Ni autobiographie classique, ni thèse sur le théâtre, Oublier le temps étire le fil des souvenirs. Ancrés dans un monde de sensations, à la fois précis et évanescents, ils se manifestent sous la forme de réminiscences - bribes qui s'appellent mutuellement, comme pour esquisser une vaste réponse à la question de savoir comment on en vient au théâtre. Peter Brook montre combien une vie peut être habitée par une vocation autant qu'elle peut la faire.

L'auteur relate dans cet ouvrage ses débuts à Londres, son installation à Paris, ses rapports avec le groupe Gurdjieff, ainsi que ses rencontres avec des figures culturelles marquantes de la vie culturelle française et internationale.

À l'occasion de la reprise de «De la maison des morts »de Janácek, en novembre 2017, la Bibliothèque nationale de France et l'Opéra national de Paris mettent à l'honneur le travail de Patrice Chéreau pour la scène lyrique. Metteur en scène, cinéaste et acteur, Patrice Chéreau (1944-2013) a profondément marqué le paysage artistique de ces dernières décennies. Parallèlement à son travail théâtral, il se lance très tôt dans la mise en scène d'opéra. Après des débuts remarqués au Festival de Spolète et à l'Opéra de Paris, il s'impose sur la scène internationale à l'occasion du centenaire du Festival de Bayreuth, avec une production historique de la tétralogie de Wagner, «L'Anneau du Nibelung», dirigée par Pierre Boulez. À travers une centaine de documents issus des collections de la BnF, de l'IMEC et de collections privées (manuscrits, correspondance, dessins, maquettes, photographies...), l'exposition invite à explorer les processus de création mis en oeuvre pour l'opéra et interroge la spécificité du travail mené pour la scène lyrique : direction des chanteurs, dialogue avec les chefs d'orchestre, concepteurs lumière et costumes, choix des décors - véritables agents du drame en train de se jouer - avec le scénographe Richard Peduzzi.
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Jean-Louis Barrault, figure majeure de la vie théâtrale du XXe siècle, a assis le nouveau métier de metteur en scène et son art  de façon novatrice en centrant le travail sur l'espace scénique et le corps de l'acteur. Le corpus de textes réunis ici, et écris par Barrault lui-même, vise à redécouvrir son approche pour saisir le théâtre d'aujourd'hui dans une généalogie.

En 1964, Ariane Mnouchkine, avec un groupe d'amis, fonde le Théâtre du Soleil, qui occupe depuis lors une place très particulière dans le paysage théâtral français et international. Elle transmet, à travers des stages ouverts à des participants de toutes nationalités, le savoir théâtral acquis par la troupe et sa démarche artistique. A l'occasion d'une rencontre avec des élèves de deux écoles de théâtre (ENSATT de Lyon et CNSAD de Paris), elle revient par petites touches sur ce qui l'a conduite au théâtre, sur ce qui nourrit son travail de mise en scène, ses influences (théâtres du monde, théâtres traditionnels, actualité, grands auteurs). Elle s'arrête sur la démarche qui a abouti aux deux dernières créations collectives de la troupe. Béatrice Picon-Vallin présente son travail de metteur en scène avec le texte de théâtre, et son évolution, regroupe l'essentiel de cette conversation vivante et la complète par des extraits de notes de stage sur le jeu de l'acteur, l'improvisation et ses règles.
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«Totem» est repise sur la plaine de jeux de Bagatelle du 25 octobre au 2 décembre 2018 (Paris). «Kanata» est jouée du 15 décembre au 17 février au Théâtre du Soleil (Paris). Robert Lepage est aujourd'hui l'une des grandes figures de la mise en scène internationale. Né en 1957 à Québec, il entre au Conservatoire d'art dramatique de la ville avant un séjour à Paris, où il suivra un atelier dirigé par Alain Knapp et découvrira les spectacles du Théâtre du Soleil. Très vite, il développe un théâtre visuel, inspiré à la fois par le théâtre d'objets, l'univers des marionnettes et la culture orientale. 

Jean-Marie Villégier me fit un jour cette affectueuse confidence : « On connaît mieux Patrice quand on l'a vu au cours d'un déjeuner d'huîtres. Ça le plonge dans le ravissement. Il est insatiable et gourmet, pas glouton. Il savoure le plaisir de partager un régal avec ses convives. Son travail est un peu du même ordre, de l'ordre de la dégustation, de la gourmandise éclairée. Il est gourmand de couleurs, de formes, de matières... Patrice est un voluptueux qui éprouve du plaisir à toucher et à faire toucher les matières. On comprend mieux, en le voyant, son attrait pour la peinture baroque, ses portraits entourés de draperies, de mille matières imaginées par l'extrême ingéniosité des peintres à rendre les dentelles, les velours. » Lire la suite Fermer

La rencontre de Jean Genet avec les Palestiniens fut déterminante : le texte publié ici sous le titre les Palestiniens, retrouvé et traduit de l'anglais, rend compte de quelques-unes des réflexions - sur la religion, les femmes, l'art ou la révolution - que lui inspira son séjour dans les bases de guérilla, en Jordanie, dès 1970. Mais c'est en septembre 1982 que tout bascula : au moment des massacres des camps palestiniens de Sabra et Chatila, l'écrivain est à Beyrouth. Bouleversé, il écrit Quatre Heures à Chatila, texte d'une violence inouïe, publié par Gallimard dans l'Ennemi déclaré (1991) et mis en scène par Alain Milianti en 1991, au Volcan du Havre.
Le présent ouvrage, prolongement du spectacle, rassemble des interventions qui toutes mettent en lumière, dans la trajectoire de l'écrivain, l'importance de ce moment où se lient de manière indissoluble quête esthétique et action politique.
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Cet ouvrage est un récit intime et un texte manifeste des moments clés de la vie de Richard Peduzzi, cet homme qui dans les années 1960 s'est détourné de son atelier de peintre pour l'espace théâtral, celui où il a pu "construire sa peinture". Les dessins, photographies et maquettes qui accompagnent le récit sont mis en regard avec tout ce qui nourrit son inspiration : l'architecture, l'histoire de l'art, la musique, l'opéra, le jazz, la littérature, le cinéma, la photographie, mais aussi des souvenirs d'enfance, des lieux, des rencontres. Richard Peduzzi, dans une succession de textes courts qui correspondent chacun à une période marquante, raconte son parcours. Il nous dévoile ses images, leurs sources, ses visions et comment leur accomplissement dans un décor est né de leurs métamorphoses.  Dans cette nouvelle édition assortie de photos et dessins inédits, Richard Peduzzi se confie par de nouveaux fragments. Après le décès de ses deux grands amis, les metteurs en scène Patrice Chéreau et Luc Bondy, il a eu le sentiment de perdre le théâtre, une partie de lui. Et il s'en est détourné : rénovation d'un hôtel rue du Faubourg-Saint-Honoré, commissariat de l'exposition Chaumet en Chine, décoration de la Scala à Paris... Mais le théâtre lui manque. L'odeur du théâtre. Il évoque ce manque-là qui lui rappelle d'autres manques liés au début de l'âge adulte : manque lié à la drogue, manque des parents, de structures, de référents, d'avenir. Mais finalement, partout où il intervient aujourd'hui, dans tous ces espaces fermés, il rêve et y met son théâtre.
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Ches Panses Vertes est une compagnie de théâtre de marionnettes créée en 1979 à Amiens par Georges Baillon ; sous l'impulsion de sa fille Sylvie Baillon, qui en prend la direction en 1989, elle devient une entreprise culturelle à part entière. La troupe développe une importante réflexion sur la fonction de la marionnette et le rôle du manipulateur. Les spectacles valorisent l'interprétation du texte, combinent esthétique visuelle et univers acoustique. Patrick Boutigny décrit l'aventure de cette compagnie, en retrace les lignes de force. Parcourant les 40 années d'une riche programmation, depuis La Soupe à cailloux en 1980 jusqu'à Bastien et Bastienne en 2021, il souligne son évolution exemplaire : la compagnie est devenue Le Tas de Sable - Ches Panses Vertes, Centre national de la Marionnette installé à Rivery désormais, soit un lieu-compagnie de création, de recherches artistiques et culturelles autour des Arts de la marionnette et des écritures contemporaines. Lire la suite Fermer

Dans la continuité de Qu'est-ce que la dramaturgie ? - publié en mai 2010 dans la même collection -, Joseph Danan soulève, dans ce nouvel essai, la question de la place et de l'avenir du texte théâtral face à des spectacles-performances de plus en plus présents sur la scène contemporaine. L'occasion de redéfinir ce qu'est l'art de la performance à travers des artistes majeurs, d'Antonin Artaud à Romeo Castellucci, et de mettre en relief l'avenir de l'écriture théâtrale.
Joseph Danan mène une triple activité d'écrivain, d'enseignant et de dramaturge auprès du metteur en scène Alain Bézu. Il est professeur à l'Institut d'études théâtrales (Sorbonne Nouvelle - Paris III) où il enseigne la dramaturgie contemporaine. Ses dernières pièces sont éditées chez Actes Sud-Papiers. Son dernier essai, Qu'est-ce que la dramaturgie ?, a été publié chez Actes Sud-Papiers en 2010, et plus récemment L'Atelier d'écriture théâtrale en compagnie de Jean-Pierre Sarrazac (Actes Sud- Papiers, coll. «Apprendre», 2012).
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Plus ancien théâtre d'Europe encore en activité, la Comédie-Française associe de façon organique une troupe, un répertoire joué en alternance et un espace de création permanents dans un établissement marqué par son exceptionnelle pérennité. Son histoire se mêle intimement à celle des spectacles en France. Emblématique des relations privilégiées autant qu'ambivalentes entre théâtre et État-nation, celle qu'on appelle la «maison de Molière» alors qu'elle naît sept ans après la mort de son «saint patron» - a toujours été investie d'une double vocation: identifier, à chaque époque, parfois avec retard, les innovations artistiques émergentes, tout en valorisant un patrimoine littéraire qui ne cesse de s'enrichir.

Glorifiée comme le sanctuaire de la consécration, elle est parfois dénigrée pour cette même raison. Elle est longtemps appelée «Théâtre-Français», en référence à son rôle symbolique aussi bien pour la politique culturelle nationale que son rayonnement dans le monde. Elle offre ainsi un poste d'observation sans équivalent du rapport entre culture et pouvoir. Forte aujourd'hui de ces quatre cents employés issus de plus de soixante-dix professions, elle permet une plongée unique dans un ensemble de cultures de métiers relevant de l'artisanat d'art: scénographie, décors, costumes, machinerie, régies, accessoires...

Cet ouvrage retrace les grandes phases de l'histoire politique, administrative, juridique, artistique, technique, sociale et économique d'une institution très présente dans l'imaginaire culturel des Français comme des étrangers. Il s'appuie sur un exceptionnel fonds d'archives, conservées depuis sa fondation en 1680, et de nombreuses oeuvres émanant de peintres, sculpteurs, architectes, comédiens ou metteurs en scène. Richement illustré de plus de 240 documents, pour partie inédits, il articule de manière originale les regards croisés de la conservatrice-archiviste et de l'historien du théâtre. Il vise un public étendu, allant des spectateurs de théâtre et des étudiants aux amateurs d'art et d'histoire.
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Cécile Sorel a été le symbole d'une époque, celle des « grandes cocottes » (ou grandes coquettes) dont on imagine difficilement aujourd'hui à la fois la notoriété et l'influence. C'était juste avant l'apparition des premières grandes stars que le cinéma fera naître à partir de 1940. Sa notoriété lui conférait d'ailleurs un rôle de représentation à l'étranger où elle incarnait l'élégance, la culture mais aussi une certaine forme de légèreté à la française.

Sa vie se découpe en trois grandes étapes : d'abord une longue carrière à la Comédie Française (1904-1933), puis dans le théâtre de variétés et au music-hall avant, en 1950, de devenir... religieuse dans le tiers-ordre franciscain.

Il était temps de raconter les extravagances en tous genres de cette femme au parcours exceptionnel et plein de surprises, au coeur du Tout-Paris des arts, des lettres et de la politique (autour d'elle on croise Barrès, d'Annunzio, Proust, Coco Chanel, Clemenceau, Colette, Mussolini, Rostand, Guitry...), libre dans ses amours, moderne dans ses opinions, à la fois frivole et perfectionniste, légère et exigeante, curieuse de tout, grande comédienne, pouvant tout se permettre puisqu'on lui permettait tout, défiant la vieillesse et les médisances avec arrogance et courage, puis se mettant entre les mains de Dieu... sans renoncer pour autant à son excentricité. Lire la suite Fermer

Enfant de la province (Franche-Comté), fils d'ouvriers (usines Peugeot), Jean-Luc Lagarce voulut très tôt faire du théâtre. Avec quelques amis rencontrés au Conservatoire de Besançon, il fonde une jeune compagnie amateure, La Roulotte, qui deviendra professionnelle.
C'est pour elle qu'il écrit ses premières pièces, met en scène, adapte, joue parfois et commence la rédaction d'un Journal qu'il tiendra jusqu'à la fin de sa vie, à 38 ans, mort du sida le 30 septembre 1995.
Grand lecteur de romans, de journaux, dévoreur de films, son théâtre se nourrit de tout cela, mais d'abord de sa famille, de ses amis, de ses amants, mais encore de la vie théâtrale d'hier et d'aujourd'hui. La maladie, l'adieu avant la mort, le retour hantent son oeuvre de plus en plus fulgurante quand l'échéance approche, cependant si le sida habite son corps, le mot n'apparaît dans aucune de ses pièces. Reconnu de son vivant comme metteur en scène, il ne le sera pleinement comme auteur qu'après sa mort ou la scène révélera des chefs-d'oeuvre dont le plus connu Juste la fin du monde. Jean-Luc Lagarce est aujourd'hui un auteur culte, l'un des premiers auteurs contemporains français joués de par le monde et traduit en trente langues.
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Corps et acteur sont au coeur des enjeux du théâtre de Thomas Ostermeier. Sa pratique de la scène, qu'il veut artisanale, commence par un apprentissage du regard, puis s'élabore dans une dynamique d'expérimentation, autour du plaisir du jeu, de la conception scénographique, du mouvement chorégraphique, de la composition musicale et de la partition rythmique. Chacune de ses trois à quatre mises en scène annuelles est l'occasion d'explorer de nouvelles formes, dans une perpétuelle recherche influencée autant par Meyerhold ou Eisenstein que par Artaud.
Dans ces entretiens avec Sylvie Chalaye, Thomas Ostermeier revient sur sa formation à Berlin, entre beaux-arts, musique et art dramatique, sur ses expériences à la Baracke, sur ses compagnonnages comme sur ses influences croisées. L'occasion de transmettre quelques clefs de sa pratique artistique.
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L'autobiographie de Rudolf Rach permet de comprendre de l'intérieur le processus de travail d'un éditeur de théâtre, interface délicate entre la création littéraire et celle du théâtre, chaînon souvent manquant en France par rapport à un pays comme l'Allemagne.
L'importance des éditions de l'Arche dans le paysage théâtral français depuis plus d'un demi-siècle permet à Rudolf Rach de tracer un portrait très personnel du théâtre français, du côté du théâtre privé comme de celui du théâtre public. Son regard d'expatrié lui autorise une étude particulière des différentes situations que rencontrent les auteurs, face à leurs traducteurs, mais aussi face aux gens de théâtre et à leurs exigences. Tous ces éléments donnent lieu à des analyses très fines de l'évolution de l'art de la mise en scène des deux côtés du Rhin.
Tous ces éléments personnels viennent enrichir une vision « à long terme » de l'évolution parallèle de nos deux pays sur plus de soixante-dix ans : jusqu'où nous ressemblons-nous, cousins germains, à partir d'où Français et Allemands demeurent-ils foncièrement différents ?


Note de l'éditeur.
L'Arche et la galère est la version française de deux textes de Rudolph Rach publiés en Allemagne (Gleich nebenan et Alles war möglich, parus en 2020 aux éditions Bittner). Ces publications s'adressaient à un public allemand, en accord avec l'auteur, nous avons réduit l'ensemble pour privilégier la vision de Rudolph Rach éditeur (tant en Allemagne qu'en France) mais sans occulter la relation de l'auteur avec son pays d'origine. Lire la suite Fermer

A travers images, documents, témoignages, ce livre propose la rétrospective d'une aventure individuelle et collective à Lyon et Villeurbanne, exemplaire de la décentralisation théâtrale.

Dire qu'Anatoli Vassiliev est un metteur en scène ne suffit pas à définir l'épaisseur de son travail‚ loin s'en faut. Il faudra plutôt reprendre un très vieux mot - ici en France complètement défraîchi‚ mais parfaitement vivant pour dire le parcours de Vassiliev : Maître de plateau. Il est de ceux qui élèvent le théâtre au rang d'un art absolu. Une exigence de travail et de vie qui s'inscrit dans la grande tradition de la scène théâtrale russe depuis Stanislavski. Par son travail, Vassiliev rejoint ceux qui écrivent le poème de leur temps, à même le plateau.

Écrivains de plateau‚ une réalité qui ne prétend pas rassembler une famille esthétique‚ ni même une pratique commune de la scène. Mais plutôt un regard porté sur nos plateaux‚ pour y décrypter les diverses solutions que cherchent les artistes pour raconter notre temps.
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Éric Lacascade, comédien, metteur en scène et actuellement directeur pédagogique de l'école du Théâtre National de Bretagne, revient sur l'engagement, le militantisme et la pédagogie qui ont marqué son parcours.

Jean-Jacques Lemêtre s'intéresse dès le plus jeune âge au timbre et à la couleur des instruments, nourri par les cultures terre-neuvienne et tzigane de ses parents. Il rejoint le conservatoire et multiplie dans le même temps les expériences musicales non conventionnelles, avec l'américain Moondog notamment. Des plus anciens aux plus modernes, Jean-Jacques Lemêtre collectionne bientôt des milliers d'instruments, écrit des musiques aux inspirations multiples. Lorsqu'il rencontre Ariane Mnouchkine en 1978, l'artiste découvre enfin une équipe, un lieu qui vont lui permettre de «poser ses valises». En racontant ce parcours atypique, Pierre Longuenesse dévoile aussi les ressorts d'une dramaturgie caractéristique du Théâtre du Soleil, où la musique tisse un dialogue avec les corps et devient écriture au plateau, où la parole des comédiens presque chantée devient «envoûtement». Pédagogique, le texte est complété par la retranscription en fin de volume des exercices imaginés par l'artiste au cours des ateliers qu'il a menés, et met à la disposition des lecteurs ces activités comme autant d'outils pour découvrir ce travail du jeu avec la musique.
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Prix Nobel de littérature en 1934, Luigi Pirandello (1867-1936) n'en reste pas moins un classique méconnu. Par ses quarante-trois pièces, sept romans et deux-cent quarante et une nouvelles - auxquels s'ajoutent sept recueils de poèmes et des essais copieux -, il a déployé une oeuvre monumentale et intimidante, qui sema la panique sur les scènes de l'époque avec une déconstruction audacieuse de la comédie bourgeoise.
Six personnages en quête d'auteur, Ce soir on improvise ou Les Géants de la montagne - des pièces montées par des monstres sacrés comme Ingmar Bergman, le Living Theater ou Giorgio Strehler - ne sont que les arbres qui cachent une forêt obscure, dressée comme une forteresse par un Sicilien athée épris de philosophie. Sa force n'est pas dans l'intelligence mais dans le désespoir, dans une radicalité qui déchiffre sans pitié les contradictions de l'existence.
Pirandello se disait lui-même balloté « dans un tumulte des pensées et des sentiments, dans lequel quiconque se sentirait chavirer comme dans les spirales tournoyantes d'une tempête ; un vertige à en mourir ou à devenir fou ».
Son génie indéniable est à la mesure de cette onde de choc, des vagues inconsidérées qu'il provoque à son corps défendant, en essayant de contenir une énergie brute et éprouvante dans une « croûte conceptuelle », dans une « coagulation douloureuse » : « mon travail est comme une fresque de Tiepolo », clamait-il en réaction aux mises en scène trop pédantes de ses pièces, « perpétuellement balayé par un vent fantasque ».
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Ce livre est conçu comme un reportage dans les coulisses de la Comédie-Française, un journal de bord de la vie quotidienne : des sous-sols à la coupole, du bureau de l'administrateur général aux différents ateliers, des loges à la cantine... Mi-enquête, mi-documentaire, le livre se veut résolument moderne, contemporain, croqué sur le vif - sans se priver de références à l'histoire et au passé de cette scène mythique du théâtre français.
En immersion de septembre à décembre 2015, Laetitia Cénac, auteur, et Damien Roudeau, illustrateur, se sont mêlés aux acteurs et aux techniciens, le temps d'une saison, pour raconter sur un mode enlevé et didactique le fonctionnement de la maison de Molière.

"Dans cette première monographie consacrée à Olivier Py, actuel directeur du Festival d'Avignon, il m'a semblé nécessaire de ressaisir l'ensemble d'une oeuvre et d'une activité extraordinairement profuses et diverses - dont, par goût ou par âge, le public n'a en général qu'une connaissance circonscrite : théâtre ou opéra, Srebrenica ou Miss Knife, La Servante ou Orlando - afin d'articuler tous les pans d'une conception du monde et du théâtre, et d'en montrer la puissance et surtout la cohérence." Timothée Picard

Henrik Ibsen, le plus célèbre des écrivains scandinaves, a pourtant vécu vingt-sept ans hors de la Norvège et a distillé son amertume envers son pays natal dans des portraits grinçants de provinciaux sans idéal. Admiré dans toute l'Europe de son vivant, il est compris par les symbolistes comme l'auteur d'un théâtre d'art, espace de pensée et de rêve voué aux apparitions spectrales de personnages évanescents, alors que les naturalistes voient en lui le « Zola du nord » et célèbrent ses drames bourgeois faisant la part belle à la défense de l'émancipation féminine et à la dénonciation des politiciens corrompus.
Ce sont toutes ces facettes et ces contradictions que ce livre tente de restituer : Ibsen féministe mais conservateur, Ibsen patriote quoique critique envers la Norvège, Ibsen inventeur du drame moderne tout en revendiquant le modèle de la « pièce bien faite » de Scribe et Augier n'a pas fini de nous étonner.
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Le théâtre de Max Frisch développe sous forme ludique et métaphysique la pensée d'un moraliste convaincu que la dignité de l'homme réside dans la liberté : la culpabilité, la bien-pensance, le narcissisme, l'infidélité, l'ennui, l'affabulation, la conscience qui fractionne la réalité, le rêve qui l'unifie et la fait disparaître, la fatalité des stéréotypes. Il est difficile de situer une telle oeuvre qui doit autant à la dramaturgie brechtienne qu'au théâtre de l'absurde. Dans ces vertigineux huis-clos se rencontrent le baroquisme d'un Pirandello et la fable existentialiste. Théâtre du doute absolu et de la dérision, théâtre de la conscience politique plus que théâtre politique, l'oeuvre dramatique de Max Frisch constitue un solide remède pour notre époque, éprise de certitudes.