An appreciation of the life and art of Tove Jansson, creator of the Moomin books, which are adored by children and adults across the globe.
This book provides fresh insights and a deeper appreciation of the life and art of Tove Jansson (1914-2001), one of the most original, influential and perennially enjoyed illustrators of the 20th century. Jansson's flourishing Moomin books are examined in detail, as are her interpretations of such classics as Lewis Carroll's Alice's Adventures in Wonderland and The Hunting of the Snark, and J.R.R. Tolkien's The Hobbit.
Born in Helsinki among the Swedish-speaking Finnish minority, Jansson was brought up with a love for making art and stories in a supportive artistic family. Her first illustrated tales were published when she was fourteen years old. From a year later until 1953, she drew humorous and political cartoons as well as striking front covers for the satirical magazine Garm, responding to the Second World War and its aftermath as she developed from art student to painter and muralist, bohemian and lesbian. This book also explores the emergence of her Moomin world, appearing in her first children's book in 1945 and then in newspaper strips. These would lead to her being headhunted by the London Evening News, the world's biggest-selling evening paper, to write and draw a daily Moomin newspaper cartoon. This body of work is one of her great achievements, expanding her stories, settings and cast and invigorating her drawing and writing. Jansson also wrote many novels, documented here along with personal commentaries from her own writings.
Ce nouveau livre d'Invader est conçu comme une time capsule qui restera consultable quand Instagram, les smartphones ou même Internet auront disparu et auront été remplacés par d'autres technologies. Alors, on pourra parcourir cet « instabook », témoignage de dix années d'activités d'un artiste sur le grand réseau social d'une époque.
Né en Chine en 1895, Sanyu arrive à Paris au lendemain de la Grande Guerre, dans le sillage des premiers artistes venus d'Asie se former aux techniques de l'art occidental. À la tradition académique de l'École des beaux-arts, le jeune homme préfère toutefois le climat de liberté créative des ateliers de la Grande Chaumière, dans le Montparnasse cosmopolite et euphorique des Années folles. Il y côtoie l'avant-garde artistique et s'initie aux recherches formelles de l'art européen tout en restant fidèle à son propre héritage culturel. Ses dessins suscitent rapidement l'intérêt de ses pairs, fascinés par une ligne souple qui porte en elle toute la richesse et la complexité de la tradition calligraphique et picturale chinoise. Tombé dans l'oubli après sa mort en 1966, Sanyu n'a été redécouvert que récemment. Il est aujourd'hui considéré en Chine et à Taïwan comme l'un des maîtres de la peinture à l'encre moderne.
La route de la Kisokaid? à travers le Japon fut tracée sur l'ordre de Tokugawa Ieyasu, qui dirigea le pays au début du XVIIe siècle et décréta que des relais soient installés tout le long de cette piste accidentée qui reliait Edo (l'actuelle Tokyo) et Kyoto. Auberges, échoppes et restaurants y furent construits pour prodiguer nourriture et logis aux voyageurs fatigués. En 1835, le célèbre estampiste Keisai Eisen reçoit la commande d'une série d'oeuvres qui décriront les étapes successives de l'itinéraire de la Kisokaid?. Après avoir réalisé 24 estampes, Eisen est remplacé par Utagawa Hiroshige, qui complète la série avec 70 estampes en 1838.
Eisen et Hiroshige étaient tous deux des maîtres de l'estampe. Les Soixante-neuf Stations de la Kisokaid? révèlent à la fois les styles distincts et le savoir-faire commun des deux artistes. Du point de départ animé de Nihonbashi à la ville d'Iwamurata et son château, Eisen opte pour une palette aux tonalités atténuées, mais excelle dans la représentation figurative, en particulier des femmes élégantes, et se délecte des instantanés de vie qu'il saisit le long de la route - du ferrage d'un cheval au vannage du riz. Hiroshige démontre sa maîtrise du paysage avec des scènes grandioses et évocatrices, des rives paisibles du fleuve Ota à l'impressionnant col de Wada et à l'ascension de Yawata à Mochizuki au clair de lune.
L'ensemble de la série des Soixante-neuf Stations représente non seulement un chef-d'oeuvre de l'estampe, avec des compositions audacieuses et un recours expérimental à la couleur, mais aussi une fresque envoûtante du Japon au XIXe siècle, bien avant le spectre de l'industrialisation. Cette nouvelle édition TASCHEN est composé à partir d'un des exemplaires les mieux conservés de leur première édition etredonne vie à ce recueil.
Sous le pseudonyme de « Fuelstains », Nikolay Georgiev développe depuis des années un univers très personnel à la frontière de l'organique et du mécanique. Les corps de ses humains, robots et aliens se fondent, se mélangent et s'hybrident pour donner naissance à des créatures de rêves... ou de cauchemars ! Servi par un dessin précis et vivant qui fait la part belle au trait, cet artbook de 320 pages est indispensable à tous les fans de science-fiction et d'univers alternatifs. L'ouvrage est divisé en six chapitres : Inhuman (monstres, aliens, créatures, mutants, démons) ; Biomech (intrication entre organique et mécanique) ; Tech (technologie, science-fiction, mécanique et robotique) ; un tutoriel « Mecha » de vingt pages ; un tutoriel de développement de personnage et enfin un chapitre de cent pages dédié au processus de développement d'idées graphiques (textes en anglais).
Une artiste brave la Révolution Culturelle pour apprendre les secrets de la peinture chinoise
Était-il vraiment raisonnable de tout laisser tomber du jour au lendemain pour s'aventurer seule dans les profondeurs de la Chine communiste à la recherche des secrets oubliés de l'art chinois ancien ? Fabienne Verdier, brillante étudiante aux Beaux-Arts au début des années 1980, ne s'est même pas posé la question, tant elle brûlait du désir d'apprendre l'art de la peinture et de la calligraphie classiques, que la Révolution Culturelle s'était ingéniée à détruire.
Et lorsque la jeune étrangère perdue au milieu du Sichuan se trouva dans une école d'art dirigée par le Parti, elle était déterminée à prendre son parti de la situation - l'obstacle de la langue, la méfiance des Chinois, l'insupportable absence d'intimité, l'omniprésence de la misère, de la crasse et de la maladie, la nature inquisitoriale du système bureaucratique - et à tirer mentalement un trait sur l'Occident. Elle y eut néanmoins pour maîtres de grands artistes, méprisés et marginalisés par le régime, mais qui l'initièrent aux secrets d'une forme d'art ancestrale.
Cette expérience unique s'est muée en un véritable récit d'aventure, dont l'aboutissement est un passionnant corpus d'oeuvres combinant inspiration extrême-orientale et contemporanéité, comme l'illustre son extraordinaire livre d'artiste L'unique trait de pinceau (Paris, Albin Michel, 2001), dont le présent ouvrage en langue anglaise, à la fois autobiographie et journal de voyage, constitue une version enrichie, notamment par l'ajout de photographies en couleurs ainsi que d'un index complet et d'un glossaire.
Livre d'artiste édité à 40 exemplaires en 1966, Voyage en Grèce de Gastone Novelli est un ouvrage réalisé au retour des séjours de l'artiste en Grèce. Texte et dessins, gravures et peintures s'y entremêlent. Accompagné d'un texte de Claude Simon sur Novelli, l'ouvrage est édité en bilingue aux éditions Trente-trois morceaux en 2015. Ceci est la deuxième édition.
« Le possible est impossible, et l'impossible est possible. Le risible et confortable désir d'ordre fait naufrage tandis qu'il triomphe. L'alphabet si soigneusement ordonné, classifié, s'éparpille dans l'immensité de l'espace. Ici les parallèles se rejoignent avant l'infini, ou, si on préfère, l'infini fait intrusion dans les dimensions de la toile. ».
Claude Simon, Novelli ou le problème du langage.
Gastone Novelli (1925-1968) publie le Voyage en Grèce en 1966 aux éditions Arco d'Alibert à Rome. Ce livre est un montage de textes et d'images sélectionnés par l'artiste parmi les matériaux rassemblés lors de ses nombreux voyages en Crète, dans les îles de la mer Égée et à travers la Grèce continentale : véritables explorations réalisées à la recherche d'un langage primordial et originel, dont les racines seraient à retrouver dans le mythe et dans l'inconscient collectif. Depuis le début des années 1960, Novelli mûrit une poétique originale centrée principalement sur le rapport entre peinture et écriture. Cette recherche est alimentée par les rencontres décisives qui ont lieu alors avec des intellectuels et des écrivains tels que Samuel Beckett, Georges Bataille, Pierre Klossowski, René de Solier et Claude Simon. Ce dernier raconte dans Le jardin des Plantes la profonde complicité intellectuelle et créative qui les a liés, en consacrant de nombreuses pages au récit de l'expérience dramatique vécue par Novelli à travers son engagement dans la Résistance, puis l'incarcération et la torture. L'élaboration de livres en collaboration avec ces artistes occupe naturellement une place importante de ses travaux : il prépare avec Beckett un projet éditorial pour illustrer L'image ; en 1962, il réalise un livre unique pour Histoire de l'oeil de Bataille, tandis qu'en 1965 il illustre l'édition allemande du livre de Pierre Klossowski, Le Bain de Diane. Voyage en Grèce apparaît alors comme l'aboutissement des recherches de l'artiste autour de la « forme-livre ».
Traduit pour la première fois en français, il est accompagné dans cette édition d'un important ensemble de dessins inédits effectués durant ses voyages et sélectionnés parmi le fond conservé aux Archives Novelli, ainsi que d'un texte inédit de Claude Simon, Novelli et le problème du langage, écrit en 1962 à l'occasion de l'exposition consacrée à l'artiste à New York.
C'est dans leur Wunderkammer, ou «cabinet de curiosités» que les collectionneurs exposent des bribes de découvertes artistiques, scientifiques, intellectuelles, avec l'ambitieuse volonté de condenser en un lieu toutes les connaissances humaines.
Le grand-duc de Toscane François Ier de Médicis, l'empereur des Romains Rodolphe II ou l'archiduc Ferdinand II de Habsbourg, tous ces virtuoses de l'aristocratie ont acquis, choisi et présenté leurs trésors dans ces catalogues tangibles destinés à résumer le monde, de l'architecture à l'alchimie, en passant par la décoration, la peinture, la sculpture, la gemmologie, la géologie, la botanique, la biologie et la taxonomie, l'astrologie, l'anthropologie, l'ethnographie et l'histoire.
Vous vous émerveillerez devant les cornes de licorne (des défenses torsadées de narval), les pierres précieuses, les rares efflorescences coralliennes, le verre de Murano, les fresques et les étranges automates. Parcourez les illustrations représentant des créatures mythiques et découvrez les célèbres «ivoires de Cobourg», un étonnant ensemble d'objets en ivoire tourné. Ces collections proposent rien de moins qu'un voyage dans le temps, de la Renaissance à l'ère des Grandes Découvertes, du maniérisme au baroque jusqu'au temps présent. Si un grand nombre de ces cabinets de curiosité ont disparu, certains ont été recomposés avec méticulosité et passion, et d'autres ont été créés.
Ces merveilleux cabinets de curiosités vous ouvrent désormais leurs portes grâce à ce recueil, fruit des efforts déployés par Massimo Listri, qui pour accomplir cette tâche immense a sillonné sept pays européens sur plusieurs décennies. Le résultat en valait la peine: de splendides photos, une introduction érudite mais accessible et des commentaires détaillés de chacune des 19 cabinets de merveilles présentés où sont mises en valeur les pièces maîtresses de chaque collection. Découvrez comment ces trésors intemporels décrivent et définissent une civilisation, le concept moderne de muséologie et notre connaissance de l'univers.
Franklin Booth - Silent Symphony est une monographie très documentée sur un des artistes les plus emblématiques des XIXe et XXe siècles. Fruit d'un travail de longue haleine de John Fleskes et Alice A. Carter, ce livre de plus de 300 pages reproduit avec une qualité inégalée plus de 400 dessins de l'artiste et retrace sa carrière jusqu'à son décès en 1948. Il contient en outre une biographie complète et un grand nombre d'anecdotes tirées d'entretiens avec sa famille, ses élèves, ses amis et ses collègues.
In 1955 the Franco-Belgian poet and visual artist Henri Michaux (1899-1984) tried
the psychedelic drug mescaline, an experience that transformed his artistic life and
provoked an outpouring of writings and distinctive drawings. Accompanying an
exhibition at the Courtauld Gallery, this fascinating catalogue celebrates these unique
drawings.
This catalogue and exhibition celebrate the unique Mescaline Drawings by the Franco-
Belgian poet and visual artist Henri Michaux (1899-1984). In January 1955, as part of an
experiment prompted by his publisher, Michaux, who was then 56 years old, tried the
psychedelic drug mescaline, a product derived from the Mexican peyote cactus. The
aim of the experiment was to investigate the effect of this type of non-addictive drug
on the creative act. Michaux considered these experiences to be a portal into the inner
workings of the mind.
The investigation transformed Michaux's artistic life and provoked an outpouring
of writings and distinctive drawings during the 1950s and 1960s, the latter being
at the centre of this exhibition. Created after the effects of mescaline (and at times
other drugs such as hashish, LSD and psilocybin) had passed, the drawings are the
astonishing transcriptions of the artist's sensation, rendered as if by a sort of shuddering
seismograph. This display and the accompanying catalogue, which present works rarely
seen in the UK, will showcase Michaux's extraordinary experience, one that pushed the
limits of what the essence of drawing is.
Au fil des ans plus ou moins sombres, le graphisme, synthèse vivante et claire de l'image et de l'idée, restitue l'esprit de chaque époque. Celui qui nous accompagne à chaque minute de notre vie, du packaging minimaliste aux publicités colorées, des graphiques éclairants sur la situation de l'environnement aux élégantes interfaces, est autant un moyen de transmettre l'information qu'il est le reflet des aspirations culturelles d'une société et de ses valeurs.
L'auteur Jens Müller a mis à profit son immense connaissance de ce domaine pour sélectionner les créations les plus marquantes de chaque année. Ce recueil des plus importants travaux graphiques offre une réflexion nécessaire sur les développements d'un domaine créatif en constante évolution et en remise en question permanente. Ces oeuvres essentielles forment comme des jalons dans notre histoire contemporaine et nous aident à percevoir la véritable influence du graphisme sur notre vie quotidienne.
Découvrez les détails complexes et l'allure unique des insectes grâce au panorama illustré de Insectile Inspiration, tous inspirés par la beauté fascinante des insectes. Préparez-vous à être transporté dans un monde où l'art et la nature s'entremêlent, offrant un aperçu de la beauté enchanteresse qui se trouve dans les petites merveilles du royaume des insectes, à travers une sélection de dessins réalisés par des illustrateurs contemporains du monde entier.
Abstract Logo is a collection of abstract logos categorised in sections such as circles, rectangles, triangles and polygons. The book contains over 400 logos from some of the world's leading design companies such as; Bond, Chermayeff & Geismar & Haviv, J Fletcher Design, Mucho, Manual and many more.
Cette monographie - Frans Masereel, l'empreinte du monde - consacrée à l'oeuvre de Frans Masereel (1889-1972) maître du bois gravé moderne et précurseur du roman graphique, est la plus importante encore jamais publiée avec une sélection de 391 gravures sur bois.
Les gravures reproduites ici ont été retrouvées dans des fonds à travers toute l'Europe, musées ou collections privées, principalement en Allemagne, en Belgique et en France...
Le lecteur pourra également découvrir un texte exceptionnel inédit, des entretiens de Frans Masereel avec son éditeur Pierre Vorms dans lesquels l'artiste évoque la genèse de ses travaux et notamment de la création de ses romans en images, comme Mon Livre d'heures (1919), Le Soleil (1919), Idée (1920) ou encore La Ville (1925), qui l'ont rendu célèbre dans le monde entier.
Avec ses romans sans parole, Frans Masereel est aujourd'hui considéré comme l'un des précurseurs du roman en images moderne. Assez vite, l'influence de Masereel dépassera les frontières de l'Europe et gagnera les grands graveurs américains tel Lynd Ward (Wild Pilgrimage, 1932). Puis, avec le renouveau de la BD, il est redécouvert par les précurseurs du roman graphique tels que Art Spiegelman (Maus, 1986) ou encore Eric Drooker (Flood!, 1992) qui signe la préface de la présente monographie.
Un essai de Samuel Dégardin propose une vision de « l'oeuvre au noir » de Masereel, de ses romans en images, aux grandes planches, en passant par son travail d'illustrateur au service de la cause pacifiste.
Une série de photographies viennent illustrer une biographie signée Joris van Parys avec de rares images où l'on peut voir Frans Masereel posant avec son ami Stefan Zweig en 1922 à Salzburg ou encore avec George Grosz en costume de bain en 1925 sur une plage de Boulogne-sur-Mer. Des images qui nous plongent dans l'Europe de l'entre-deux-guerres où une poignée d'amis, artistes et écrivains, pacifistes, socialistes, communistes, anarchistes ou tout simplement, comme Masereel, épris de liberté et de justice, va tenter de lutter contre l'inexorable et funeste destin de nations courant à leur perte.
Frans Masereel cultivait l'amitié des écrivains comme Romain Rolland et Stefan Zweig ses deux grands compagnons de lutte contre la guerre, mais également Pierre Jean Jouve, Thomas Mann ou encore Hermann Hesse qui préfaceront ses ouvrages.
Réunies en douze chapitres (La guerre danse macabre ; Du côté des faibles et des opprimés ; Dans les villes ; Dans les ports ; Bestiaire ; Nature ; Les Flandres, la Belgique ; Amour, désir et séduction ; Moments intimes ; Spleen ; Figures ; Rebelle et libre) ces 450 gravures de Frans Masereel offrent un panorama inédit de son univers graphique à travers les grandes thématiques qui traversent toute sa production de 1919 à 1971.
Tout au fil de son oeuvre, Masereel nous propose sans relâche sa vision du monde. Un monde ancré dans le quotidien, sans filtre et sans effet inutiles, dans lequel les fracas de la guerre font trembler l'air saturé d'effrois. Un monde où la révolte gronde et où les hommes se lèvent et tombent. Mais aussi, un monde où le souffle de l'amour et de la passion embarque les coeurs des femmes et des hommes vers des rivages heureux où l'on peut croire en un monde meilleur.
Car Masereel a foi en l'homme. C'est un optimiste qui reste persuadé que les actes peuvent exercer une influence positive sur le destin de l'humanité. Il fait le pari de l'intelligence et de la créativité, de la justice sociale et de la liberté individuelle. Il est persuadé que l'art et la littérature ont le pouvoir de changer le monde. Alors, il se bat, il dénonce et vit pleinement sa vie d'artiste engagé dans le tumulte du monde.
Avec le soutien à l'édition du Centre national des arts plastiques.
Graffiti artist's sense of color, shape and eyecatching characters are second to none. In The Graffiti Sticker Book, more than 50 renowned graffiti artists from, United States, Europe, United Kingdom and Australia have created the designs. Now it's up to you to stick them up! This is the real deal! Each page is packed with exclusive designs, showcasing the diverse styles and perspectives of top graffiti masters. This book offers a thrilling journey through the global graffiti scene. From Chino's classic New York throw up to Rens' funky 4-letter piece, seemingly peeled of a Copenhagen S-train, there is no shortage of graffiti royalties. Page after page is filled with dancing letters and bizarre characters, specifically designed for the book. Elevate your sticker game and own a piece of graffiti history today!
The Russian Criminal Tattoo Archive presents highlights from FUEL's singular collection of authentic material on this subject. Previously unpublished in its original form, this work comprises ink on paper drawings by Danzig Baldaev, the photographic albums of Arkady Bronnikov and prisoner portraits by Sergei Vasiliev. The selection is contextualised with insights from Mark Vincent PhD (author and academic specialising in the Soviet Gulag) and Alison Nordstroem (photography scholar, writer and curator).
The meticulous depictions of tattoos by prison guard Danzig Baldaev are reproduced in facsimile, authenticated by his signature and stamp, alongside his handwritten notes on the reverse. The paper has yellowed with age, giving the exquisite drawings a visceral temporality - almost like skin.
Sergei Vasiliev's photographs portray inmates in startling intimacy. He achieves a remarkable level of trust within the closed criminal society, a strict hierarchy, where outsiders are viewed with hostile suspicion.
Arkady Bronnikov's collection of photographs are shown in the albums in which they were collected. Used exclusively to aid police in their investigations, they depict a motley line-up of assorted body parts.
This unique book is the only publication of primary material on this subject, highlighting the pioneering methods of these three individuals used to document this unique phenomenon.
En quête de connaissance et de plaisir, l'art de l'illustration botanique a toujours exigé non seulement un talent méticuleux de dessinateur mais aussi une compréhension scientifique rigoureuse. Cette édition actualisée d'un classique de TASCHEN rend hommage à la tradition botanique et aux artistes à travers une sélection d'oeuvres remarquables issues des collections de la Bibliothèque nationale de Vienne, incluant de nouvelles images.
Des manuscrits byzantins aux chefs-d'oeuvre du XIXe siècle, les reproductions raffinées des pivoines, des callas et des chrysanthèmes éblouissent par leur finesse et leur sens esthétique. Qu'il s'agisse des feuilles délicatement ourlées, des fruits à la texture minutieusement rendue ou de l'absolue beauté et variété des nuances, cet ouvrage célèbre une forme d'art aussi sensible que précise, entrant de plus en plus en écho avec la conscience grandissante de notre environnement écologique et du caractère si précieux de la flore naturelle.
Une exposition organisée à l'initiative de la ville de Versailles (berceau de la French Touch) dans le cadre de la 8e édition du festival ElectroChic, regroupe des archives inédites - dont des esquisses tirées de la réalisation du dernier clip de Daft Punk - plus de deux cents pochettes de disques formants une installation in situ, des extraits de publicités, de court-métrages et de vidéoclips, et une installation sonore et visuelle, le tout mis en scène dans une scénographie ludique pensée par H5. Destinée aux nostalgiques des dancefloor des années 90 et 2000, aux amoureux du graphisme, tout comme à un public plus large, cette exposition rend hommage à l'histoire du collectif parisien, à la lumière de 30 ans de collaborations artistiques et musicales, et pose un nouveau regard sur ce mouvement culte qu'est la French Touch. L´ouvrage sera quant à lui composé de plus plusieurs textes : préfaces, contextualisation, histoire croisée, une quarantaine d´interviews, playlist, chronologie). Richement illustré, ce livre d´exposition se veut également monographique sur toute cette partie de l´oeuvre de H5.
De la légendaire série Tank Girl aux clips pop de Gorillaz, de son incursion dans l'opéra contemporain chinois à son exposition à la Saatchi Gallery, l'artiste Jamie Hewlett est l'une des figures les plus prolifiques de la culture pop contemporaine.
Nourri au hip hop aussi bien qu'aux films de zombies, Hewlett débute sa carrière au milieu des années 1990 comme l'un des créateurs de la série Tank Girl, bande dessinée incontournable et parfait reflet de son époque. Avec son colocataire, Damon Albarn, il en vient à créer le groupe de rock virtuel et novateur Gorillaz. Le groupe, primé de nombreuses fois, et incarné par des personnages de dessin animé pop, est un phénomène mondial. Gorillaz s'est retrouvé en tête des hit-parades dans le monde entier, a effectué des tournées internationales, de San Diego à la Syrie, cumulant également des centaines de milliers d'écoutes et de ventes d'albums.
Depuis, Hewlett a poursuivi sa collaboration avec Albarn sur des projets tels que Monkey: Journey to the West, une mise en scène de haute volée du roman chinois de Wu Cheng' réunissant acrobates de cirque, moines Shaolin et chanteurs venus de Chine. En 2006, il est nommé «Créateur de l'année» par le Design Museum de Londres et, en 2009, il reçoit avec Albarn un BAFTA en récompense de leur séquence animée conçue pour les Jeux olympiques de Pékin, reprenant leurs personnages de singes. En 2015, l'exposition «The Suggestionists» à la Saatchi Gallery à Londres témoigne de la nouvelle direction passionnante prise par Hewlett.
Cette édition spéciale, célébrant les 40 ans de TASCHEN, met à jour la première grande monographie consacrée à Hewlett, avec près de 30 toutes nouvelles oeuvres. Le livre illustre ce fascinant voyage créatif à travers plus de 400 oeuvres d'art extraites de l'univers de Tank Girl aussi bien que de celui de Gorillaz, jusqu'à ses créations les plus récentes. À travers récits, personnages, planches de bande dessinée et croquis, l'ouvrage révèle l'exceptionnel talent créatif de Hewlett et célèbre un artiste prolifique et multiforme qui refuse catégoriquement de se reposer sur ses lauriers ou d'être cantonné à une seule pratique.
In this book, the beauty and design of Japanese tattoos are explored through ukiyo-e prints and explained in detailed bilingual Japanese and English text.
In recent years, the number of ukiyo-e tattoo designs, or tattoo designs using ukiyo-e motifs, has increased, and ukiyo-e are becoming more popular among tattoo lovers.
First, Chapter 1 presents the artworks by artist, beginning with Kuniyoshi Utagawa, to introduce the beauty and design of tattoos by artists such as Toyokuni Utagawa, Yoshitoshi Tsuki
L'Histoire est une affaire compliquée. Les fortunes s'amassent et s'évaporent, les empires croissent et déclinent, et le changement - social, politique, technologique - a ses vainqueurs, ses perdants, ses défenseurs et ses pourfendeurs. Au coeur de ces turbulences, le graphisme, synthèse vivante et claire de l'image et de l'idée, restitue l'esprit de chaque époque.Cet ouvrage propose une histoire exhaustive et actualisée du graphisme de la fin du XIXe siècle à l'après Seconde Guerre mondiale. Il retrace l'évolution de cette discipline créative, de ses origines dans la conception d'affiches à son développement vers la publicité, l'identité de marque, les emballages et la conception éditoriale modernes. Organisé chronologiquement, ce volume présente plus de 2.500 créations fondatrices issues du monde entier, dont 71 font l'objet d'une étude approfondie, tout comme 61 chefs de file de la discipline parmi lesquels Alphonse Mucha (publicités pour des marques de chocolat), Edward Johnston (logo et police du métro de Londres), El Lissitzky (courant constructiviste du graphisme), Herbert Matter (publicités touristiques pour la Suisse utilisant le photomontage), Saul Bass (génériques de films animés) et A. M. Cassandre (affiches Art déco).
L'auteur Jens Müller a mis à profit son immense connaissance de ce domaine pour sélectionner les créations les plus marquantes de chaque année, en regard d'une frise où figurent les étapes de l'histoire du design. Dans son introduction, David Jury replace, quant à lui, le graphisme depuis ses origines, dès les débuts de l'imprimerie, de la gravure et de la lithographie, jusqu'à ses développement étonnament créatifs au XIXe siècle. Chaque décennie est présentée en un panorama succinct complété par une splendide frise chronologique illustrée, afin de présenter la production graphique dans toute sa variété et de l'environnement global qu'elle décrit et définit.
Alors que le XXe siècle qui s'éloigne nous fait prendre du champs et mieux en discerner les grandes lignes, cet ouvrage fascinant donne à voir les fondements de ce qui va influencer des domaines créatifs en constante évolution et reconnaît, bien tardivement, l'énorme contribution du graphisme à l'économie, à la politique, aux grandes causes sociales, aux arts, aux médias et à notre manière de voir le monde.
Un second volume en préparation couvrira la période de 1960 à nos jours.
Le langage, l'écriture et les lettres sont les fondements de notre communication en tant qu'êtres humains, et la calligraphie célèbre la beauté inhérente de ce besoin de partage et de connexion. Ce volume présente ce que la calligraphie est devenue au XXIe siècle, avec 101 artistes issus du monde du graffiti, du tatouage, du graphisme, de la peinture, de l'illustration, de l'art de l'affiche, de la bande dessinée, et bien plus encore. Leurs différents supports, styles et langages, y compris imaginaires, montrent le potentiel et l'inspiration infinis de la transformation des lettres en art. Chaque artiste présente une brève biographie expliquant son parcours et ses inspirations, des exemples de ses oeuvres et un alphabet original. Les artistes, originaires de 20 pays, partagent des alphabets en couleurs vives et en noir et blanc, en clarté et en chaos, au crayon sur papier et à la peinture sur les murs. À notre époque numérique, où les écrans et les claviers ont pris le dessus, cet art ancien continue de prospérer.
Language, writing, and letters are the basis of our communication as human beings-and calligraphy celebrates the inherent beauty of this need to share and connect. This volume showcases what calligraphy has grown to be in the 21st century, featuring 101 artists from the worlds of graffiti, tattooing, graphic design, painting, illustration, poster art, comics, and more. Their different mediums, styles, and languages, including imaginary ones, show the endless potential and inspiration of turning letters into art. Each artist featured has a brief bio explaining their background and inspirations, examples of their artwork, and an original alphabet. The artists, from 20 countries, share alphabets in vibrant color and black and white, in clarity and in chaos, in pencil on paper and paint on walls. In our digital age, where screens and keyboards have taken over, this ancient art still thrives.
Une histoire mondiale du collage magnifiquement illustrée, des origines du papier à nos jours. Bien que l'émergence du collage soit souvent située au vingtième siècle, lorsqu'il est devenu le médium favori des artistes modernes, ses premiers balbutiements sont liés à l'invention du papier en Chine vers 200 avant notre ère. Des formes ultérieures sont apparues dans le Japon du XIIe siècle avec des manuscrits enluminés qui combinaient la poésie calligraphique avec des papiers colorés déchirés. Au début de l'Europe moderne, le collage a été utilisé pour documenter et organiser des herbiers, des spécimens de plantes et d'autres systèmes de connaissance. Aux XVIIIe et XIXe siècles, le collage a été fermement associé à l'expression des relations intimes et des affections familiales. Fragmentary Forms offre une nouvelle perspective globale sur l'un des moyens d'expression culturelle les plus anciens et les plus durables au monde, retraçant la riche histoire du collage depuis ses origines anciennes jusqu'à son utilisation aujourd'hui en tant qu'outil puissant de narration et d'exploration de l'identité. En abordant le collage et l'histoire de l'art de manière globale, Freya Gowrley explore ce qui se passe lorsque des formes fragmentaires qui se chevauchent sont en conversation les unes avec les autres. Elle s'intéresse à tout, des volumes de reliques religieuses de pèlerins et des albums d'algues de l'époque victorienne aux papiers collés modernistes de Pablo Picasso et de Georges Braque, en passant par les quilts de Faith Ringgold qui explorent l'identité afro-américaine. Gowrley examine le travail d'artistes anonymes et inconnus dont les noms ont été perdus dans l'histoire, soit par accident, soit par exclusion. Avec des centaines de belles images, Fragmentary Forms démontre que l'utilisation d'objets trouvés est une caractéristique importante de cette forme d'art unique et que le collage est un médium inclusif qui a permis aux communautés marginalisées et aux artistes de s'exprimer à travers les siècles et les cultures.
L'essence de l'Interaction de la couleur de Josef Albers dans un format qui engage les apprenants de tous âges et de tous niveaux et encourage une approche pratique. Interaction of Color est souvent présenté comme une théorie globale de la couleur, mais il s'agit en fait d'une méthode pour apprendre à mieux voir et comprendre la couleur. De nombreux exercices illustrés dans Interaction of Color ont été conçus par les étudiants d'Albers : couper et coller, regarder, réfléchir et apprendre. Ce cahier d'exercices est un outil pédagogique conçu pour permettre aux lecteurs de s'engager dans les types de créativité et d'exploration tactiles qui caractérisaient la classe d'Albers. Se concentrant sur huit des leçons les plus importantes, ce livre invite les lecteurs à apprendre par la pratique, en n'utilisant que des matériaux simples. Les instructions de base pour chaque exercice sont complétées par des conseils supplémentaires, des références au texte et aux illustrations originales d'Albers, et des anecdotes sur la façon dont Albers présentait les idées en classe. Le livre et les exercices sont suffisamment nuancés pour interpeller et inspirer les artistes, designers et éducateurs chevronnés, tout en étant facilement accessibles aux jeunes lecteurs et aux praticiens moins expérimentés.
