Malgré leur mise à l'écart dans de nombreuses cultures, les femmes sont bien présentes dans tous les arts religieux ou profanes en Europe, en Asie ou en Afrique. Il fallait, un jour, leur redonner toute leur place ! Afin de réparer ce préjudice, David et Michèle Wizenberg, deux spécialistes d'arts africains, mettent en évidence l'importance des femmes dans l'iconographie africaine grâce à l'étude des nombreuses statues figurant au sein de leur impressionnante collection amassée au gré de plusieurs décennies de passion. Les auteurs : David et Michèle Wizenberg sont diplômés en histoire de l'art et particulièrement spécialisés en matière d'arts d'Afrique, ceci dans la continuité d'amitiés très anciennes avec ce continent. C'est ainsi qu'ils ont été appelés à contribuer à la rédaction de l'ouvrage Ndop, étoffes des cours royales et sociétés secrètes du Cameroun de Ly Dumas. Invités de la Fondation Jean-Félicien Gacha au Cameroun lors de son assemblée générale annuelle, ils ont été sollicités pour une conférence-débat avec les étudiants de l'Institut des Beaux-Arts de Foumban sur le thème « Du tissu Ndop à l'oeuvre d'art ». Reconnus pour leur travail par le musée du Quai-Branly et par celui d'art contemporain de Sèvres, David et Michèle Wizenberg veulent mettre le fruit de leurs recherches à la disposition du plus grand nombre. Ce catalogue analytique sur l'art africain aborde de nombreux points autour d'une riche iconographie : Femmes dans les arts d'afrique ; Maternité/Paternité ; immémoriel Nigéria ; figures du pouvoir au Cameroun ; Perles de l'artisanat du Grasslandv; le Gabon des arts ; Variations Fang ; Profonde Afrique centrale congolaise... Lire la suite Fermer

Au XVe siècle, lorsque les Espagnols découvrent les Hautes Terres du Guatemala ou la péninsule du Yucatàn, il y a déjà près de sept siècles que s'est éteinte la splendeur classique maya. Les cités, en ruines, dévorées par la forêt tropicale, ne seront redécouvertes qu'à partir du XIXe siècle. Au-delà du cliché d'un empire dont le peuple, tantôt laborieux et pacifique, tantôt cruel et sacrificateur, se serait consacré à la seule contemplation des astres, Paul Gendrop fait le point des connaissances sur cette grande civilisation mésoaméricaine.

Un état des lieux du marché de l'art africain : le plus pernicieux des marchés, et le plus symbolique des destructions que subissent les pays du Sud.

En Australie, l'art aborigène remonte à plus de 30 000 ans, comme le prouvent certaines traces de peintures rupestres. À travers leurs peintures, sculptures, gravures et outils, les Aborigènes rendent hommage à l'esprit de leurs anciens. Longtemps méprisé par les Blancs, cet art premier est devenu l'un des plus populaires dans le monde. En témoignent les nombreuses expositions et galeries d'art qui lui sont consacrées en France.

Ce volume présente et décrit par la voix d'experts seize masques africains issus de la collection de Leinuo Zhang, jeune collectionneur chinois passionné d'art. Bien que les oeuvres d'art dont il aime à s'entourer ne soient pas seulement extra-européennes, comme le souligne le texte de Marco Riccòmini qui trace un cadre plus large où inscrire les choix esthétiques de Zhang, c'est aux objets de la culture matérielle africaine qu'est dédié cet ouvrage élégant et attentif aux détails. Les masques, dont chacun est illustré de deux photographies au moins, font l'objet de brefs textes permettant au lecteur, qu'il soit un spécialiste ou un passionné d'art, d'approfondir sa connaissance de véritables chefs-d'oeuvre africains dont la plupart ont suivi un itinéraire d'exception qui les a conduits dans des collections internationales d'art extra-européen parmi les plus significatives. Lire la suite Fermer

Alors que beaucoup de sociétés congolaises furent autrefois réputées pour leurs sorties de masques impressionnantes et pour leurs maisons de chefs sculptées, c'est seulement parmi une poignée de populations, dont les Pende font partie, que ces phénomènes ont été étudiés comme traditions vivantes. Elaboré à partir de recherches de terrain de nombreux chercheurs depuis les années 1950, l'ouvrage offre un aperçu unique de l'environnement dynamique de la performance tant en ce qui concerne les mascarades que la sculpture en Afrique centrale. Autant que faire ce peut, le texte privilégie les témoignages des Pende afin de comprendre les différences qui existent entre la pratique rituelle et la forme esthétique. Soucieux du contexte historique, il relate aussi comment ces pratiques artistiques ont répondu (parfois de manière imprévisible) aux pressions coloniales et post-coloniales. Les nombreuses photographies reprennent des oeuvres emblématiques et en proposent d'autres, inédites, sélectionnées pour illustrer l'éventail complet de l'expression pendé.

Z. S. Strother est professeur au département d'Histoire de l'art de la « University of California » à Los Angeles. Sur la base de 32 mois de recherche de terrain (1987-1989), elle a publié de nombreux écrits sur les Pende et notamment Inventing Masks:Agency and History in the Art of the Central Pende qui reçut le «Arnold Rubin Outstanding Publication Award » décerné pour une étude originale publiée entre 1998 et 2000.
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Le volume qui présente la collection de bronzes d'Afrique occidentale d'Arnold Syrop possède toutes les qualités pour marquer une étape capitale dans le domaine des arts africains. Longtemps attendu par les collectionneurs, les spécialistes et les amoureux de l'art, l'ouvrage réunit les oeuvres en bronze, inédites pour la plupart, qui ont retenu le regard passionné, attentif et infatigable de Syrop au fil de quatre décennies. Architecte de profession et collectionneur d'instinct, Arnold Syrop a fait oeuvre de pionnier en s'intéressant à ce domaine particulier de la culture matérielle africaine et en développant ce que Susan Kloman qualifie dans son introduction « d'oeil parmi les meilleurs » en matière de bronzes africains. Comme le souligne l'auteur-collectionneur dans sa préface, ces bronzes sont de « nature spirituelle » pour la plupart puisqu'ils furent créés pour donner de la force à leur propriétaire et assurer sa protection. Les quelque deux cents objets figurant dans le volume, dont un grand nombre sont antérieurs à tout contact avec l'Occident, s'accompagnent de notices descriptives bilingues (anglais-français) qui en éclairent les particularités et l'importance dans le panorama des arts africains. Lire la suite Fermer

Si la plupart des artistes d'avant-garde ont trouvé dans les arts premiers une source d'inspiration, Péret est sans doute le seul à avoir voyagé à la rencontre de ces objets de fascination. Peu avant sa mort, il préparait un ouvrage généreusement illustré consacré aux arts primitifs et populaires du Brésil qui n'a jamais pu voir le jour.
La redécouverte inespérée, dans un fonds d'archives, de 150 négatifs nous permet aujourd'hui de rendre concret ce projet important et séduisant : parmi des formes plus familières, il a découvert de véritables hapax, des objets inconnus à ce jour des ethnologues.
Imprimé en couleur pour restituer toutes les nuances des clichés de Péret, le livre est enrichi de nombreux documents donnant à voir la véritable aventure brésilienne que constitua cette enquête.
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Au début des années 1970 à Abidjan, Christiane Kauer a vu pour la première fois un masque heaume au visage féminin qui l'a intriguée et conduite à découvrir le Sandé.
Le Sandé est la principale société secrète féminine présente en Sierra Leone et au Libéria au sein de plusieurs ethnies, dont la plus importante et la plus étudiée est l'ethnie mendé. Ceci explique certainement pourquoi, à tort, le masque heaume emblématique du Sandé est bien souvent systématiquement appelé masque mendé.
Habituellement, les femmes ne dansent pas avec des masques. Le Sandé a une particularité essentielle : les femmes, initiées de haut rang, possèdent et surtout dansent avec leur masque-heaume. Lors des cérémonies rituelles, en particulier lors de l'initiation, le pouvoir et le poids social du Sandé se manifestent à travers la présence de ces masques sacrés. Lire la suite Fermer

Les amateurs d'art connaissent bien les oeuvres des différents groupes de populations que l'on a pris l'habitude d'appeler « Guro » et qui se trouvent dans le centre de la Côte d'Ivoire.
À proximité des Wan, des Baule, des Yaure et des Bete, ces groupes ont entretenu de nombreux contacts avec leurs voisins et les in#uences mutuelles se perçoivent dans les différentes créations plastiques. Les masques, notamment, ont une importance qui va bien au-delà de celle qu'ils ont acquise sur le marché de l'art. Alors que la colonisation française a largement contribué à affaiblir le prestige des hommes dont le pouvoir résidait dans les pratiques de guerre et de chasse, le maintien de rituels complexes impliquant des sorties de masques a permis à la classe masculine de préserver une forme de contrôle politique et religieux. En diversi(ant les catégories de masques entre ceux qui reçoivent des sacri(ces sanglants en l'honneur d'entités spirituelles, d'une part, et ceux, centrés sur le divertissement, qui interviennent lors de funérailles, de manifestations de propagande politique et de festivals touristiques, d'autre part, les Guro ont réinventé, redynamisé et réadapté des rituels parfaitement intégrés à une société contemporaine en mutation permanente.
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Figurines des Kulango. Les Esprits mystérieux de la brousse se propose de faire connaître les ?uvres miniatures créées par les Kulango, au nord-est de la Côte d?Ivoire, jadis les vassaux des deux royaumes que le pays a comptés (Bouna et Gyaman). Peu connu, leur art, étonnamment varié, intrigue et déconcer te. Leurs créations en métal sur tout, d?une saisissante liber té d?expression, rompent avec les codes iconographiques qui régissent leur statuaire en bois.
Délivrés du hiératisme, les corps semblent réinventer le mouvement en adoptant parfois une gestuelle presque chorégraphique, une grâce aérienne, des lignes sinueuses. Ou bien, dans une tension frémissante, ils exhibent des torsions inattendues, de provocantes cambrures, ou ils s?allongent jusqu?au paroxysme, avec des raccourcis virtuoses, des volumes stylisés. D?autres sont plus étranges encore, comme ces siamois, ces triplés indissolubles, ces créatures sans tête ou dotées d?une tête unique sur deux torses, d?une seule jambe, de quatre jambes, de pieds palmés, de bras-ailerons, de corps annelés. Qui sont ces êtres énigmatiques dont les yeux globuleux scrutent l?invisible? Les choix plastiques se limitent-ils à ces quelques exemples ?
Statuettes de divination, poids à peser l?or. Introduites dans notre univers par la métamorphose ressuscitées ressurgissent, telles des apparitions d?un autre monde.
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Dans les années 1960, Yves Develon découvre l'Afrique et l'art du continent africain. Il se lance alors avec sa femme dans l'aventure marchande. En échappant aux effets de mode pour se concentrer sur ce qui les émeut, le couple peut promouvoir des formes rares de l'art nigérian et camerounais, ce qui leur vaut la reconnaissance des plus grands spécialistes.
Ce livre en trois parties comprend 4 grands essais, 35 notices d'oeuvres exceptionnelles et un catalogue raisonné de la collection.
Objet éditorial très recherché, ce catalogue est un livre emblématique qui rend hommage à l'ensemble des pièces d'art africain collectionné par Yves et Ewa Develon.
Coédité avec le musée des Confluences, La Collection africaine, Ewa et Yves Develon offre une véritable vision sur l'art africain du XXème siècle.
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100 masques remarquables des collections, pour la plupart inconnus du grand public, sortis des réserves du musée du quai Branly - Jacques Chirac.

Dans de précédentes études, Jan Strybol indiquait que, contrairement à ce qui est communément admis, la sculpture au nord du Nigéria prospérait. Des sculptures en bois y étaient partout présentes, à l'exception d'une partie du Grand Nord. Dans cette étude, l'auteur examine les traditions sculpturales d'un certain nombre de peuples du Nigéria central, plus précisément du plateau de Jos et de la vallée de la moyenne Bénoué jusqu'au cours supérieur de la rivière Taraba. Ces peuples peuvent être qualifiés de communautés non centralisées où des spécialistes à temps partiel produisaient surtout des objets d'art en matériaux périssables, contrairement aux royaumes centralisés du Sud (Ife, Bénin), où des spécialistes à temps plein réalisaient des oeuvres d'art sophistiquées à partir de matériaux durables (pierre, bronze, fer). Pour les amateurs d'art africain, le groupe ethnique le plus connu de la région de la moyenne Bénoué est celui des Mumuye. Depuis la fin du 20e siècle, la progression des religions universelles a entraîné la disparition accélérée des rituels traditionnels et de la sculpture mumuye tellement admirée en Europe et en Amérique. Dans son étude de 2018, l'auteur a tenté de donner un aperçu de cette sculpture sur bois. Dans une série de contributions, il examine à présent divers aspects de l'art des Mumuye. En plus de la sculpture sur bois, il prête attention aux objets en bronze, fer, terre cuite et autres matériaux. Jusqu'à présent, ces formes d'art sont restées dans l'ombre et ont presque totalement disparu. Enfin, l'auteur examine plus en détail quelques réalisations artistiques de certains groupes résiduels peu connus du territoire mumuye qui peuvent se vanter d'une riche tradition artistique. Lire la suite Fermer

Les Baga sont, avec les Nalu et les Landuma, des populations rizicoles installées le long de la côte de Guinée, en Afrique de l'Ouest. Ils sont devenus universellement connus depuis la fin du XIXe siècle grâce à leurs remarquables sculptures découvertes par des explorateurs, des administrateurs coloniaux, des ethnologues, des collectionneurs et des marchands d'art. Aujourd'hui, les objets d'art baga sont admirés dans les collections publiques et privées des pays du nord. Ce sont essentiellement des masques en bois de différentes natures, des statues, des statuettes mais aussi de superbes instruments de percussion, des sièges de chefs et autres objets utilitaires habilement sculptés. Jadis, ces objets sacrés étaient conçus et utilisés dans le cadre des anciennes croyances religieuses baga, basées sur la présentification des entités divines, les cultes dédiés aux ancêtres, les rites de passage, l'existence de confréries secrètes, ainsi que l'organisation des cérémonies communautaires importantes comme les mariages, les funérailles des anciens et les moissons. Ce sont également de plus récentes créations plastiques que des sculpteurs traditionnels ont inventées avec talent et habileté technique sous l'influence de la colonisation et des nouvelles religions, tout en puisant dans leurs légendes et leurs mythes. Rappelons les personnages de colons debout, à cheval ou juchés sur des oiseaux, les déclinaisons de plusieurs bustes de femmes évoquant la déesse des mers mami wata, les figures ailées, les bestiaires des contes et légendes et les représentations des héros fondateurs de leurs villages. De nos jours, les jeunes Baga continuent à façonner certains objets commémoratifs et emblématiques comme le grand masque D'mba, et à produire d'autres sculptures liées à leur évolution historique et culturelle. Tous ces objets animent les danses et les représentations dans les villages et en dehors. Lire la suite Fermer

L'Équateur, qui se situe à l'extrémité occidentale de l'Amérique du Sud et est traversé du nord au sud par la cordillère des Andes, est le plus petit et le plus densément peuplé des pays andins. Il est riche d'une histoire d'au moins douze mille ans. Avant l'arrivée des conquistadors espagnols, vers 1532, et l'avènement consécutif du monde occidental, la pratique du chamanisme et la philosophie impliquée par celle-ci étaient très importantes. Son apogée se situe entre 500 av. J.C. et 500 apr. J.-C., sur la côte centre-nord de l'Équateur.
La thématique du chamanisme reflète la pensée et la philosophie des peuples ancestraux de l'Équateur. Leur monde social, économique et politique s'est en effet construit à partir de ce système de croyances. Ces habitudes, valeurs et savoirs font partie d'un legs millénaire, transmis aux peuples de l'actuel Équateur.
Passeurs de tradition, les chamanes présidaient une infinité de rites, cérémonies et fêtes.
Choisi depuis l'enfance pour officier dans ce rôle, le chamane devait se préparer à entrer dans le monde des esprits à travers la méditation, l'utilisation de plantes sacrées et la transe.
Il cherchait à atteindre l'interconnexion entre les différents niveaux de l'espace cosmique, en fixant son attention sur les cycles de la nature et de la vie humaine, sur les aspects constitutifs de l'être humain et sur les éléments de la nature.
Le catalogue et l'exposition qui l'accompagne évoquent quatre cultures de la côte équatorienne (Chorrera, Bahia, Jama-Coaque et Tolita). Ils se penchent d'abord sur le contexte social et religieux, abordent ensuite le savoir sacré (la méditation, les ornements, le rôle de la musique, l'utilisation des boissons rituelles, le costume du chamane.), analysent les différents rituels permettant l'exercice de ce savoir sacré (rituels de guérison, de capture du temps, de fertilité, propitiatoires, d'initiation, sacrificiels et, pour finir, l'ensemble des rites funèbres) et s'achèvent sur la transformation du chamane en déité temporelle. Richement illustré par des oeuvres souvent inédites, issus des collections des musées nationaux de Guayaquil et de Quito. cet ouvrage nous plonge dans cette civilisation méconnue.
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Ceil Pulitzer a entamé son parcours de collectionneuse d'art africain il y a plus de trente ans. Son esprit artistique l'a conduite vers toutes les formes de culture et d'expression humaines, sans limites spatiales ou temporelles. En peintre consciencieux, elle n'a cessé d'aiguiser son regard en étudiant l'art et l'histoire de l'art, et en collectionneuse d'art moderne, elle comprit que l'art africain avait influé sur la trajectoire de l'art du XXe siècle. Par la suite, à Paris, elle fit la connaissance de Charles Ratton, expert vénérable et légendaire marchand d'art africain. Lors d'une brève rencontre, il lui déclara : « Vous avez l'oeil. » Cette rencontre nourrit sa passion et sa quête de l'excellence en matière d'art africain classique. La Fondation Ceil and Michael Pulitzer a initié et soutenu nombre d'initiatives philanthropiques en Afrique et au sein des grandes institutions qui promeuvent l'art africain et les actions humanitaires sur le continent noir.
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Un panorama essentiel et fascinant du peuple Kuba et de son art, illustré par cinquante pièces particulièrement représentatives.

Cet ouvrage réunit pour la première fois les plus remarquables spécimens de la sculpture et des arts décoratifs des Kuba, des objets de bois pour la plupart, issus des plus grands musées et collections particulières du monde entier. Alors que les figures royales (ndop) du peuple Kuba sont considérés comme les sculptures les plus achevées de toute l'Afrique sub-saharienne, historiquement, les Kuba ont produit très peu de statues. Ils se consacrent d'une part à une variété sans précédent d'arts décoratifs, utilisés comme indicateurs de succès et de réussite. Ils ont aussi réalisé une grande quantité de masques et autres objets liés aux rituels d'initiation, associés aux sociétés d'hommes dont la principale préoccupation demeure la formation des plus jeunes aux valeurs de ces sociétés et au culte des morts. Cet ouvrage étudie les aspirations permanentes des Kuba, perceptibles à travers la prolifération d'une production artistique directement liée au désir de d'ascension sociale et au prestige qui l'accompagne dans les sphères politique et économique. Il analyse aussi la croyance dans le pouvoir des esprits de la nature et des esprits des membres de la tribu récemment décédés.
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Ce recueil de symbole est une source d'inspiration créative pour les artistes et chercheurs de toutes provenances et de toutes disciplines ayant le souci d'explorer dans leurs créations la sagesse venue d'Afrique. Dans cet ouvrage de référence, la professeure Clémentine M. Faïk-Nzuji offre aux lecteurs des voies d'accès insoupçonnées sur la beauté des signes dans les arts et les cultures d'Afrique noire, sur l'étendue des significations de chaque concept représenté par un signe. Ce livre ouvre sur d'infinies perspectives et le public auquel il s'adresse est aussi pluriel que varié.

Dans les îlots urbains et les tanières bardées de bambous qui pullulent en Amérique au milieu du XXe siècle, la culture pop engendre un phénomène sans égal. Dès les années 1950, le style tiki déferle dans l'imaginaire populaire et imprègne la mode, la musique et l'architecture, mais aussi la gastronomie et les boissons.

Publié en version Bibliotheca Universalis, plus maniable, Tiki Pop retrace l'évolution du tiki, comme vision romantique et appropriation culturelle. Suivez son voyage depuis la découverte des îles du Pacifique par James Cook au fil des exubérants tableaux de Gauguin, des décors fantasmatiques des films produits à Hollywood et des temples exotiques bâtis en l'honneur d'un Tiki devenu dieu du divertissement. Illustré de centaines d'images, cet album raconte la formation de l'icône pop que fut le tiki, de ses débuts trépidants et passionnés à sa ruine spectaculaire lorsque les consciences s'éveillèrent aux méfaits générés par la colonisation occidentale.

Ce livre est l'apogée des recherches approfondies menées par Sven Kirsten, archéologue urbain et maître des arts tiki, déjà auteur chez TASCHEN de The Book of Tiki et Tiki Modern, qui a exhumé le premier la figure du Tiki des abysses. Dans un style visuel très apprécié, l'auteur replace ces vénérables idoles dans le contexte de la culture pop tendance polynésienne, perceptible à travers les affiches de cinéma, les boîtes d'allumettes, les bandes dessinées ou les illustrations de Robinson Crusoé. Le tout compose un livre qui est à la fois un régal pour les yeux, un morceau d'histoire culturelle et un hommage à une forme très particulière du paradis. Lire la suite Fermer

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Un nouveau volume d'une collection à succès, « Visions d'Afrique ». Consacré aux arts de l'Afrique, chaque volume de cette collection, écrit par un spécialiste du domaine, s'intéresse à un groupe ethnique différent.
Le peuple mossi du Burkina Faso a une histoire riche et complexe, qui se retrouve dans les différents types et styles de figures et de masques qu'il crée depuis toujours. Les Mossi sont entrés dans l'histoire vers l'an 1500 de notre ère, lorsqu'une troupe imposante de cavaliers, venant du nord-est de ce qui est désormais le Ghana, a envahi la vallée de la Volta et entrepris la conquête des communautés locales. Les descendants de ces conquérants sont devenus chefs de tribu et ont réalisé des figures royales, usant de l'art politique pour légitimer leur pouvoir, tandis que les descendants des communautés locales ont formé une classe dédiée au culte des esprits et sculpté des masques représentant les esprits de la nature.
Christopher D. Roy est professeur d'histoire de l'art et professeur associé de la chaire Elizabeth M. Stanley d'histoire de l'art africain à l'université de l'Iowa. Il a écrit de nombreux ouvrages et articles sur l'art africain en général et sur l'art du Burkina Faso en particulier.
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