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Deuxieme Epoque
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« À la renverse » : Dramaturgies de la chute (1980-2020)
Sylvain Diaz
- Deuxième époque
- Domaines
- 30 Octobre 2025
- 9782377691388
Quoi de commun entre Place des héros (1988) de Thomas Bernhard et Krach (2013) de Philippe Malone, entre Les Idiots (1997) de Claudine Galea et Promenades (2003) de Noëlle Renaude, entre Après la pluie (1993) de Sergi Belbel et Pulvérisés (2009) d'Alexandra Badea ? Toutes mettent en scène « des hommes qui tombent », pour reprendre le titre d'une pièce de Marion Aubert ; toutes mettent en scène des « hommes dégringolés », pour reprendre le titre d'une pièce de Christophe Huysman. Toutes suggèrent que, depuis les années 1980, le théâtre est hanté par la chute.
L'expérience pourrait être banale : qui n'a jamais raté une marche, glissé sur une plaque de verglas, perdu l'équilibre, cédé à la pesanteur qui invariablement nous entraîne vers le sol ? Mais elle ne l'est pas car cette physique est aussi une métaphysique. C'est qu'elle charrie un imaginaire où se confondent, de manière presque indiscernable, doctrine biblique - selon laquelle est exclu du paradis céleste le pêcheur projeté vers l'enfer terrestre - et philosophie platonicienne - selon laquelle l'âme « ayant joué de malchance, gorgée d'oubli et de perversion », s'incarne en tombant. Dans la chute à laquelle nous sommes toutes et tous exposés, se rejoue immanquablement la Chute - événement qui, selon Cioran, inaugure l'Histoire, du moins dans la tradition occidentale.
Représentant crashs (F. Richter, J.-R. Lemoine) et défenestrations (A. Jacob, W. Mouawad), sauts depuis un pont (A. Badea, O. Sylvestre), une falaise (A. Allais, S. Diard) ou un immeuble (J. H. Khemiri, G. Poix), notre théâtre s'inscrit dans cette Histoire qu'ont pu raviver, plus ou moins récemment, tant l'image de « l'Homme qui tombe » depuis les tours en feu du World Trade Center que la pensée collapsologique qui postule l'effondrement prochain de nos civilisations. Notre théâtre expose un monde « à la renverse », pour reprendre le titre d'une emblématique pièce de Michel Vinaver qui métaphorise la chute, signe universel de déchéance, de déréliction, d'échec souvent cuisant, parfois ridicule (aussi drôle que cruelle, elle a tout du gag). C'est à l'exploration de ces dramaturgies de la chute, principalement françaises, qu'est consacré cet ouvrage, conçu comme une « hantologie » : il s'agit bien, dans ces pages, de débusquer ce qui, presque obsessionnellement, les inquiète - quitte à se demander si le théâtre des quarante dernières années, si notre théâtre (qu'à l'envi on dit politique) ne serait pas en fait moral.
À cette question brutale, on n'apportera de réponse qu'en conclusion, après avoir envisagé comment, de Bernard-Marie Koltès à Marina Skalova, la scène devient, chez ces auteurs, chez ces autrices, lieu d'invention d'un « (extra)ordinaire art de choir » : on peut y trébucher ou y basculer ; on peut y culbuter ou s'y abîmer, selon les titres des quatre chapitres qui forment cette étude. Chacun expose une approche différente de la chute que déploient des écritures de l'accident et de la gravité, des écritures de l'effondrement et de la faute. Prises entre le vertige (vaciller est le titre du prologue) et le soulèvement (se redresser est celui de l'épilogue), les dramaturgies ici traversées explorent obstinément ce qui caractérise notre posture anthropologique fondamentale (être debout), et ce qui violemment la mine.
« À la renverse » - Dramaturgies de la chute (1980-2020) ne contribue pas seulement à la nécessaire élaboration d'une poétique du drame contemporain ; elle esquisse aussi en creux son ontologie.
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Écrits sur le théâtre Tome 1 : 1891-1917
Vsevolod Meyerhold
- Deuxième époque
- Les Voies De L'Acteur
- 26 Juin 2025
- 9782377691302
Vsevolod Meyerhold (1874-1940), russe, d'origine allemande, est un des plus grands metteurs en scène européens et le premier à avoir organisé un enseignement de la mise en scène en 1918. La traduction de Béatrice Picon Vallin (directrice de recherches émérite au CNRS, THALIM) sur Les Écrits sur le théâtre de Meyerhold, en quatre volumes (plus de 1500 pages), constitue la plus vaste édition en Europe, mise à part la Russie.
Ces ouvrages, édités en Suisse chez l'Âge d'homme et maintenant épuisés, sont essentiels pour qui veut comprendre les origines du théâtre moderne, qu'il s'agisse de la mise en scène ou du jeu de l'acteur, de création ou de pédagogie. Le projet des éditions Deuxième époque consiste à procéder à une nouvelle édition revue et augmentée, plus riche en illustrations.
Ce livre est le premier de la réédition en quatre volumes. Précédé d'une préface de Béatrice Picon-Vallin, qui explicite la vie artistique du metteur en scène (1898-1917), il est accompagné de nombreuses notes. Le premier volume fait découvrir les premiers pas de Meyerhold, artiste-chercheur, extrêmement érudit, ceux d'un metteur en scène qui connaît d'autant mieux les acteurs que lui-même est un grand acteur. -
Le théâtre dans l'histoire Tome 1 : Les théâtres antiques, la scène entre les hommes et les dieux
Roger Assaf
- Deuxième époque
- Domaines
- 2 Janvier 2025
- 9782377691326
Le projet de Roger Assaf offre une proposition d'approfondissement de ce que nous connaissons de´ja` de l'histoire du the´a^tre. L'auteur prend cependant le proble`me dans l'autre sens, comme le sugge`re son titre, il place le the´a^tre dans l'histoire. Il y aura un tome pour chaque grande pe´riode du the´a^tre. L'introduction de ce premier tome s'intitule d'ailleurs « Pre´lude a` une non-histoire du the´a^tre ». La nuance est importante puisqu'elle n'impose pas a` l'auteur la neutralite´ d'un propos. Il faut comprendre que c'est un voyage savoureux et non une lec¸on d'histoire.
Pour ce premier tome, dans une logique chronologique, l'auteur se penche sur la gene`se du the´a^tre dans l'Antiquite´. Roger Assaf situe la naissance du the´a^tre au moment de la naissance de l'e´criture, au temps des socie´te´s e´gyptiennes et des re´cits babyloniens. Puis il rend visite a` la trage´die grecque et ses auteurs principaux : Eschyle, Sophocle, Euripide pour explorer ensuite la come´die grecque avec un passage conse´quent sur Aristophane. Il propose aussi une analyse philosophique du the´a^tre grec tel que l'ont the´orise´ Platon puis Aristote. Il termine ce premier voyage par le the´a^tre de Rome avec les premiers jeux sce´niques, Plaute, Te´rence et Se´ne`que. -
Vivaces (matériau) : Les enfants d'une utopie
Rafaëlle Jolivet
- Deuxième époque
- Écriture De Spectacle
- 26 Juin 2025
- 9782377691067
Vivaces (matériau) est une architecture en trois temps, trois époques de la vie de cinq amis : leur enfance en communauté dans les années soixante-dix, leur séparation traumatique à l'adolescence et leurs retrouvailles en 2008.
Margaux a grandi dans un idéalisme du partage mais la communauté éclate quand sa mère fait une tentative de suicide ; avec Capucine, sa soeur, elles quittent les autres : Camille, Lola et Mickaël... Elle est alors projetée en classe prépa, confrontée à la dure réalité de la sélection. Mais où sont passés ses amis d'enfance ? Comment vit-on quand on a vingt ans dans un monde dont on ne connaît ni les codes, ni les lois implicites, ni la violence ? Margaux s'interroge sur son choix, et imagine la trajectoire des autres : comment chacun affronte une réalité qui ne laisse guère de place à l'utopie collective. Elle revient sur cette enfance un peu particulière où les adultes les laissaient pousser comme des « herbes folles » au nom de la liberté, au nom de l'imaginaire, au nom du bonheur... À vingt ans, ces herbes folles sont devenues des saxifrages, elles poussent entre les pavés et se frottent au tranchant du réel. À l'aube de leurs 40 ans, ils se retrouvent dans la grande maison de leur enfance. Le passé refait surface dans la frontalité de leurs traversées respectives. Seront-ils capables de construire cette « utopie de résistance » dont ils héritent malgré eux ? Projets, utopies, impasses, bilans, nouvelles voies ... leurs vies se construisent en rhizomes, la plante vivace refleurissant le plus souvent là où on ne l'attend pas. -
Le masque en jeu : Une école de l'acteur
Collectif, Guy Freixe, Christophe Loiseau
- Deuxième époque
- Les Voies De L'Acteur
- 26 Septembre 2024
- 9782377691241
Après une série d'ateliers - menés dans les écoles nationales de marionnette et d'art dramatique ESNAM et ENSATT, à l'association de recherche des traditions de l'acteur ARTA et à l'association DJARAMA à Dakar - Guy Freixe fait une synthèse de son parcours pédagogique. La culture et la pratique du masque constituent pour lui une véritable école de l'acteur reliée aux sources du théâtre :
« Cet ouvrage ne se veut pas une méthode d'apprentissage technique du jeu masqué, parce que je ne pense pas que le masque soit une technique de jeu parmi d'autres. Je le considère plutôt comme un instrument, infiniment précieux, qui donne accès aux fondamentaux du jeu de l'acteur. [...] Non seulement le masque donne à l'acteur son pouvoir d'incarnation mais il lui demande une mise en forme pour représenter la vie. Cette forme passe par le corps, par la métaphore, par la transformation. [...] Ce livre cherche à faire partager mes trente-cinq années d'engagement dans une pédagogie qui se rattache à cette « voie française de la scène européenne » qui passe par Copeau, Dullin, Jouvet, Vitez, Lecoq, Mnouchkine. Le masque comme école de jeu ! » -
Krystian Lupa, les acteurs et leur rêve
Agnieszka Zgieb
- Deuxième époque
- Les Voies De L'Acteur
- 2 Juillet 2020
- 9782377690824
« L'acteur, lorsqu'il crée son personnage est comme un cavalier qui part à la bataille sur son cheval... ou plutôt comme un cheval avec son cavalier, qui ressent le mouvement de son maître et subit les coups d'éperons. C'est un centaure. ».
Il n'existe pas de « méthode Krystian Lupa » : il faudrait plutôt dire que, chez lui, « la méthode » résulte de la matière. Une méthode ferait de l'acteur un esclave de mécanismes déjà testés et que l'on répète, elle anéantirait la possibilité d'en apprendre plus sur nousmêmes, effacerait toute réflexivité. En quoi consiste alors l'apport de Lupa ? Comment aborder sa pédagogie ?
C'est en interrogeant l'artiste et ses acteurs qu'Agnieszka Zgieb ouvre au lecteur des pistes de réflexion et dévoile le processus de création de spectacles qui ont fait le tour du monde car qui, mis à part Krystian Lupa lui-même, serait mieux placé pour parler de sa direction d'acteurs que celles et ceux qu'il a choisis, avec lesquels il passe tant de mois de répétitions et de représentations ?
Chez Lupa, tout part de l'humain et du rêve. Voilà ce que nous livrent, dans ces entretiens, les acteurs polonais, lituaniens et français, ainsi que Krystian Lupa lui-même. Au croisement des manifestes, de la poésie et du témoignage intime, ces textes - richement illustrés de photographies de tournages et de répétitions - ont été obtenus grâce à la « complicité magique » que chacun d'entre eux entretient avec Agnieszka Zgieb.
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Le théâtre de la disparition de l'homme : Écarter l'être vivant de la scène ?
Jean-Francois Ballay
- DEUXIEME EPOQUE
- Domaines
- 30 Janvier 2025
- 9782377691142
L'acteur est-t-il l'objet d'une nouvelle mise en cause radicale, un siècle après Maeterlinck, Jarry et Craig ? Certes, il ne s'agit plus d'écarter l'homme de la scène pour le remplacer par une marionnette idéale. Pourtant, l'apparition des acteurs artificiels - avatars, robots et autres doubles qui semblent en passe de devenir autonomes - n'est pas sans réactiver le trouble qu'éprouvait déjà Kleist au spectacle des marionnettes. Cet essai s'intéresse avant tout au trouble qui gagne le spectateur. Quel type d'expérience provoque la disparition de l'acteur chez les participants ? Cela pourrait-il bouleverser l'art si ancien et universel du théâtre ?
Trois oeuvres, qui ont fait événement à l'orée du XXIe siècle, servent ici de fil conducteur : Les Aveugles de Denis Marleau, Stifters Dinge de Heiner Goebbels, et Re:Walden de Jean-François Peyret. Ce corpus, enrichi d'autres exemples, ne fait pas qu'interroger la fonction de l'acteur en chair et en os, il introduit la conjecture anthropologique d'une disparition de l'homme. Expression problématique s'il en est car, au-delà du phénomène factuel d'une dématérialisation possible de l'acteur, se dessinent en arrière-plan des enjeux fondamentaux : le brouillage des frontières entre vivant et artificiel, la perte du lien au monde, le déclin de l'humanisme, l'effondrement écologique. Si l'homme devait disparaître, c'est peut-être au théâtre qu'il résisterait le plus longtemps à sa disparition. Mais la proposition peut s'inverser : n'est-ce pas là qu'il ne cesse de s'effacer avec le plus d'ostentation, jouant depuis toujours avec les oppositions apparence/réalité, apparition/disparition ? Pour explorer ces problématiques, cet essai s'intéresse aussi bien à la scénographie, à la dramaturgie, à la relation acteur spectateur et aux nouvelles machines qui transfigurent le dispositif scénique en une anamorphose visuelle, sonore, éminemment troublante, de l'être humain menacé de disparaître. -
L'acteur et ses doubles
Guy Freixe
- Deuxième époque
- Les Voies De L'Acteur
- 15 Décembre 2021
- 9782377690862
Cet ouvrage, qui juxtapose esquisses personnelles et études analytiques, a pour objectif de penser le théâtre à partir de l'acteur, dans son rapport au corps, à l'espace, à la musique, au masque, au metteur en scène, aux traditions formelles européennes ou extra-occidentales, mais aussi aux conditions de l'exercice du métier. Ces relations, toujours entrelacées, interrogent les métamorphoses de l'acteur et fondent la poétique et la plasticité de son jeu.
L'Acteur et ses doubles vient dans la continuité du parcours d'auteur de Guy Freixe, à la fois comédien, metteur en scène, pédagogue et professeur des universités en arts de la scène qui, après Les Utopies du masque sur les scènes européennes (prix du Syndicat de la critique, «?meilleur ouvrage de théâtre?» en 2011), a publié La Filiation Copeau-Lecoq-Mnouchkine, en 2015, aux éditions l'Entretemps.
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Terres communes : vies et morts dans la rue ; du web-doc au théâtre, une traversée documentaire
Alix Denambride, Béatrice Picon-Vallin, Emmanuel Vigier
- Deuxième époque
- Domaines
- 28 Avril 2022
- 9782377690800
Le regard porté sur ceux qui vivent et qui meurent dans l'espace public des grandes villes de France, a provoqué chez deux artistes, un vidéaste et une metteure en scène, le besoin d'explorer cette réalité et de mettre en lumière ces traces de vie à travers leurs médiums. Ce sera Terres communes le web-documentaire d'Emmanuel Vigier (2012) et Terre commune la création théâtrale d'Alix Denambride (2017).
Ce troisième acte est le récit de l'ensemble d'un parcours artistique depuis le regard et les images du web-documentaire d'Emmanuel Vigier jusqu'à l'espace public où se joue la fiction dramatique, écrite et interprétée par Alix Denambride dans sa version française.
L'introduction de Béatrice Picon-Vallin et l'entretien approfondi qu'elle conduit avec les deux auteurs offrent une compréhension et une analyse de «dix ans d'une traversée documentaire sur un sujet impossible». Ensemble, ils nous font découvrir les différents aspects de ce travail au long cours. Ils révèlent les modalités de passage à la fiction et les rapports entretenus entre les artistes et leurs équipes, dans un lien solide avec des gens de la rue et ceux qui les accompagnent.
Les deux auteurs esquissent les portraits de Mireille, Michaël et Étienne, ces trois personnages qui existent dans la réalité et ont nourri la fiction. L'ouvrage se conclut par une entrevue avec le Collectif Les Morts de la Rue (C.M.D.R.), une structure dont l'une des priorités est de faire savoir que beaucoup de personnes qui vivent ou ont vécu à la rue en meurent, seuls. Ce livre a deux objectifs : contribuer à la découverte des écritures artistiques en espace public, et donner accès à des éléments de connaissance et de réflexion sur un aspect le plus souvent ignoré de notre société, ces «terres communes» qui prennent, avec les nouvelles crises que nous rencontrons, encore davantage de résonance. -
Un siècle d'avant-garde : Essai sur le théâtre étasunien
Emeline Jouve
- Deuxième époque
- Domaines
- 9 Janvier 2025
- 9782377690305
Si l'avant-garde théâtrale a fait l'objet de peu de publications, le théâtre américain, plus généralement, est lui aussi relativement peu présent dans nos librairies et alors que la culture américaine est omniprésente, il n'est pas aisé de s'informer sur le théâtre propre à cette culture. L'ouvrage a donc été pensé pour combler ce vide et permettre à un large public de découvrir l'histoire de la scène théâtrale aux USA et certains de ses plus grands représentants. Une attention particulière a été portée au style afin que l'ouvrage soit accessible au plus grand nombre. Lorsque des termes théoriques sont introduits, le lecteur trouvera les définitions en fin d'ouvrage où un glossaire est proposé.
Le volume met au jour trois générations avant-gardistes : la première vague correspondant à la naissance d'un théâtre natif s'étend de 1910 à 1940 ; la deuxième vague est un phénomène post-Seconde Guerre qui dure jusqu'aux années soixante-dix ; la troisième vague fait suite à la précédente et court jusqu'à aujourd'hui. C'est l'évolution du positionnement des artistes rebelles vis-à-vis de l'institution dont Broadway est l'incarnation qui permet de dégager trois tendances dans l'histoire de l'avant-garde étatsunienne. -
Le théâtre de la lumière
Laurent Castaingt
- Deuxième époque
- À La Croisée Des Arts
- 21 Septembre 2023
- 9782377691005
La lumière peut tout modifi er, tout exalter ou tout occulter. Comme l'écrit le scénographe Adolphe Appia, quand les formes et les couleurs cherchent à exprimer quelque chose, la lumière, elle, dit : « Je suis, les formes et les couleurs n'existeront que par moi. » Cet ouvrage ne s'adresse pas qu'aux artisans du théâtre, créateurs et techniciens, mais à tout lecteur curieux. Il est destiné à nous rendre attentifs à ce que la lumière peut transformer et à ce qu'elle nous inspire - au théâtre, dans l'art, et in fi ne tout autour de nous.
La lentille convexe qu'est le théâtre absorbe et renvoie les images du monde réel et celles des autres arts. Pour cette raison, illustrations, peintures, sculptures et architectures qui sont chères à l'auteur sont reproduites et explorées ici, auprès d'images des spectacles dont il a créé les éclairages et parfois la scénographie.
En cheminant ainsi entre ombre, lumière et couleur, en découvrant les stratagèmes des peintres et des sculpteurs pour donner du mouvement à ce qui n'en a pas, nous apprenons à observer diff éremment le réel et l'infi nité des changements qui nous entourent, entre jour, pénombre et refl ets, à comprendre pourquoi une image nous rend heureux ou une autre mélancolique. Ce témoignage de trente ans de créations est une approche sensible, qui tente de nous faire saisir pleinement combien la lumière modifi e nos vies. -
Les cinq continents du théâtre
Eugenio Barba, Nicola Savarese
- Deuxième époque
- 22 Octobre 2020
- 9782377690343
« D'où est-ce que je viens ? Qui suis-je ? Où est-ce que je vais ? Pour répondre à ces questions nous devons revoir dans une autre perspective les innombrables formes, expériences, vestiges et mystères que l'histoire de notre profession nous lègue. C'est la seule façon de nous construire une boussole personnelle pour traverser les cinq continents de notre métier : quand, où, comment, pour qui et pourquoi on fait du théâtre. » Ce livre, parmi les plus ambitieux jamais écrits sur le théâtre, conjugue étonnamment le charme d'une illustration exubérante et l'exigence d'un propos savant sur l'art de l'acteur. Il remplit donc une mission de vulgarisation doublée d'une contribution encyclopédique à l'histoire du théâtre et d'un corpus de références techniques et esthétiques qui en feront un outil pour les praticiens et une invitation au voyage dans le temps et dans l'étendue de toutes les cultures pour les lecteurs non spécialistes.
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Si l'Histoire a accueilli dans son rang la révolution de Mai 68, celle du mois de juillet qui traversa le Festival d'Avignon semble avoir été reléguée à sa marge. Pourtant, la XIIe édition du festival, sous la direction de Jean Vilar ; déchaîna les passions avec la même intensité que celles qui habitaient et agitaient les acteurs des contestations printanières ayant ébranlé le pays jusqu'à la dissolution de l'Assemblée.
Se rejouait à Avignon la révolution alors étouffée par Charles de Gaulle, et le festival devint ainsi le théâtre de tensions entre les ennemis du " supermarché de la culture " et les défenseurs d'une conception vilarienne du théâtre populaire. Le LivingTheatre, invité à présenter trois pièces - dont la création Paradise Now - cristallisa beaucoup de ces tensions de par ses prises de position. Avignon 1968 et le Living Theatre est une immersion dans ce mois d'été 1968 avignonnais : un voyage dans le temps pris en charge par des témoins ayant vécu les évènements de juillet et dont les entretiens sont retranscrits dans ce volume, mais aussi par ceux qui sont revenus sur cette période passionnée par le biais de la fictionnalisation.
La réactualisation de ces souvenirs rend compte de crises continuant à secouer un monde de la culture qui n'a de cesse d'interroger les rapports entre l'art et le politique (l'institution, la révolution) mais aussi entre l'art et le poétique (le beau, le transcendant).
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Voix de vie, voix de scène : Guide de préparation aux arts et métiers de la parole
Gérard Santi
- DEUXIEME EPOQUE
- Les Voies De L'acteur
- 12 Septembre 2024
- 9782377691265
Incité par ses élèves, par des professionnels du théâtre et de l'enseignement technique lié à la voix qu'il accompagne depuis les années quatre-vingt-dix, Gérard Santi s'est résolu aujourd'hui à laisser une trace écrite de sa façon d'enseigner l'utilisation de la voix dans l'interprétation et toute sorte de pratiques oratoires.
Il y a quelques décennies et encore assez récemment, la technique vocale était essentiellement associée aux cours de chant. Or, la technique de placement de la voix chantée n'est pas la même que pour la voix parlée et le mouvement du corps y est rarement pris en compte. En rassemblant dans cet ouvrage le fruit de ses recherches pédagogiques, l'auteur convie chacun à comprendre le fonctionnement de sa voix et à utiliser la force de la parole. C'est un véritable manuel qu'il propose, avec des exercices détaillés, des réflexions, des conseils, des anecdotes et de nombreux croquis explicatifs. -
Générik Vapeur, 40 ans de théâtre de rue : trafic d'acteurs et d'engins
Bertrand Dicale, Michel Peraldi
- Deuxième époque
- Domaines
- 28 Novembre 2023
- 9782377691227
Le projet de ce livre est d'offrir une lecture et des points de vue sur quatre décennies du trafic d'acteurs et d'engins déployé par la compagnie Générik Vapeur, quatre décennies qui ont vu la société changer, le monde se bouleverser, les murs tomber, d'autres s'ériger.
On trouvera dans le livre une traversée documentaire et chronologique des quarante années. Non pas plate, mais mise en relief par une approche millésimée du vécu de la compagnie, avec ses quintessences, ses intempéries, ses mildious...
On trouvera dans le livre un récit écrit par Bertrand Dicale qui abordera les thèmes propres à la démarche artistique de la compagnie : le théâtre de rue, les engins, le rock, l'espace public, les voyages, la troupe, la mixité, les lieux - en particulier les Anciens Abattoirs de Marseille et la Cité des arts de la rue-, le répertoire et les évènements sur mesure in situ, les cycles de création, les gens, de la troupe et de la profession bien sûr, mais aussi les gens d'ici et d'ailleurs, sources et destinataires de chaque spectacle. De ce fait, ce récit structuré en plusieurs chapitres plongera le lecteur dans les points clefs du travail artistique en espace public, vu, vécu, habité et investi par Générik Vapeur.
On trouvera dans le livre, une introduction sur le chaos du monde dans lequel nous sommes entrés à notre insu depuis quelques années, chaos à l'intérieur duquel les artistes, comme les Générik Vapeur, interviennent en échos poétiques et politiques, en imaginaire et en merveilleux, en fraternité et en générosité. Michel Péraldi, sociologue connu pour sa grande et incisive connaissance de Marseille, apportera cet éclairage prospectif.
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Le silence au théâtre, au cinéma et en musique
Norbert Aboudarham
- Deuxième époque
- Linearis
- 30 Juin 2022
- 9782377690947
Pour Joseph Haydn, le plus difficile à écrire, c'est le silence. L'écriture de Marguerite Duras est, selon elle, à mi-chemin entre la musique et le silence. John Cage compose 4 minutes 33 de silence. En écrivant Acte sans paroles au XXe siècle, Samuel Beckett fait entrer en scène le silence.
Improprement qualifié de « théâtre de l'absurde » (qualificatif réfuté par Beckett, Ionesco et Adamov), le théâtre du XXe siècle n'est-il pas un « théâtre du silence » ? Et si le silence de ce théâtre était une renaissance ? La naissance d'un théâtre sans mots ? Paroles, silence, vide, corps et gestes, le « théâtre du silence » sillonne les traces d'une écriture nouvelle. Théâtre, musique, danse... Leurs silences sont-ils des textes en creux qui disent l'indicible ? Quels buts poursuivent les artistes dans l'acte d'écrire, de composer le silence ? L'auteur cherche, ici, les raisons fondamentales, esthétiques, mais aussi idéologiques des écritures du silence. Puis dans un dernier chapitre, il propose des exercices sur le silence, à l'usage des comédiens et pédagogues. -
Le théâtre et l'esprit du temps
Georges Banu
- Deuxième époque
- À La Croisée Des Arts
- 17 Août 2023
- 9782377690985
L'ouvrage Le Théâtre et l'Esprit du temps propose un contenu qui permet d'examiner le théâtre dans la perspective de ses rapports avec ce qui surgit dans le présent et le bouleverse. Le livre dissocie les différentes positions à l'égard du « nouveau » et de son insertion sur la scène contemporaine. Georges Banu sépare ici les découvreurs de « l'esprit du temps » les lanceurs, les suiveurs et les épigones. Il s'agit d'un processus qui naît de l'émergence et de ses conséquences, jusqu'à l'érosion et l'épuisement de cette radicalité propre à « l'esprit du temps » notamment lorsque de grands artistes le mettent à jour.
À cela s'ajoutent les réflexions sur « le grand format et son incidence au niveau de la création et de la perception des spectacles longue durée », de même que l'examen de l'ouverture du théâtre vers d'autres arts, le roman ou encore le cinéma.
Le livre analyse également des motifs récurrents de la mise en scène tels que « le monde comme hôpital » ou « le croisement des durées », avec tout ce que cela entraîne et les solutions inédites qui permettent d'enrichir le champ visuel de la scène contemporaine.
Sur les trente chapitres du livre, une moitié est totalement inédite et une quinzaine avait fait l'objet d'une parution antérieure sous forme d'article dans une revue (Art Press, Alternatives théâtrales ou Études théâtrales). Ces chapitres ont été remaniés pour la présente édition et les revues ont autorisé la reprise des textes.
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Louis Jouvet ; artisan de la scène, penseur du théâtre
Eve Mascarau
- DEUXIEME EPOQUE
- 29 Mars 2018
- 9782377690268
Jouvet, qui donnait une place fondamentale au concret de la scène, considérait son art comme un artisanat qui repose avant tout sur la pratique et le travail matériel en amont de toute représentation : texte, plateau, matière, corps, sensations. Penseur du théâtre, il l'était plus qu'aucun autre, lui qui, inlassablement, a toute sa vie consigné pensées, aphorismes et réflexions dont ses archives foisonnent, à côté des quelques ouvrages connus.
En effet, alors que le nom de Jouvet est connu de tous et que chacune de ses répliques résonne immédiatement à l'oreille de qui entend son nom, ses écrits et plus généralement ses archives restent relativement inexploités. Grâce à ce fonds d'archive considérable constitué de documents inédits, le lecteur trouvera dans cet ouvrage les premiers grands travaux concernant Louis Jouvet - montrant ainsi qu'il a sans doute été l'un des premiers metteurs en scène de l'ère contemporaine en ce sens qu'il est l'initiateur du texte dramaturgique.
Et si le metteur en scène et l'acteur en Louis Jouvet ont bénéficié d'une forte reconnaissance dans le monde du théâtre, Louis- Jouvet pédagogue est certainement le plus méconnu. Pourtant pédagogue extraordinaire, il a encore beaucoup à apprendre aux acteurs et autres professionnels du théâtre d'aujourd'hui.
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Comment se construit un récit burlesque au théâtre ? Comment pratiquer le jeu burlesque ? Comment est né ce genre comique à la frontière di comique et du tragique ? L'ouvrage est une invitation au pays de l'absurdie. Norbert Aboudarham nous donne les codes du burlesque au théâtre au travers de son expérience pédagogique menée depuis 20 ans. Cette édition est augmentée d'un chapitre sur « l'être là » qui analyse les clefs de la présence de l'acteur liès au « jeu masqué sans masque ».
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La Moitié du Ciel et Nous fait suite à une rencontre entre Armand Gatti et Ulrike Meinhof, ancienne journaliste, cofondratrice de la Fraction Armée Rouge (plus connue en France sous le nom de « Bande à Baader-Meinhof »), qui s'est livrée à des attaques armées contre les bases militaires de l'armée américaine, en pleine guerre du Vietnam.
Alors qu'Ulrike Meinhof et plusieurs de ses camarades sont incarcérées à la prison pour femmes de la Lehrterstrasse, Gatti s'arrange pour écrire cette pièce avec elles, par l'intermédiaire de leurs avocats.
Il s'agit donc d'un livre hommage : hommage aux femmes qui « portent la moitié du ciel » si l'on en croit le proverbe chinois, y compris celles qui prirent part à la tourmente révolutionnaire et envers lesquelles l'opinion publique, la presse et la justice de l'époque ont été impitoyables ; hommage à ce texte original longtemps disparu et retrouvé à la bibliothèque universitaire de Paris 8 ; hommage encore au regretté Armand Gatti, poète, journaliste et homme de théâtre dont la trace lumineuse accompagnera longtemps plusieurs générations d'acteurs et de spectateurs.
« La Moitié du ciel, c'est jamais la même pour moi... Le plus souvent c'est l'autre, celle que je ne suis pas en train de chercher...»
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Une interrogation traverse les grandes réformes du théâtre moderne : le rapport de l'acteur, corps de chair, à la sculpture, corps de pierre. Pour devenir « art », la scène engage le dialogue avec les autres arts et c'est à sa relation, jamais étudiée auparavant, avec la sculpture, que ce livre se consacre. Sculpture qui intervient comme une image de combat dans la lutte contre la tentation réaliste que peut nourrir le corps vivant de l'acteur et dont il s'agit de se libérer pour bon nombre de gens de théâtre, d'Adolphe Appia à Vsevolod Meyerhold et d'Étienne Decroux à Jerzy Grotowski ou Eugenio Barba. Ils se placent à la frontière entre le corps vivant et le corps sculpté et s'inspirent pleinement de cet « ailleurs ». De l'autre côté, se dessine la famille qui va de Maurice Maeterlinck et Edward Gordon Craig à Tadeusz Kantor ou même Jean Genet - où les enjeux de la référence à la statuaire associent à la dimension purement plastique une dimension que l'on peut qualifier de métaphysique, au sens d'Antonin Artaud.
Il s'agit ici de placer le théâtre au coeur du dialogue avec l'art de la sculpture et de convoquer les propos et les visions des historiens de l'art ou d'un Auguste Rodin, Antoine Bourdelle ou Alberto Giacometti afin d'éclairer conjointement la quête du théâtre et la sculpture. Monique Borie pose la question et interroge les enjeux de la matière aussi bien que les tensions entre le vivant et l'inerte, le mouvement et l'immobilité, la vie et la mort. Elle se situe au carrefour des arts en découvrant comment le corps de pierre regarde du côté du corps de chair. Tandis que le théâtre, lui, art du corps de chair, regarde du côté du corps de pierre.
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Le musée par la scène
Pauline Chevalier, Aurélie Mouton-Rezzouk, Daniel Urrutiaguer
- Deuxième époque
- 20 Septembre 2018
- 9782377690466
« Des correspondances. Des e´treintes. » Ce sont les mots employe´s par Patrice Che´reau, invite´ du Louvre en 2010, pour e´voquer la relation entre muse´e et spectacle vivant, entre l'oeuvre d'art et le corps en mouvement. Le Muse´e par la sce`ne nous e´claire sur les apports du spectacle vivant dans la pratique muse´ographique et sur l'inte´re^t dramaturgique ou performatif de telles expe´riences. Il y est d'abord question de strate´gie de programmation, de conque^te de nouveaux territoires de la sce`ne et de nouveaux publics; l'offre de spectacle vivant - ce recours au vivant dans l'espace muse´al - y est examine´e a` travers ses enjeux socio-esthe´tiques et e´conomiques. C'est ensuite l'originalite´ de l'espace sce´nique au muse´e qui y est appre´hende´e, a` la croise´e de l'exposition, de la collection, de la cre´ation et de la performance. La relation entre corps et objets est explore´e a` partir d'une multitude d'e´tudes de cas - des cre´ations en danse, en musique, en the´a^tre - et croise des « encarts », paroles d'artistes ou de professionnels. Enfin, a` partir de nombreux exemples, en France et dans le monde, du Muse´e Rodin au Mucem, en passant par la pinacothe`que nationale de Nauplie en Gre`ce, le District Six Museum du Cap en Afrique du Sud, le MOMA de New-York et la Tate de Londres, Le Muse´e par la sce`ne propose a` ses lecteurs une re´flexion sur la me´diation sensorielle et sensible, et sur l'expe´rience singulie`re qui s'y joue, sur le rapport entre rhe´torique muse´ale et rhe´torique spectaculaire, et sur cette dramaturgie muse´ale qui s'invente au chevauchement de la sce`ne et du muse´e.
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L'Entraînement Voice and Body de Zygmunt Molik : Héritage du Théâtre Laboratoire de Jerzy Grotowski
Giuliano Campo, Zygmunt Molik
- Deuxième époque
- Les Voies De L'Acteur
- 9782377690169
Zygmunt Molik fut de ceux qui participèrent à l'aventure du Théâtre Laboratoire de Jerzy Grotowski dès le début et l'accompagneront jusqu'au dernier jour, soit durant 25 ans. Une période durant laquelle il deviendra assez vite responsable de l'entraînement vocal du groupe. Or cette figure, l'un des piliers du Théâtre Laboratoire, reste encore méconnue en France. Dans son livre Grotowski et compagnie, Ludwig Flaszen, conseiller littéraire de Grotowski, le nomme « compagnon-maître Molik ». Il rappelle aussi que Zygmunt Molik parlait très peu de sa méthode en dehors de la salle où il conduisait ses activités. « Peut-être avait-il le souci de préserver les secrets du métier, comme cela arrive chez les artisans de grande classe ». Les conversations qu'il a eues avec Giuliano Campo sont par conséquent le seul témoignage du travail mené et des exercices vocaux et corporels qu'il a créés tout au long de sa carrière de formateur d'acteurs. La publication de la traduction française de ses paroles (déjà traduites au Brésil, en Pologne, en Hongrie) était vraiment nécessaire. Ses pensées sur l'entraînement Voice and Body sont d'autant plus accessibles à un large public (étudiants en théâtre, élèves acteurs, professionnels, amateurs...) qu'elles épousent cette forme dialogique entre un élève et un professeur, une maïeutique à laquelle nous ont habitués les écrits de Stanislavski ou les cours au conservatoire de Louis Jouvet. Voice and Body est un outil formidable pour le développement créatif et personnel des acteurs, qui a eu un impact considérable et qui continue d'influencer la pratique théâtrale dans le monde entier.
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Le Théâtre dans l'histoire Tome 2 : Les théâtres d'Asie, la scène entre la terre et les cieux
Roger Assaf
- Deuxième époque
- Domaines
- 9782377691364
