Cet ouvrage culte pour tous les amoureux de la couleur revient dans une édition d'exception, préfacée par l'artiste Stuart Semple et accompagnée par un poster collector.

Destiné à celles et ceux qui utilisent la couleur dans leurs créations de design, d'art et de communication, l'ouvrage pose les grands principes de l'usage des couleurs et rappelle les notions fondamentales à leur sujet.

Des palettes colorimétriques se succèdent au fil des pages, classées par ambiance et humeur transmises. Des notions de psychologie de la couleur et de prévisions de tendances complètent cette promenade au coeur de l'univers foisonnant de la couleur et de ses usages.

Enfin, la composition quadrichromique des différentes teintes présentées est détaillée, pour une utilisation pratique et concrète.

Le thé, introduit au Japon au viiie siècle par des moines bouddhistes revenus de Chine, est aujourd'hui indissociable de son identité culturelle, où sa consommation est tout autant un art qu'une philosophie. D'abord réservé aux moines bouddhistes à des fins médicinales, le thé va devenir au fil des siècles une boisson délicate prisée de tous les Japonais, dégustée selon un véritable rituel qui convoque tous les arts: ceux de la composition florale, de la céramique et de la calligraphie, ainsi que l'architecture et l'art textile. Autant de raffinements que décline à merveille cette centaine d'estampes des grands maîtres japonais, qui nous invitent à découvrir l'univers fascinant du thé, depuis les secrets de la récolte du fameux thé matcha jusqu'aux traditionnelles maisons de thé et leurs célèbres courtisanes, sans oublier une invitation au chanoyu, véritable immersion au coeur de la cérémonie du thé, source d'harmonie et de sérénité.
Caroline Larroche est historienne de l'art et éditrice. Elle a dirigé de nombreuses publications sur l'art, dont Bestiaire japonais (À Propos, 2021), et est l'auteure de plusieurs livres sur les estampes japonaises, dont Ukiyo-e, images du monde flottant (Courtes et Longues, 2007) et Hokusai, la beauté de la nature (Géo Art, 2024). Lire la suite Fermer

Ce carnet s'inspire au plus près de la forme traditionnelle des carnets d'estampes originaux que publiaient les grands maîtres de l'estampe japonaise comme Hokusai ou Hiroshige. Grâce à ce système de feuilles doublées et cousues, le confort d'écriture est inégalé.

Apparus à une époque où seule la faible lueur des lanternes éclairait les rues la nuit, les monstres yokai japonais sont aussi variés et fantasques que l'imagination humaine : crapauds, chauve-souris et singes géants qui surgissent des profondeurs de la Terre, objets centenaires qui prennent vie, chats à neuf queues aux pouvoirs magiques, renardes et blaireaux envoûtant les humains, kappa, tengu et autres êtres hybrides et facétieux toujours prêts à jouer des tours.... Ils sont partout où la peur nous saisit - forêt, puits, pièce sombre d'une maison, remise d'un temple, cimetière, tanière - et à chacune de ces créatures est lié un conte ou un mythe. C'est grâce à la large diffusion des estampes que la représentation des yokai s'est fixée et a été diffusée au xixe siècle et qu'ils sont devenus si importants dans la culture japonaise, au Japon et à l'étranger. Les monstres yokai, effrayants et fascinants, sont en effet bien connus des amateurs de mangas et de films d'horreur. Philippe Charlier, médecin légiste, archéologue et anthropologue, en présente ici une sélection parmi les plus impressionnants. Il les observe avec un regard de spécialiste de l'anthropologie funéraire, des fantômes, des zombis et des vampires, se faisant conteur pour partager leurs histoires. On découvre les oeuvres des maîtres de l'estampe horrifique, notamment Yoshitoshi, Kuniyoshi, Kunisada et Sekien, le magnifique rouleau peint bakemono no e (inventaire de créatures surnaturelles) et les célèbres processions nocturnes de yokai, dans un beau-livre relié à la japonaise, sous une couverture en soie, dont la forme met en valeur l'atmosphère sombre et fantastique des images. Lire la suite Fermer

Omniprésent dans nos vies, même à l'ère numérique, le papier est riche d'une his­toire et d'une tradition millénaires. Des spécialistes du domaine, en France et au Japon, compilent dans les pages de cet ouvrage l'ensemble de leurs connaissances techniques et pratiques, au sujet de ce matériau emblématique. Sous la forme d'un dictionnaire, le livre dévoile les secrets de fabrication et d'usage du papier à travers le temps et l'espace.

Gabrielle Vincent a dessiné ses premières histoires sur des cartes postales. Elle s'est ensuite adonnée aux illustrations d'albums pour mener en parallèle une vie d'artiste peintre en toute liberté sous son vrai nom, Monique Martin. Elle commence à peindre à l'aquarelle les albums d'Ernest et Célestine en 1980, le succès est immédiat. Cet ouvrage invite à découvrir sa personnalité haute en couleurs, elle qui s'adonne passionnément au dessin et à ses fulgurances créatives, croquant tout ce qui défile devant elle dans sa vie bruxelloise, rythmée par une douce folie enfantine que ne la quittera jamais.

Véritable célébration de la montagne, ce coffret, accompagné d'un livret explicatif, déploie dans un format accordéon plus d'une soixantaine d'oeuvres des plus grands maîtres de l'estampe japonaise.
Les montagnes, qui couvrent près des trois quarts de la superficie du Japon, sont depuis toujours omniprésentes dans la vie des Japonais, présences tutélaires et source inépuisable d'inspiration pour les plus célèbres artistes, tels Hokusai, Hiroshige ou encore Hasui, qui en ont donné des représentations d'une beauté exceptionnelle.
Bien plus qu'un simple élément de paysage, la montagne offre une multitude de significations culturelles, spirituelles et esthétiques, devenant tout à tour un symbole de transcendance et de spiritualité, mais aussi un lieu de méditation, ou plus simplement un univers d'exploration et de découverte.
Des plus fascinantes vues du mont Fuji, véritable icône sacrée du Japon, aux cascades vertigineuses creusée dans les rochers, des sentiers escarpés serpentant au coeur des forêts de pin, le long des routes emblématiques du Tokaido et du Kisokaido, ou conduisant à des temples et des sanctuaires accrochés à flanc de falaise, chacune de ces estampes révèle, au fil des saisons, une montagne mystérieuse et changeante, se tapissant tour à tour de cerisiers en fleurs au printemps ou d'érables rougeoyants à l'automne, se couvrant d'un manteau de neige immaculé en hiver.
Surgissant au détour d'un chemin, s'imposant dans le lointain ou surplombant un lac ou une rivière, la montagne s'affirme comme un motif récurrent, les artistes se plaisant à en varier les points de vue et les reliefs au fil de la journée, dans un spectacle permanent qui attire depuis des siècles les amoureux de la nature, mais aussi de nombreux voyageurs tels que des pèlerins, des commerçants, des curistes : solitaires ou en petits groupes, ils cheminent dans ces paysages grandioses et spectaculaires, la montagne devenant le symbole d'un voyage initiatique et des liens profonds qui unissent les artistes japonais à la nature. Lire la suite Fermer

Une anthologie du dessin de presse, du XIXe siècle à 2015.

Si l'irrévérence n'a pas d'âge et que les premières caricatures politiques existent sous forme de feuilles libres dès la fin du XVIIIe siècle, la liberté de la presse naît véritablement de la révolution de 1830. Le « dessin de presse » ou plus exactement « le dessin d'actualité » connaît alors une première et brève période faste. Cet exercice nouveau visant à utiliser le dessin comique pour critiquer la société et ses dirigeants devient un rendez-vous régulier des lecteurs de presse écrite. Bientôt, des journaux spécialement dédiés émergent. D'abord satire dessinée puis dessin politique, cette forme d'expression artistique devient incontournable, ses auteurs formant les ambassadeurs d'une pensée critique, provocatrice et libre. Ceci malgré un retour de la censure par intermittences, au gré des changements politiques.
Ce beau livre retrace l'histoire du dessin d'actualité, de la naissance des premières revues illustrées du début du XIXe siècle à la tragédie de Charlie Hebdo du 7 janvier 2015. Construit chronologiquement en chapitres centrés sur des périodes cohérentes, l'ouvrage dresse à chaque fois un panorama des supports emblématiques et des artistes qui les ont animés, tout en tenant compte du contexte historique et des grands enjeux politiques et sociaux de l'époque. Rythmé par les noms d'Honoré Daumier, Gus Bofa, Sennep, Effel, Siné, Reiser, Wolinski, Charb, Cabu, ou Mix & Remix, ce livre se veut autant un hommage au dessin politique qu'une exploration complète et savante d'une certaine histoire de la presse. Lire la suite Fermer

Ce carnet s'inspire au plus près de la forme traditionnelle des carnets d'estampes originaux que publiaient les grands maîtres de l'estampe japonaise comme Hokusai ou Hiroshige. Grâce à ce système de feuilles doublées et cousues, le confort d'écriture est inégalé.

"Tout va mal, mais le dessin se porte bien", dit Sergio Aquindo. Le dessin de presse (le dessin tout court), jouit même d'une étonnante santé. En période de crise, le dessin (d'humour ou pas) reste un des moyens les plus directs et personnels pour parler de l'actualité. En 120 dessins, publiés principalement dans Le Monde, ce "journal d'un dessinateur de presse" parcourt vingt ans d'affaires, de drames et de conflits, que Sergio Aquindo traduit dans son univers personnel en images sombres ou grinçantes, poétiques et inattendues. Il rend aussi un vibrant hommage aux artistes qui ont fait du dessin de presse un art : Goya, Grandville, Roland Topor, Käthe Kollwitz, Luis Scafati... De courts textes accompagnent les images et racontent les coulisses du dessin de presse, les discussions avec les journalistes ou directeurs artistiques, ou collègues ou kiosquiers, ses rêves, ses ratés ou ses réussites... Un chapitre spécial du livre est dédié au procès des attentats du Bataclan, que Sergio Aquindo a suivi pour Le Monde entre 2021 et 2022. Défilent alors des accusés de terrorisme, leurs parents et leurs victimes, leurs avocats un président de la République, des enquêteurs... et des dessinateurs d'audience. Lire la suite Fermer

Ce carnet s'inspire au plus près de la forme traditionnelle des carnets d'estampes originaux que publiaient les grands maîtres de l'estampe japonaise comme Hokusai ou Hiroshige. Grâce à ce système de feuilles doublées et cousues, le confort d'écriture est inégalé.

À ce jour encore, tout le monde connaît Folon, si ce n'est son nom, du moins son oeuvre. Qui, en effet, ne se souvient pas de sa fantastique affiche pour le dictionnaire Larousse ou de ses saisissantes illustrations des campagnes d'Amnesty international ? Lui qui affirmait douter que ses dessins puissent « changer quelque chose » a révolutionné cet art mal aimé des institutions et l'a propulsé à la première place. Coloriste de génie, touche-à-tout virtuose - aussi bien dessinateur que sculpteur, céramiste ou créateur de vitraux -, passant aisément des miniatures aux formats gigantesque, il avait le don de brouiller les frontières entre le réel et l'imaginaire, l'obsessionnel et l'improvisé, l'angoissant et le radieux. Flèches folles envahissant les villes, tours de Babel constellées d'yeux inquisiteurs, missiles dormant au fond d'aquariums, prisonniers dotés d'ailes arc-en-ciel, voyageurs transportant le soleil couchant dans leurs valises : en quelques traits, il a su montrer toute l'absurdité de la guerre, le saccage des forêts, l'invasion des machines, l'anonymat asphyxiant des villes, mais également la mystérieuse et somptueuse harmonie du monde.

Ce quatrième ouvrage des Cahiers dessinés consacré à l'artiste belge, publié à l'occasion de la troisième édition du Festival du dessin d'Arles dont Jean-Michel Folon est la tête d'affiche, réunit un florilège d'une centaine de ses dessins parmi les plus poétiques - aquarelles, encres et sérigraphies -, illustrant de manière particulièrement haute en couleur son engagement artistique : « Je ne pense pas que le but du dessin soit de servir une idéologie ni même de servir à quoi que ce soit. Un dessin ne sert à rien ; c'est comme un arbre ou une fleur, ça ne sert à rien. Mais sans les arbres et sans les fleurs, nous serions tous morts. »

Julie Bouvard et Stéphanie Angelroth - directrice de la Fondation Folon -, retracent l'histoire d'amour de Folon avec la couleur et rendent hommage à l'étonnante polyphonie de cet artiste pudique et délicat, tant inclassable qu'immédiatement reconnaissable. Lire la suite Fermer

LE LIVRE
À partir de la fin du XVIIIe siècle, alors que la société japonaise bénéficie d'un essor économique sans précédent, l'art et la manière de se vêtir connaissent un fort engouement. Signe d'appartenance sociale et de richesse, le vêtement devient un véritable phénomène de la mode. Largement diffusée, l'estampe ukiyo-e ("image du monde flottant"), qui s'attache à dépeindre les plaisirs du quotidien, se fait l'écho de ce nouveau goût pour l'apparence. Elle va jouer un rôle important comme outil de promotion des modèles vestimentaires mais également comme source d'inspiration pour les ateliers de conception.
Rivalisant d'élégance, voire d'extravagance, samouraïs, acteurs de kabuki, geisha et courtisanes prêtent leurs silhouettes à l'exhibition de somptueuses toilettes. Kimono, obi, furisode, haori ou kakimisho, soigneusement réhaussés d'une pléiade d'accessoires (chaussures, peignes, épingles à cheveux), montrent l'extrême sophistication des parures. Les planches reproduites dans ce livre illustrent les différentes techniques utilisées afin de magnifier ces vêtements éblouissants : shibori (tissu lié ou cousu qui était plongé dans un bain de tenture), kaki-e (peinture directe sur le tissu) ou encore katazome (dessin appliqué au pochoir).
Les artistes composent ainsi un répertoire de tenues aux couleurs chatoyantes, alliant l'harmonie des lignes à la délicatesse des motifs. Issues des riches collections du Victoria and Albert Museum, plus de 200 estampes des grands maîtres du genre (Utamaro, Kunisada, Kuniyoshi et Keisai Eisen ...) témoignent par leur flamboyance et leur raffinement de cette éblouissante culture de la mode à la fin de la période Édo. Lire la suite Fermer

Georges Wolinksi avait vivement souhaité publier un livre aux Cahiers dessinés. Il nous l'a fait savoir plusieurs fois. Ç'aurait étéun choix d'oeuvres étalées sur toute sa carrière. Le destin en a voulu autrement. Aujourd'hui, quand la plupart de ses dessins sont déposés et réunis à la Bibliothèque nationale de France, il nous a été possible d'entreprendre ce choix. Les surprises ne manquent pas, notamment dans ses premiers travaux, exécutés en Algérie durant son service militaire. D'autres dessins de sa jeunesse figurent dans cette anthologie, entre autres de surprenants dessins de paysages et de musiciens. Ce Florilège comprend évidemment un nombre important de dessins politiques, satiriques et sociétaux qui ont fait de lui un des dessinateurs français les plus populaires.

Pacôme Thiellement, essayiste et vidéaste réputé, grand connaisseur de toute l'époque Hara-Kiri et Charlie Hebdo, qui a déjà préfacéde nombreux livres sur le sujet, a toujours eu une prédilection pour Wolinski. L'occasion pour lui de nous faire partager son enthousiasme.

Georges Wolinski est né le 29 juin 1934 à Tunis. Après des études d'architecture à l'École des beaux-arts de Paris, il fait paraître ses premiers dessins dans la revue Rustica. En 1961, il intègre l'équipe de Hara-Kiri où il réalise, entre autres, une adaptation dessinée de La Reine des pommes de Chester Himes. En 1968, il publie dans les très engagés L'Enragé et Action des dessins audacieux sur des sujets qui deviennent ses thèmes de prédilection : le sexe, la société, la politique. Rapidement, le succès est au rendez-vous, faisant de lui l'un des dessinateurs de presse les plus populaires de France. Collaborateur historique de Charlie Hebdo avec Gébé, Reiser, Cabu, Fred et Topor, il travaille également au Journal du dimanche, à France Soir, L'Humanité, Le Nouvel Observateur ou encore à Paris Match. Auteur de bandes dessinées et de très nombreux recueils de dessins, il est aussi un grand découvreur de talents, ayant publié dans Charlie Mensuel, dont il fut le rédacteur en chef de 1970 à 1981, des dessinateurs alors peu connus en France comme Guido Buzzelli, Charles Schulz ou Guido Crepax. En 2005, il obtient pour l'ensemble de son oeuvre le Grand Prix de la ville d'Angoulême. Le 7 janvier 2015, il est assassiné à Paris lors de l'attentat contre Charlie Hebdo. Lire la suite Fermer

Au printemps 2023, la première édition du Festival du Dessin a comptablilisé 66.000 entrées; forte de ce succès étourdissant, sa deuxième édition se tiendra à Arles du 20 avril au 19 mai 2024, soit un mois entier. Dessins d'art, d'humour, de presse, dessins d'enfants (réalisés dans le cadre d'un projet pédagogique soutenu par la Ville d'Arles et encadré par dix dessinateurs spécialement mandatés), dessins au crayon de couleur, au crayon gris, à la pierre noire, au brou de noix, gravures, installations, portraits saisissants, paysages bouleversants, dessins abstraits: autour de la figure emblématique de Tomi Ungerer, tête d'affiche, quarante-deux dessinateurs seront réunis dans une douzaine de lieux prestigieux de la ville, certains à la gloire posthume (Jean Dubuffet, Alberto Giacometti, Oskar Kokoschka, Félix Vallotton), d'autres comptant parmi les célébrités contemporaines (Joseph Beuys, Kiki Picasso, Christian Roux, Goossens), d'autres enfin, dont des artistes très jeunes, à la renommée encore confidentielle mais qui gagnent à être largement connus. Des débats, des rencontres, des projections de films et des concerts ponctueront cette édition sur toute sa durée, faisant d'elle l'un des rendez-vous culturels et festifs incontournables du printemps 2024. Le présent ouvrage, qui en est le catalogue, offre la possibilité à un large public de prendre la mesure de cet événement inédit, à l'appui d'un texte de Frédéric Pajak et de deux cents oeuvres sur papier, reproduites en couleur, accompagnées des biographies de leurs auteurs et de quelques lignes écrites de leur main sur leur rapport personnel au dessin. Les artistes exposés: Sergio Aquindo - Atak - René Auberjonois - Sophie Baduel - Joseph Beuys - Gus Bofa - Markus Buchser - Guido Buzzelli - Stéphane Calais - Antoine Capitani - Chantalpetit - Laurent Cilluffo - Robert Coutelas - Jean Dubuffet - Jean-Luc Favéro - Pierre Faure - Vicky Fischer - Alberto Giacometti - Goossens - Anne Gorouben - René Goscinny - Jean Gourmelin - Bernard Grandgirard - Michel Houssin - Jean-Michel Jaquet - Oskar Kokoshka - Frédérique Loutz - Clara Marciano - Al Martin - Charles Meryon - Henri Michaux - Thomas Ott - Jacqueline Oyex - Kiki Picasso - Lucile Piketty - Adolphe Martial Potémont - Christian Roux - Ronald Saladin - Philippe Ségéral - Tomi Ungerer - Félix Vallotton - Pascal Vonlanthen - Georges Wolinski Lire la suite Fermer

Ce carnet s'inspire au plus près de la forme traditionnelle des carnets d'estampes originaux que publiaient les grands maîtres de l'estampe japonaise comme Hokusai ou Hiroshige. Grâce à ce système de feuilles doublées et cousues, le confort d'écriture est inégalé.

Présenté sous la forme d'un nuancier, Le design graphique en poche est l'acolyte parfait pour les graphistes ou créatifs. Il a été pensé et conçu pour contenir les notions essentielles à la pratique du design graphique au quotidien.

Cet opuscule est une véritable boîte à outils des connaissances fondamentales du graphisme. Les lecteurs y retrouveront des repères de l'histoire de la discipline, un glossaire de culture visuelle, un lexique français-anglais, des notions clés sur la couleur, la typographie, la composition, l'impression...

Condensé de savoirs concrets à portée de main, Le design graphique en poche est ponctué de schémas et d'illustrations didactiques pour encore plus de pédagogie et d'inspiration.

Le papier est sans conteste l'une des plus grandes et des plus fascinantes inventions de l'humanité. C'est à une exploration de son univers merveilleux que nous convie la relieuse Julie Auzillon dans ce livre. Elle nous invite à un voyage autour du monde, à travers des visites de boutiques, de musées et d'ateliers d'artisans. Cette fascinante balade est ponctuée de récits historiques, d'informations techniques et de focus culturels.

Cet ouvrage présente ainsi toute la diversité du papier à travers le monde. Il ouvre le champ des possibles, en conjuguant le papier à l'infini, et en explorant sa fabrication, ses usages, les traditions auxquelles il est lié...

Une véritable invitation au voyage aux confluences de l'art, de l'artisanat, de la culture et du design ! Lire la suite Fermer

Dick Bruna a dessiné son premier lapin blanc lors de vacances en mer du Nord avec son jeune fils et son épouse. Il a ensuite développé tout un monde autour de nijntje (Miffy) dessinée avec une simplicité influencée par les concepts de l'art moderne, de De Stijl à Matisse. Cet ouvrage invite à découvrir les coulisses de la création de son personnage mondialement célèbre, ses secrets d'atelier et la diversité des techniques qu'il a su utiliser (dessin, peinture, collage, photographie). Il dévoile également des travaux moins connus, comme ses conceptions percutantes d'affiches et de couvertures de livres.

Observez attentivement les gouttières, les armoires électriques, les recoins urbains, les toilettes de bars... Vous y verrez immanquablement une accumulation de stickers. Omniprésents dans la ville, ces autocollants sont à la fois outils de propagande politique, de guérilla marketing et d'expression artistique. Retour sur l'histoire de cet autocollant pas comme les autres, de ses débuts en tant qu'étiquette de prix à son explosion dans la culture visuelle et populaire comme symboles de rébellion - syndicats, partis politiques...-, de promotion - marques de surfwear et skatewear, artisans du coin... - et de créativité. 8 planches de stickers incluses.

Véritable célébration des roses, des pivoines et des iris, ce coffret, accompagné d'un livret explicatif, déploie en format accordéon plus d'une soixantaine d'oeuvres des plus grands maîtres de l'estampe japonaise. Car au pays du Soleil levant, les fleurs sont sacrées et dotées d'un langage secret, le hanakotoba. Majestueuses pivoines écarlates, symboles de richesse et de féminité, iris violets bordant de leurs tiges élancées les étangs et les rivières, roses délicates et odorantes entourées d'oiseaux, de papillons et de libellules : de Hokusai à Hiroshige, Utamaro ou Harunobu, les artistes dévoilent leur virtuosité picturale, alternant plans rapprochés spectaculaires sur les floraisons ou vues d'ensemble luxuriantes. Chacune de ces fleurs livre ses secrets dans des déclinaisons infinies de couleurs, de formes et de senteurs au coeur d'une nature préservée. Lire la suite Fermer

S'appuyant sur la contribution de prestigieuses signatures du design contemporain, comme Masaaki Hiromura, Daigo Daikoku et d'autres artistes de renommée internationale, ce livre retrace l'histoire du design graphique japonais de l'après-guerre au XXIe siècle. Les oeuvres d'éminents designers japonais illustrent la sensibilité esthétique intrinsèque du Japon.
En matière de design graphique, le Japon s'est forgé au cours de ces dernières décennies une réputation unique au monde en raison, peut-être, de l'impression de pureté et de fraîcheur hors pair qui en émane.
L'analyse des multiples racines culturelles de ce phénomène et des sources d'inspiration des différents créateurs renvoie à des thèmes majeurs : de l'esthétique japonaise en général au wabi-sabi, en passant par la cérémonie du thé (chanoyu), l'art pictural du yamato-e et celui des célèbres estampes de la tradition ukiyo-e, la philosophie zen et les mangas. Lire la suite Fermer

Ce « carnet d'une illustratrice » est un fac-similé du journal tenu par l'artiste britannique Jo Brown. Dans les moindres détails, elle zoome sur un champignon, un bourdon, un papillon, un oiseau... Un régal pour les sens, un hymne à la beauté du monde qui nous entoure et un appel à la sauvegarder à tout prix.

Ce carnet s'inspire au plus près de la forme traditionnelle des carnets d'estampes originaux que publiaient les grands maîtres de l'estampe japonaise comme Hokusai ou Hiroshige. Grâce à ce système de feuilles doublées et cousues, le confort d'écriture est inégalé.