À travers des exercices d'improvisation, Alain Knapp propose une démarche graduelle et méthodique pour inviter les comédiens à se poser les bonnes questions face un canevas et à faire preuve de créativité sans pour autant tomber dans différents écueils tels que le pittoresque, l'anecdotique, le spectaculaire ou le "théâtral" à tout prix.

La formation d'un acteur n'est pas un simple apprentissage de techniques, car l'art de l'acteur n'est pas réductible à un savoir-faire. Que veut dire alors former un acteur ? A quoi peut servir une école ? Dans les sept conversations qui composent ce livre, les deux auteurs, eux-mêmes pédagogues, s'interrogent sur le sens et les formes de ce passage qui conduit un acteur en puissance à un artiste que l'on espère accompli.
Dans ce livre, ni prescriptions, ni modes d'emploi... mais plutôt l'exposé d'une idée du théâtre, et de réflexions sur les moyens pour l'atteindre. La plupart des grands metteurs en scène du XXe siècle ont vu dans l'école le complément nécessaire à l'exercice de leur art. La pratique du théâtre et l'enseignement sont, depuis l'apparition de la mise en scène moderne, intimement liés. Comment l'enseignement peut-il alors garantir et susciter une liberté créatrice est peut-être la question qui court tout au long de ce livre.
Jean-loup Rivière et Jacques Lassalle Ces conversations sont suivies d'une pièce écrite par Jacques Lassalle pour les élèves de sa dernière année au Conservatoire de Paris : un jour d'avril 1960, les élèves d'une classe d'interprétation apprennent la mort de Bernard, un de leurs camarades, depuis quelques mois soldat du contingent en Algérie. Après fut créée au Conservatoire en avril 2001 et fit l'objet, l'été suivant, dans la réalisation de Jean-Philippe Puymartin, d'un film dont le DVD accompagne le livre.
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À travers cet essai, Thibault Fayner retrace la naissance de l'enseignement de l'écriture théâtrale en France et explore les méthodes que chaque écrivain-pédagogue invente pour faire écrire autrui. S'appuyant sur l'analyse des enseignements et des discours des dramaturges, il étudie les différentes manières de conduire l'apprenti écrivain sur les sentiers de la création littéraire et interroge les implications esthétiques des pédagogies. Cet ouvrage nous invite également à réfléchir à une définition contemporaine de l'écriture théâtrale et, de manière plus générale, nous ouvre à de nouvelles perspectives sur les enjeux actuels du monde de la scène.

Dans cette "Grammaire de la diction française", l'auteur expose avec ordre et progression ce qui de l'art de dire peut s'apprendre dans un livre. Respiration, prononciation, articulation, intonation, transmission de l'émotion ou encore gestuelle et attitude sont autant de thèmes traités dans cet ouvrage qui met à la portée de tous les quelques préceptes indispensables de la diction française, tant expressive que correcte. Si vous souhaitez vous préparer à devenir un bon orateur et un lecteur digne de la langue française et de ses chefs-d'oeuvre, si vous êtes comédien ou exercez une profession exigeant l'emploi quotidien de la parole, ou si vous voulez chasser les incorrections qui se sont introduites dans le langage courant, ce livre est fait pour vous !
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Le manuel d'improvisation théâtrale s'adresse aux amateurs comme aux professionnels, aux animateurs d'ateliers théâtre et à tous les curieux qui veulent découvrir cette formidable technique de communication.
Il met en lumière les principes et techniques qui conduisent à la réussite d'une improvisation et propose cent exercices pratiques. Il montre différents aspects de l'improvisation théâtrale à travers le monde et offre une synthèse inédite de son histoire. La vie est une lente impro !

Marcel Freydefont a choisi 76 extraits de textes afin de faire mieux connaître la scénographie. Depuis Aristote, avec L'invention de la scénographie et Le Fabricant d'accessoires, Vitruve avec la définition de l'Ichnographie, l'Orthographie, la Scénographie et la description Des trois sortes de Scène jusqu'à Aillaud qui écrit À propos des décors de théâtre, Kokkos qui parle de Rendre visible l'invisible, François, qui estime qu'il y a deux voies pour le scénographe, L'illustration et la métaphore, ou Jeanneteau pour qui La scénographie n'a d'existence que dans le temps de la représentation, Sivadier, pour qui l'on n'a pas besoin de décor, on a besoin d'espace, en passant par Shakespeare qui invoque la scène agile, Hugo qui en appelle à La localité exacte, Appia qui s'interroge Comment représenter sur la scène une forêt ? ou Copeau qui affirme vouloir Renoncer à l'idée de décor, sans oublier la position des architectes et des dramaturges, ce florilège déploie le cours de la pensée théâtrale à travers une esthétique de la représentation de lieu et du lieu de représentation. Lire la suite Fermer

Qu'est-ce qui, de l'expérience, peut se transmettre ? Y a-t-il quelque chose qui, de la relation sensible entre un metteur en scène et des acteurs, puisse s'apprendre ou s'enseigner ?

Les termes ne sont-ils pas réducteurs, sans cesse à redéfinir ? Le croisement des regards, la confrontation des compétences visent à appréhender ces actes d'échange et de transmission que constituent les « directions d'acteurs », et ce, non seulement à travers le discours, mais aussi les intonations vocales, les silences, les comportements, les attitudes, les gestes.

« Il (le geste) a été donné a l'homme pour exprimer ce que la parole est impuissante à dire. « François Delsarte.
2015 est une année importante pour Delsarte. Alors que reparaît un autre texte de Franck Waille écrit en 2009, nous proposons Le Travail somatique expressif de Delsarte.

Francois Delsarte (1811-1871), chanteur, professeur de chant et de déclamation a la renommée européenne de son vivant, eut une carrière posthume étonnante, spécialement aux États-Unis d'Amerique, qui connurent dans les dernières décennies du XIXe siècle une véritable Delsartemania et le développement du delsartisme américain (cf. Ruyter, 1979 & 1999), mouvement qui a marqué en profondeur la société et la pensée américaines. Par la suite, ses enseignements eurent au XXe siècle une influence déterminante dans le développement du théâtre et de la danse modernes en Occident. Ils sont généralement considérés comme marquant le début de la modernité des arts de la scène, en particulier par une prise en compte nouvelle du corps dans le travail de l'acteur, par une approche du travail corporel dans une visée expressive et par l'analyse systématique du mouvement humain. La perte de sa voix chantée a la suite de ses études au conservatoire de Paris obligea Delsarte a une rééducation basée sur ses observations des phénomènes vocaux et des mouvements expressifs de l'être humain, ainsi que sur des connaissances anatomiques et physiologiques qu'il acquit pour l'occasion. Ses observations, devenues véritables processus et méthode de connaissance, le conduisirent a penser que l'expression humaine serait régie par des lois.
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80 exercices d'entraînement au théâtre, est une suite aux 60 exercices d'entraînement au théâtre tomes 1 et 2 de Dominique Mégrier et Alain Héril, adaptée au public des adultes et des séniors.

Parce que le théâtre amateur peut se pratiquer à tout âge et qu'il a même des vertus pour entretenir la mémoire et l'agilité, préserver le lien social, favoriser la coopération et les moments de convivialité, de nombreuses structures pour 3e âge commencent à s'y intéresser.



Les 80 exercices regroupés dans ce recueil permettent de répondre à l'attente de ceux qui veulent mettre en place ce type d' ateliers.



Ils proposent un travail sur :




Le corps : dynamisation et stimulation, échauffement physique, expression corporelle ;


La voix : respiration, diction et articulation, corps et voix ;


La mémoire la connaissance de soi la connaissance de l'autre le jeu dramatique : les états, les improvisations la relaxation.


Pour chacun des 80 exercices d'entraînement au théâtre, sont précisés :


Les objectifs, la durée, le nombre de participants le matériel éventuel.

Un chapitre en début d'ouvrage fournit des conseils d'utilisation et propose un exemple de déroulement d'atelier type.

Le DVD contient aussi une trentaine d'exercices de théâtre filmés, pour faciliter la compréhension de leur déroulement.

************************************* CD-Rom pour Mac et PC Configurations requises :
PC : Windows XP, 7, 8, 10 Mac : IOS 10.5, 10.6, 10.7, 10.8, 10.9, 10.10, 10.11, 10.12 Flash Player 11 Internet Explorer 8 ou versions ultérieures, Firefox version 3.4 ou versions ultérieures, Chrome, Safari, Opera toutes versions Lire la suite Fermer

Redonner au spectateur confiance en son propre regard, une confiance qu'il n'aurait jamais dû perdre, telle est l'ambition de ce parcours à travers les spectacles et leurs analyses.
Théâtre parlé, mime, danse, danse-théâtre, performance, cinéma et médias audio-visuels : comment les analyser spécifiquement ?
Après une mise au point sur l'état de la recherche et les instruments de la description et de l'interprétation, les oeuvres sont systématiquement radiographiées.
Comment aborder leurs diverses composantes : jeu de l'acteur, voix, musique, espace, temps, costumes, éclairages, etc. ?
L'analyse se place résolument du côté du récepteur : comment reconstitue-t-il la logique dramaturgique de l'oeuvre, avec quelles réactions conscientes et inconscientes ?
Cette édition augmentée de deux annexes prend en compte les nouvelles méthodes d'analyse autant que le renouvellement des formes esthétiques et culturelles, bien au-delà du cadre étroit de la mise en scène de théâtre et des théories de la performativité. Elle revient sur la figure du spectateur dont la récente promotion, notamment pour les spectacles postmodernes et postdramatiques, ne va pourtant pas sans poser de sérieux problèmes théoriques pour l'analyse.

Patrice Pavis a été professeur à l'Université de Paris-VIII. Actuellement professeur à l'université du Kent à Cantorbéry et au Conservatoire d'art dramatique de l'Université des Arts de Corée, il est l'auteur de plusieurs livres sur le théâtre interculturel, la théorie du théâtre, l'écriture dramatique et la mise en scène contemporaines. Son Dictionnaire du théâtre (Armand Colin) a été traduit en une trentaine de langues.
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Ce livre est un répertoire d'exercices de théâtre collectés par les fondateurs de Thealingua, Marjorie Nadal et Damien Poinsard. Certains classiques, d'autres inédits, les auteurs les ont longuement expérimentés pour les adapter à des participants de tout âge mais non nécessairement francophones. Les exercices sont présentés en six chapitres correspondant aux six étapes d'une création théâtrale collective : dynamique de groupe, outils du comédien, jeux d'improvisation, écriture et appropriation du texte, mise en scène et répétitions d'avant spectacle. Ce répertoire intègre la collection THEALINGUA, un ensemble d'outils visant à accompagner la création théâtrale collective multilingue selon les trois principes de Thealingua : le corps, le collectif et l'engagement. Cet ensemble méthodologique constitue la base de formation des Thealinguistes, pédagogues de théâtre et langues.
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Becq de Fouquières est un nom aujourd'hui totalement oublié des dictionnaires du théâtre ou des bibliographies sur la mise en scène. Pourtant, ce féru d'art dramatique et de scénographie signa en 1884 un véritable coup de maître en publiant, avec L'Art de la mise en scène, le premier essai théorique consacré à l'esthétique de la mise en scène théâtrale, et l'un des rares parus à ce jour sur le sujet. Cette véritable mine d'information paraît alors que la technique de la mise en scène est en passe de devenir un art, lequel jouera un rôle prépondérant dans l'avènement du statut de metteur en scène. En effet, l'émergence de la mise en scène moderne est généralement datée de 1887, année de fondation du Théâtre Libre par André Antoine à Paris. En ce sens, le texte de Becq de Fouquières, paru trois ans auparavant, peut être vu et lu comme un témoignage sur la façon dont la mise en scène était alors pensée en cette époque charnière. Cet essai a aussi conservé toute son actualité. Abonné à la Comédie-Française et à l'Opéra, critique à ses heures, Becq de Fouquières laisse derrière lui l'oeuvre d'un prophète malgré lui de la mise en scène moderne, comme le soulignera bien plus tard l'universitaire et historien du théâtre Bernard Dort. [Avant-propos de Frédéric Gimello-Mesplomb] Extrait : Quel rôle particulier est appelée à jouer la mise en scène dans l'évolution de l'art dramatique ? Jusqu'à présent, il paraît y avoir beaucoup de confusion dans les idées de ceux qui se réclament de l'école réaliste. Les théâtres semblent obéir à une tendance dangereuse qui ne peut aboutir qu'à leur ruine sans profit pour l'art. Cette tendance consiste à transformer la représentation du réel en une sorte de présentation directe, de telle sorte qu'ils cherchent à s'affranchir du procédé artistique de l'imitation et mettent leur ambition à nous intéresser à la vue des objets eux-mêmes. [...] Par conséquent, l'art de la mise en scène ne peut avoir la prétention de prendre le pas sur l'art dramatique. Il ne le pourrait qu'en annihilant celui-ci, ce qui serait contraire à sa propre destination. Il doit donc lui rester subordonné, tout en le suivant forcément et en se préoccupant, à son exemple, du caractère individuel et particulier des objets qu'il évoque à nos yeux.
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Un livre est édité par l'Entretemps sur le parcours, le travail et l'éthique de chaque compagnie et de quelques artistes.
Quand on voit l'inventivité des compagnies de théâtre et des artistes invités, la variété de leurs créations, on se dit que la Suisse est bourrée de talents. Et c'est pour mieux partager ces talents, non seulement par les spectacles mais aussi par une médiation soutenue afin d'apprécier et de discuter de la singularité de chacune, de chacun, que ce projet a pris forme. D'où notre volonté de laisser une trace avec le livre.