 Janvier 2025
- 9788836658305
Unique ! Une collection dédiée aux chefs-d'oeuvre des musées de la Métropole Rouen Normandie.
Avec ce nouvel opus de la collection Unique ! les musées de la Métropole Rouen Normandie mettent en lumière bien plus qu'un chef-d'oeuvre de l'impressionnisme. Tout un pan de l'histoire de l'art se révèle grâce à l'étude du Portail de la cathédrale de Rouen, temps gris, oeuvre issue d'une série de trente toiles qui a révolutionné l'histoire de la peinture. Cet ouvrage propose d'en découvrir toutes les facettes. Il explore les relations que Monet entretient avec Rouen, nous plonge dans les affres et les joies de la création, et donne l'occasion unique de découvrir, à travers les images scientifiques réalisées lors de la restauration du tableau, ce que l'oeil nu ne peut voir. Il permet enfin de souligner l'audace et la générosité de son donateur, François Depeaux, qui souhaitait offrir à sa ville la cathédrale « la plus rouennaise » de toute la série. -
Nat Mayer Shapiro : La rigueur et la joie
Nat Mayer Shapiro
- Silvana Editoriale
- 16 Janvier 2025
- 9788836655625
Nat Mayer Shapiro explore des lieux inédits, faits de lignes et de couleur, dans une géométrie du hasard et de l'impulsion. Avec ironie et une légèreté presque enfantine, il déploie un esprit curieux et facétieux, un sens de l'humour poétique, et titille le sacré. La ligne se joue de l'espace ; tantôt aérienne, tantôt foisonnante, toujours organisée. Avec des clins d'oeil à Klee, Kandinsky ou à l'op art, il affirme son style propre et sa personnalité, alliant abstraction et figuration, dynamique et clarté de la composition, ligne et profondeur, et modulation de la gamme chromatique.
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Entre 1910 environ et le milieu des années 1930 apparaît dans l'oeuvre de Pierre Bonnard un vase au décor assez banal de branches, de feuilles et de fruits de cerisiers. Objet né avant 1911 dans les ateliers de la faïencerie Lebacqz & Bouchart dans le nord de la France, ce pichet à eau a fasciné le peintre au point qu'il réalise une trentaine de tableaux - presque exclusivement des natures mortes mais aussi un nu et deux intérieurs. On sait que les objets rares intéressaient fort peu le peintre qui avait besoin de vivre durablement avec un objet pour en scruter sa valeur intrinsèque. Métamorphosé par la couleur, l'objet semble à chaque fois différent, parfois méconnaissable. L'exposition est l'occasion de donner un éclairage particulier à cet objet culte pour un «?bonnardien?», inspirant pour le peintre qui a fait des émules sur ce sujet. Il a inspiré une trentaine de peintures toutes reproduites dans ce catalogue sous la direction de Véronique Serrano. Un tiers est présenté dans l'exposition, ainsi que des dessins.
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Courbet et l´Italie : Prolégomènes pour l´histoire d'une réception critique, visuelle et politique
Giuseppe Di Natale
- Silvana Editoriale
- 23 Février 2024
- 9788836656356
« Véronèse?! voilà un homme doué de tous les talents, un peintre sans faiblesse et sans exagération, un homme fort et d'aplomb [...]?; le Titien et Léonard de Vinci sont des filous. Si l'un de ceux-là revenait au monde et passait par mon atelier, je tirerais le couteau?! [...] Quant à M. Raphaël, il a fait sans doute quelques portraits intéressants, mais je ne trouve dans ses tableaux aucune pensée. C'est pour cela sans doute que nos prétendus idéalistes l'adorent. L'idéal?! Oh?! Oh?! Oh?! Ah?! Ah?! Ah?! Quelle balançoire?! Oh?! Oh?! Oh?! Ah?! Ah?! Ah?! ».
Gustave Courbet cité par Théophile Silvestre, 1856.
Toute sa carrière, Gustave Courbet a publiquement rejeté l'art italien, source d'un académisme contre lequel son art était en lutte. Plus intimement, l'artiste a manifesté un intérêt tout autre. L'autodidacte, « élève de la nature », s'est formé devant les oeuvres italiennes et sa collection personnelle était entièrement tournée vers l'art italien, contredisant son seul intérêt revendiqué pour l'art flamand et espagnol. L'ambivalence de Courbet obligeait à porter un regard nouveau sur sa relation réelle à l'Italie.
À travers cet ouvrage, fruit d'un important travail de recherche et d'analyse, mené entre le « Pays de Courbet » et l'Italie, Giuseppe Di Natale dévoile un sujet inédit, mais pourtant fécond. Permettant de repenser les sources italiennes des oeuvres de Courbet et d'approcher sa réception par les artistes italiens au XIXe siècle, cet ouvrage offre aussi une plongée dans la fortune critique importante du maître d'Ornans dans la première moitié du XXe siècle. Au rôle du jeune Roberto Longhi, qui initie le parallèle maintes fois repris entre Courbet et le Caravage, fait écho l'intérêt de Giorgio De Chirico, auteur de la première monographie italienne consacrée au maître d'Ornans. Dans un contexte historique finement retracé, marqué par les guerres et le fascisme, c'est une grande partie de l'Italie intellectuelle et artistique qui se passionne, débat et se confronte autour de l'art de Courbet. -
Tomi Ungerer ; le temps en héritage
Laurence Reibel, Thérèse Willer
- Silvana Editoriale
- 4 Mars 2020
- 9788836644216
Imaginée conjointement par le musée du Temps et le musée Tomi Ungerer-Centre international de l'Illustration à Strasbourg, l'exposition Time is Tomi s'intéresse à la représentation du Temps chez le célèbre dessinateur d'origine strasbourgeoise.
Lié à la mort et aux mécanismes, le thème se décline dans tous les aspects de son oeuvre, ses livres pour enfants, ses dessins satiriques et même ses projets publicitaires. Il provient de l'histoire familiale des Ungerer, constructeurs d'horloges astronomiques et d'édifices à Strasbourg depuis le XIXe siècle. Cette filiation, ainsi que certaines sources d'inspiration de Tomi Ungerer sont également mises en lumière. L'exposition présente environ 200 oeuvres empruntées à différents musées strasbourgeois : Musée Tomi Ungerer-Centre international de l'Illustration, Cabinet des Estampes et des Dessins, Musée Historique, Musée des arts décoratifs.
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Peindre Marseille 1853-1878 : Une autre modernité
Collectif
- Silvana Editoriale
- 24 Février 2025
- 9788836658800
À l'occasion des manifestations du cent-cinquantième anniversaire de l'Impressionnisme, deux chefs-d'oeuvre du musée d'Orsay ont rejoint le musée des Beaux-Arts de Marseille, Le Golfe de Marseille vu de l'Estaque de Paul Cézanne et la Lavandière de Paul Guigou. Présentés au coeur de la collection de peinture de l'école de Marseille, ils incitent à se poser la question de la réception de la modernité à Marseille autour des années 1870. Alors que naît et se développe l'Impressionnisme, le milieu artistique local, sous l'influence conjointe du Naturalisme et du mouvement provençaliste, se présente comme une alternative aux nouvelles avant-gardes parisiennes.
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Cette monographie est dédiée à un des plus grands artistes de la Renaissance italienne, Piero della Francesca (Borgo Sansepolcro, aux alentours 1416/1417-1492).
Chaque oeuvre du maître, du Baptême du Christ à la Nativité conservées à la National Gallery, est présentée avec une image en pleine page et attentivement étudiée, tant du point de vue historique qu'esthétique, sans négliger les fortunes critiques au cours des siècles.
Un intérêt particulier est réservé à la splendide série de fresques, avec La légende de la Vraie Croix dans la basilique de San Francesco d'Arezzo, considérée comme son chef d'oeuvre.
L'auteur, à qui nous devons les restaurations de la Chapelle, propose dans cette étude les résultats des interventions sur la moitié des surfaces peintes, accompagnés d'images des fresques après restauration.
Le volume représente un instrument complet et maniable pour tous ceux qui veulent se rapprocher de l'oeuvre de Piero della Francesca.
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Un catalogue qui plonge le lecteur dans l'extraordinaire variété de logogrammes réalisés par Dotremont à travers plus de 120 oeuvres sur papier, photographies, films et certaines pièces d'archives présentées pour la toute première fois au public.
Glissez-vous dans la valise de l'artiste pour découvrir son cheminement créatif vagabond. Outre les logogrammes, le parcours présente une sélection de « dessins-mots » et d'autres oeuvres à quatre mains réalisées avec Pierre Alechinsky, Asger Jorn, Serge Vandercam, Hugo Claus, etc. D'autres plasticiens de l'écriture comme Henri Michaux, René Guiette, Jean Raine, Jules Lismonde, Jacques Calonne dialoguent avec le travail de Dotremont.
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Acteur incontournable de la période postimpressionniste, George Daniel de Monfreid est un artiste à part dont l'oeuvre transporte le regard au coeur de ses paysages intérieurs. Son cheminement singulier de peintre naturaliste est façonné par sa relation privilégiée avec Paul Gauguin qui témoigne d'un dialogue pictural subtil dominé par la couleur et la lumière. Artiste libre, il sera toujours en retrait des mouvements picturaux contemporains mais aura une influence déterminante dans la diffusion et l'affirmation du primitivisme de Gauguin. Cet ouvrage analyse les schémas créatifs qui, d'un artiste à l'autre, participent d'une modernité fondatrice du XXe siècle.
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Issu d'une importante famille d'artistes troyens, Georges Trubert est documenté successivement au service de deux mécènes princiers : René d'Anjou, qui lui confère le prestigieux titre de valet de chambre en 1474, puis René II de Lorraine dont il est l'enlumineur attitré en 1491 et jusqu'à sa mort en 1508. Formé à Paris puis marqué par les peintres du roi René, en particulier Barthélemy d'Eyck, Georges Trubert parfait son langage soigné jusqu'à la fin de sa carrière. Le livre qui lui est consacré retrace le parcours de cet enlumineur itinérant, en portant une attention particulière au contexte des différents foyers et à la question du métier d'enlumineur. Il constitue le sixième volume de la collection des « Ressuscités de l'histoire de l'art » qui, articulée sur le programme genevois Peindre en France à la Renaissance, vise à faire connaître des peintres de premier plan redécouverts grâce au connoisseurship.
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Les cahiers de l'institut Courbet Tome 1 : À la source, découverte d´un paysage inédit de Gustave Courbet, la source du lison
Collectif
- Silvana Editoriale
- Les Cahiers De L'institut Courbet
- 23 Février 2024
- 9788836656219
Une Source du Lison de Gustave Courbet, oubliée dans les réserves de l'Université de Pennsylvanie à Philadelphie, a été découverte à l'occasion de travaux de rénovation. Cette Source du Lison appartenait à Thomas W. Evans, un dentiste et diplomate de Philadelphie, ayant exercé à Paris à partir de 1847. Il devint le dentiste des grandes fortunes et des notables du Second Empire ; il eut notamment pour patients Napoléon III et l'impératrice Eugénie. De retour aux États-Unis, il fit don de l'ensemble de son importante collection d'art et de ce tableau de Gustave Courbet pour créer en 1915 le Thomas W. Evans Museum. Sa fortune permit aussi de fonder une école dentaire. Avec l'accord des commissaires de l'exposition At the Source : A Courbet Landscapes Rediscovered qui s'est tenue à Philadelphie en 2023 et des auteurs des essais du catalogue, nous publions pour la première fois en français une sélection de textes d'historiens de l'art américains autour de cette découverte. Le second chapitre de ce cahier est consacré à une étude approfondie concernant l'influence de l'Âge d'or de la peinture espagnole sur l'art de Gustave Courbet. Enfin, ce Cahier publie des passeports de Gustave Courbet inédits décrivant la physionomie de l'artiste et révélant que, dès 1839, année de son premier passeport, il avait déjà l'ambition d'être peintre.
Avec les contributions de : André Dombrowski, Aruna D'Souza, Sébastien Fernier, Paul Galvez, Jean-Luc Gannard, Carine Joly, Alfredo Llopico Muñoz, Lynn Marsden-Atlass, Mary Morton, Petra ten-Doesschate Chu
Ce premier numéro des Cahiers de l'Institut Courbet se veut, au travers de ses collaborations multiples, le reflet du dynamisme et du rayonnement international de l'Institut Gustave Courbet, véritable vitrine de l'art français dans le monde. -
Si de nombreux peintres ont entouré et inspiré Bonnard, son épouse, restée dans l'ombre, a été également une artiste. D'abord son modèle et sa muse - de 1893 à 1942, année de sa disparition au Cannet - elle révèle son don à partir de 1921 et signe ses oeuvres sous le nom de « Marthe Solange ». À travers le dessin et plus particulièrement la technique du pastel, Marthe Solange nous invite à la contemplation d'une nature domestique : corbeilles de fruits, bouquets de fleurs, paysages vus par les fenêtres. On n'est jamais loin de la maison où d'ailleurs Marthe, devenue « sauvage » à la fin de sa vie, finira par s'enfermer. Méconnue, elle a pourtant rencontré un certain succès lors de sa seule exposition personnelle, qui eut lieu en 1924 à Paris. Des oeuvres sensibles et délicates que ce volume présente pour la toute première fois.
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Enfance rêvée ; Bonnard, les Nabis et l'enfance
Collectif
- Silvana Editoriale
- 23 Août 2022
- 9788836644254
Les Impressionnistes, les premiers ont accordé à l'enfant un statut particulier, indépendant du portrait de commande qui était jusqu'alors le seul vecteur de leur représentation. À leur tour, les Nabis sont certainement ceux qui, à la fin du XIXe siècle, mettent les enfants au coeur de leur mécanique picturale, qui oscille entre sphère privée et publique, inaugurant un nouvel espace de liberté créative. Cet univers complexe est à la croisée de celui de la famille, du jeu, des jardins, de la rue, de la musique, de l'illustration et de la photographie qui sont autant de sujets qui les ont inspirés durablement.
L'exposition accorde une certaine visibilité aux oeuvres de Bonnard, Vuillard, Vallotton et Denis, sans oublier Lacombe, qui sont les principaux protagonistes d'une image nouvelle de l'enfance. Sont également représentées en marge du mouvement nabi, les oeuvres sensibles de Delâtre, Evenepoel, Maillol, Müller et Lemmen.
Avec les essais d'Isabelle Cahn, Paul Denis, Dominique de Font-Réaulx, Emmanuel Pernoud, Sylvie Patry et Véronique Serrano, ce catalogue offre une vision générale et savante du sujet. -
Bruegel l'Ancien ; la chute des anges rebelles
Collectif
- Silvana Editoriale
- 4 Décembre 2019
- 9788836642908
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La figure du paysan de Courbet à van Gogh : ceux de la Terre
Collectif
- Silvana Editoriale
- 23 Août 2022
- 9788836652266
Ceux de la Terre. Auteur Foudral Benjamin, nombre de pages 200, prix 27€ Résumé : Du portrait brutal et cru d'un monde paysan en proie aux passions les plus violentes, dressé par l'écrivain Émile Zola (1840-1902) dans La Terre (1887), à la vision lyrique et héroïque des « gens de la terre » du recueil de nouvelles Ceux de la glèbe (1889) du Belge Camille Lemonnier (1844-1913), les campagnes contemporaines sont l'objet dans la seconde moitié du XIXe siècle de projections idéologiques les plus diverses, qu'elles soient nostalgiques, conservatrices, socialistes, progressistes ou purement esthétiques.
Avec l'émergence du réalisme et de ses deux figures principales, Gustave Courbet (1819-1877) et Jean-François Millet (1814-1875), peintres aux origines rurales, la thématique paysanne dans le champ des beaux-arts se renouvelle et devient un véritable phénomène à l'échelle européenne, transcendant bientôt les mouvements. Réalistes, naturalistes, symbolistes, modernes ou anti-modernes, tous se mettent en quête de la mise en image du paysan, nouvelle figure centrale de la société contemporaine.
Au travers de plus de 80 oeuvres, l'exposition Ceux de la Terre vise à appréhender l'émergence de ce phénomène culturel, tout en approchant l'intention et le regard propre de chaque artiste derrière l'élaboration du monde rural comme sujet pictural. -
Gustave Courbet Tome 1 : le retour au pays: de La Tour-de-Peilz à Ornans
Collectif
- Silvana Editoriale
- 17 Septembre 2022
- 9788836650491
Le peintre Gustave Courbet, maître de l'art réaliste décède en exil en Suisse à La Tour-de-Peilz le 31 décembre 1877. Sa dépouille ne reviendra à Ornans, sa ville natale, qu'en 1919 dans un quasi-anonymat. Certains de ses tableaux trop « crus » et son anticléricalisme, sa participation aux événements de la Commune et sa responsabilité prétendue dans la chute de la colonne Vendôme sont encore présents dans les esprits : Gustave Courbet est rangé au purgatoire des artistes.
À Ornans cependant, des initiatives sont prises pour revaloriser son oeuvre, mais il faudra attendre 1971 pour qu'un musée lui soit dédié dans sa ville natale, une étape décisive dans la réhabilitation du peintre, franchie grâce aux actions menées par l'Association des Amis de Courbet - devenue aujourd'hui l'Institut Gustave Courbet.
Ce « retour de Courbet au pays : de La Tour-de-Peilz à Ornans », nous avons souhaité l'éclairer par de nombreux documents inédits dans ce premier volume de la collection « Gustave Courbet, chronique d'une réhabilitation ».
D'autres volumes suivront et permettront d'élargir le propos dans le temps et dans l'espace pour reconsidérer l'oeuvre de l'artiste et son accueil, tant en France qu'à l'étranger. -
En présentant un ensemble d'oeuvres d'importance de Gustave Courbet (principalement issues des collections de l'Institut Gustave et du Musée Courbet d'Ornans) et d'autres artistes du XIXe - collaborateurs ou amis de Courbet - ayant abordé pleinement la nature et le paysage au coeur de leurs démarches, ce livre traite la thématique du paysage de manière transversale. Entre autre, sera révélée l'implication du sanclaudien George Besson (1882-1971), qui oeuvra pour l'acquisition de la maison natale de Courbet hébergeant plus tard le musée, puis celle de Guy Bardone (19272015) donateur de la collection constitutive du musée de l'abbaye qui sera ensuite secrétaire général de l'Institut Courbet pendant près de quinze ans. A noter, le « Pays Courbet, pays d'artiste » sera l'invité prestigieux de cet automne dans le Haut-Jura.
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Le trait et l'ombre, dessins français du musée des beaux-arts d'Orléans
Collectif
- Silvana Editoriale
- 11 Novembre 2022
- 9788836651320
Riche de douze mille dessins et de cinquante mille estampes, le cabinet d'arts graphiques des musées d'Orléans est l'un des mieux dotés de France. Son histoire se confond avec celle de la passion de quelques hommes visionnaires - Desfriches, Bizemont, Marcille, Fourché - qui ont eu à coeur de conserver les traces les plus fragiles, mais aussi les plus significatives, du premier de tous les arts. Projection fulgurante d'une idée, recherche parfois hésitante ou mise au propre appliquée d'un projet, le dessin préside en effet à toutes les formes d'expression artistique.
Après avoir reçu les musées de Montauban, d'Angers et de Besançon, le musée du Domaine départemental de Sceaux accueille le musée des Beaux-Arts d'Orléans pour en exposer un florilège de près de deux cents feuilles réalisées entre la fin du XVIe siècle et la première moitié du XXe. Dans la diversité des techniques et des manières se révèle avec force la permanence d'une quête dont Vouet, Watteau, Boucher, Fragonard, David, Géricault, Ingres ou Picasso furent, parmi beaucoup d'autres, les héros. -
Originaire de Mailly en Champagne et documenté à Avignon de 1533 à 1561, le peintre Simon de Châlons nous a laissé une abondante production, souvent signée et datée. Collaborateur, à ses débuts, du peintre Henri Guigues, il retient de ce dernier un usage constant des modèles gravés de Raphaël qui, combinés à ceux d'un Dürer ou d'un Lucas de Leyde, créent un langage italianisant apprécié d'une large clientèle de nobles, patriciens et ecclésiastiques. Ce livre, qui lui est consacré, accorde une attention particulière aux conditions du métier de peintre mais aussi à la question des échanges culturels entre les foyers de l'est de la France, sur l'axe déterminé par la Seine, la Saône et le Rhône. Il constitue le cinquième volume de la série éditoriale des Ressuscités de l'histoire de l'art qui, articulée sur le programme genevois Peindre en France à la Renaissance, vise à faire connaître ou redécouvrir des peintres de premier plan.
