Après la représentation, loin du théâtre, mais dans la périphérie de la scène les images viennent encore, passent, se mêlent au souvenir de quelques citations et savoirs antérieurs. Elles se troublent et forment un nouvel amalgame. C'est à ce moment-là que commence vraisemblablement ce qui peut s'apparenter à une invention. Car là, dans l'instant des noces entre le savoir et l'imprévisible, la pensée invente et, à un moment indéfini, il peut y avoir un développement durable...

Interrogeant le critique et son travail, réfléchissant à son rapport au théâtre, soulignant la complexité de cette pratique, Yannick Butel - critique et dramaturge, professeur en esthétique et études théâtrales à l'Université de Provence Aix-Marseille I - tente dans cet essai de réduire, voire d'invalider l'opposition traditionnelle entre la critique et son objet.

Ouvrage publié avec le concours du Centre régional du livre de Franche-Comté et de la Région Franche-Comté
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Trois chapitres forment cet essai original, intitulé « La critique, un art de la rencontre », en sus desquels un documentaire réalisé par Emmanuel Roy donne à voir quelques instants furtifs des temps qui nous ont réunis.
Trois chapitres pour un livre singulier : « Penser ce que l'on fait », « Faire ce que l'on peut » et « Penser ce que l'on peut ».
Chaque contribution dit ainsi, dans le prolongement du Qu'est-ce que la critique ? de Michel Foucault, la volonté de désassujétissement des uns et des autres.
Et d'ajouter, non pour conclure mais envisager peut-être une suite que penser la critique comme un art de la rencontre relève sans aucun doute d'un art de la distance, peut-être un art de l'évitement.
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Comment cerner la Présence ? Comment parler ou traduire cette sensation éprouvée par le spectateur ? Prenant appui sur le travail théâtral de Claude Régy et Jean-François Peyret, cet essai propose d'analyser le rapport que la mise en scène entretient au mouvement, à la voix, à la vitesse et au quotidien.

En 2005, dans le tumulte du festival d'Avignon, croisant des créations malmenées par la presse et une partie des spectateurs, l'informe, le difforme et le conforme s'imposaient comme des ouvertures propres à répondre aux interrogations comme aux jugements des détracteurs du festival et de ses artistes (notamment Anatoli Vassiliev, Jan Fabre et Pascal Rambert, entre autres). S'il faut avouer, comme l'écrivit Jean-François Lyotard, que devant l'étrangeté de ces productions nous étions face à des « intrigues plastiques moins monnayables, racontables, signifiables », le rejet, la condamnation, le procès étaient-ils de mise ? L'idée de parler de ces réactions vives, d'y consacrer un colloque et un temps de réflexion, s'est alors imposée. L'intention de revenir sur une pratique théâtrale qui rompt avec l'horizon d'attente du spectateur d'un « art bonasse » (comme l'écrit Alain Badiou) devait nous conduire à ce recueil de commentaires. Les chercheurs qui ont contribué à ce nouvel essai tentent d'analyser, de livrer des clés, de donner à réfléchir sur la réception de formes poétiques et esthétiques qui hantent la scène.
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En France, 2009 aura été « l'année Koltès ». Une année pour rappeler la vitalité et l'actualité d'une oeuvre, la fascination qu'elle exerce toujours sur les lecteurs et les metteurs en scène. Les colloques de Caen (Bernard-Marie Koltès : Démons, Chimères et autres métamorphoses, octobre 2009) et de Paris 7 (Koltès, maintenant, novembre 2009) ont ainsi été des moments d'échanges et de réflexions sur un théâtre qui n'en finit pas d'interpeller les universitaires, les chercheurs, les praticiens, les acteurs... Revenant sur les textes et leur mise en scène, sur les traductions, sur la correspondance et sur les enjeux que soulève cette écriture poétique et cinématographique, les contributions qui sont rassemblées dans ce livre témoignent de la pluralité des lectures qu'offre l'oeuvre de Bernard-Marie Koltès. Regards parfois nouveaux où l'oeuvre esthétique et poétique est articulée au mouvement de l'Histoire, à celle aussi que connut Bernard-Marie Koltès.
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Ce nouveau numéro d'Incertains Regards a été pensé à partir de la question :
« Que reste-t-il de l'avenir révolté des arts ? ». Soit une interrogation d'aujourd'hui, une rêverie... Car l'Homme a rêvé et rêve. Et le rêve, non pas nocturne et freudien, mais le rêve diurne blochien en a saisi plus d'un. On pouvait se mettre à penser d'autres voies, d'autres rapports aux autres, d'autres façons de faire et de regarder l'oeuvre d'art. Se pose alors la question de savoir quelles formes prennent ces révoltes artistiques. Existent-elles encore, sontelles en devenir ?... Y a-t-il quelque chose qui serait à l'oeuvre... des poches de résistance esthétique, poétique, plastique, en écho au cri de « Changer le monde » de Marx ou celui de Rimbaud « Changer la vie » ?
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La frontalité est récurrente au « vivre ensemble » et relève d'un héritage linguistique qui tient du dialogue, socratique et platonicien. Dialogue ou mise en place du petit jeu de « question-réponse » auquel l'oeuvre d'art n'échappe pas. C'est ce qui sera interrogé, au prisme d'une histoire des oeuvres qui n'ont eu de cesse de tenter d'échapper à cette géométrie figée, entre autres pour ses enjeux politiques, il s'agit alors de revenir à « un contact naïf avec le monde » en déjouant les règles du jeu où l'oeuvre est prise. Histoire d'échapper à l'effet Méduse lié à la frontalité.

Il nous appartenait de nous saisir de l'un des effets du dispositif d'urgence sanitaire mis en place à l'occasion du Covid-19, et de nous questionner sur « la disparition » des lieux de culture et d'arts au prétexte qu'il n'y avait là que services « inessentiels » et « inutiles » comme il fut argué. Au vrai, l'interdit qui s'appliqua aura concerné le rapport à l'imaginaire qui se donne comme un fondement des constructions et des inventions du champ sociétal. Dès lors, l'interdit ne concernait pas seulement un ensemble de « services », mais il relevait bien davantage d'une mutilation politique qui concerne l'ensemble des membres d'une société et sa capacité à imaginer, à interpréter ou à rêver le monde, via les oeuvres et leur lieu d'exposition. C'est bien cet enjeu qui sera traité dans ce nouveau numéro d'Incertains Regards. C'est cette articulation - ou la relation entre arts, rêve et politique - qui sera questionnée. Lire la suite Fermer

Évoquant « les formes transitoires » il était difficile de convoquer cette thématique sans la lier à un contexte historique où le transitoire s'apparente à un développement structurel des sociétés. Arts transitoires donc ? Les pratiques artistiques transitoires aurait dû nous inviter à saisir l'incidence de ces formes sur la représentation que nous avons de l'art, sur les enjeux politiques qu'abritent ces productions... Mais voilà, le Covid 19 est passé parlà.
Et l'actualité a formé comme un humus au questionnement du transitoire.

Ce huitième numéro est consacré au préfixe Trans. D'un usage courant au xix e siècle et sans emploi autre que linguistique, le préfixe « trans » apparaît comme l'un des marqueurs du xx e - xxi e siècle, au point qu'il pourrait avoir un impact conceptuel à même de nous aider à réfléchir la complexité aussi bien en arts que dans les relations que le monde entretient à l'oeuvre d'art.
Par-là, la notion de « trans » induit l'idée d'un passage, d'un mouvement qui permet de penser un prolongement, une variation ou une mutation, une dérivation, une continuité sous une forme différente, un glissement sémiotique autant qu'une nouveauté sémantique.
Soit la représentation d'un nouveau modèle d'évolution où les figures de centre et de périphérie seraient concurrencées par des configurations qui privilégient la déportation, la translation, l'écart... à la rupture.
Éminemment politique in fine, l'usage du « Trans » dans la langue induit une approche renouvelée des modes de production et des modes de perception/réception des activités humaines artistiques.
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Si les arts et ne sont pas de tous les combats, ils participent de certains d'entre eux. C'est le fil conducteur des discussions de ces dernières années entre acteurs de la recherche publique et mondes de la culture des sociétés araboméditerranéennes, où les arts ont été marques par de nombreux événements.
La pandémie, mais aussi les d'inflexions politiques, économiques et sociétales qui, du conflit en Syrie, des Printemps arabes, de l'affermissement du régime égyptien aux explosions à Beyrouth en août 2020... n'eurent néanmoins pas raison de la créativité artistique et du dynamisme culturel.

Individuelle et/ou collective, prévisible ou inattendue... la catastrophe est, le plus souvent, appréhendée au prisme de l'apparition d'un désordre, de plus ou moins grande échelle, qui dépasse toute rationalité. Le sujet est alors rattrapé par une émotion intense : un frisson. Parlant de « catastrophe », il pourrait s'agir de questionner la concordance entre ce qui est perçu comme un chaos qui vient mettre à mal un ordre, et le trouble radical qui saisit le sujet, lequel en est l'objet ou le témoin. Se dessinent donc, quand la catastrophe est évoquée, deux paradigmes: dans l'un, le domestique, le figé, le neutralisé correspondent à un certain état du monde connu ; quand dans l'autre, l'imprévisible, le mouvant et la plasticité forment un inter-monde incertain. La catastrophe met ainsi fin à la permanence d'un ordre par le trouble et le dérèglement. Dès lors, peut-être faut-il s'interroger sur les véritables enjeux de la catastrophe, qui a à voir avec une disposition renouvelée de la pensée. Lire la suite Fermer

Dans le prolongement de deux ouvrages publiés aux PUP, Antonio Araújo et Le Teatro da Vertigem, 2016 et Théâtres brésiliens : manifestes, mise en scène, dispositifs, 2015, cette nouvelle contribution revient sur une pluralité de pratiques et de formes contemporaines qui font du Brésil un immense champ d'expériences. En jeu, différentes études sur les formes urbaines, dites aussi « théâtres de rue ». Formes libres, inventives et performatives qui s'écartent d'un théâtre plus classique et bourgeois, elles mettent l'accent sur un autre rapport au monde social et à ses représentations.

« En quel temps vivons-nous ? » déplorent d'aucuns, quand le « bon sens » laisse entendre que « nous vivons une drôle d'époque » où le monde, indépendamment de ses multiples crises, entretient l'idée que ce dernier offre encore de quoi nourrir le désir et la jouissance.
Perspectives de désir, de jouissance donc... qui concerneraient l'art, art qui décevra cette attente. Car l'art contemporain est mis au ban pour sa participation à la déconstruction, poursuivi pour attentat contre le beau, atteinte au sublime, accusé de n'être que placement et blanchiment d'argent, condamné pour élitisme, entendu pour incitation à nuire au chef-d'oeuvre... L'art contemporain est ainsi inquiété par le tribunal du bon sens et du bon goût. Un effort de réflexion permettrait, pour filer le paradigme judiciaire, de « faire appel ». Sans doute, l'art contemporain ne se destine pas à la jouissance du sujet. Mais alors que penser de ce que l'on pourrait appeler « la centritude du sujet » qui conduit, in fine, à poser qu'il n'y a d'oeuvre que parce qu'il y a de l'ego satisfait, de l'égo qui jouit ? Que penser de ce « tout à l'égo » mis en place au dépend de l'oeuvre ? Il doit tout de même bien y avoir d'autres manières d'ergoter... Lire la suite Fermer