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Erik Verhagen
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Alberto Giacometti / Giorgio Morandi : moments immobiles
François Cohen, Alice Ensabella, Alessia Masi, Laure-Caroline Semmer, Erik Verhagen
- Éditions Fage
- Institut Giacometti
- 29 Novembre 2024
- 9782849757871
Alberto Giacometti (1901-1966) et Giorgio Morandi (1890-1964) sont des contemporains. Tous deux ont fait de leur atelier, la matrice d'une oeuvre dominée par la continuité d'une seule et même recherche dont le développement exprime le sens même de leur vie.
Partageant la persistance des modèles (les objets pour Morandi, les figures centrales d'Annette et Diego pour Giacometti), ils apparaissent comme des voix singulières qui, au-delà des avant-gardes, renouvellent des formes classiques : la nature morte et le paysage pour Morandi, la figure humaine pour Giacometti, et incarnent dans les années de l'après-guerre une vision de la condition humaine universelle.
Une rencontre évènement dans le cadre de l'Institut Giacometti. -
Zao Wou-Ki ; encres et aquarelles (1948-2009)
Erik Verhagen
- Galerie Kamel Mennour
- 18 Avril 2019
- 9782914171717
Les oeuvres sur papier de Zao Wou-Ki.
Ce catalogue propose une immersion dans les oeuvres sur papier de Zao Wou-Ki, encres de Chine et aquarelles, couvrant 60 années de création de 1948 à 2009. La sélection d'Erik Verhagen suit le parcours de l'artiste, des premiers dessins figuratifs ou études aux compositions abstraites des années 1960, de la redécouverte de l'encre de Chine dans les années 1970 jusqu'au dernières oeuvres de l'artiste, grandes plages de couleurs.
Publié à l'occasion de l'exposition éponyme à la galerie Kamel Mennour, Paris, du 28 février au 13 avril 2019, et à la galerie Kamel Mennour, Londres, du 1er au 23 mars 2019.
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Zao Wou-Ki : il ne fait jamais nuit
Dominique de Villepin, Erik Verhagen, Yann Hendgen
- In Fine éditions d'art
- 13 Mai 2021
- 9782382030394
Parcourant l'ensemble de l'oeuvre de Zao Wou-Ki (1920-2013), cet ouvrage met au jour une des grandes obsessions de l'artiste : inventer de nouveaux espaces picturaux construits à partir de son travail sur la couleur et la représentation de la lumière.
Et sans jamais se départir, jusqu'à la fin de sa vie, des leçons que lui a enseignées la peinture de Paul Cézanne.
Évoquant le temps passé à l'École des beaux-arts de Hangzhou au bord du lac de l'Ouest, Zao Wou-Ki écrit : « j'étais fasciné par la multiplicité de l'espace à la surface de l'eau, la légèreté de la lumière ou son épaisseur entre le lac et le ciel.
[...] Ce que je cherchais à voir c'était l'espace, ses étirements et ses contorsions, et l'infinie complexité d'un bleu dans le minuscule reflet d'une feuille sur l'eau. Je me posais toujours les mêmes questions : comment représenter le vent ? Comment peindre le vide ? Et la lumière, sa clarté, sa pureté ? » -
Cahiers de l'abbaye de Ste Croix ; Hippolyte Hentgen
Laurent Goumarre, Erik Verhagen
- Semiose
- 13 Janvier 2016
- 9782915199772
Gaëlle Hippolyte et Lina Hentgen forment le duo Hippolyte Hentgen. Sous ce nom fictif, elles explorent à quatre mains, un territoire de recherche principalement orienté vers le dessin et l'image, mais s'aventurent également dans d'autres champs de représentation, tels le spectacle et la musique. Puisant dans l'histoire de l'art comme dans la culture populaire, elles s'emparent des images iconiques ancrées dans notre mémoire collective et les restituent dans un immense collage protéiforme et composite. Les clichés culturels, usés jusqu'à la corde, entament une nouvelle vie sous la plume virtuose de Hippolyte Hentgen. A travers une large gamme de supports, de formats et de styles, l'oeuvre flatte le plaisir rétinien et n'en finit pas de surprendre par sa verve colorée, drôle, parfois acerbe.
Le catalogue est édité à l'occasion de l'exposition monographique de Hippolyte Hentgen au Musée de l'Abbaye Sainte- Croix des Sables d'Olonne du 18 octobre 2015 au 17 Janvier 2016. Richement illustré de vues d'exposition et d'oeuvres, il retrace chronologiquement leur parcours artistique depuis 2008. Un texte de Laurent Goumarre, animateur et producteur de radio et télévision, par ailleurs fin connaisseur de l'oeuvre de Hippolyte Hentgen, et un entretien mene par Erik Verhagen, historien et critique d'art, maître de conférences a l'Universite de Valenciennes, complètent l'ouvrage.
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Ugo Rondinone
Nicholas Baume, Laura Hoptman, Jason Schmidt, Erik Verhagen
- Phaidon Press
- 22 Septembre 2022
- 9781838661656
The definitive monograph on the work of one of the most prolific, versatile, and exciting artists of the last three decades.
Over the past 30 years, Swiss-born, New York-based artist Ugo Rondinone has developed a distinct body of work: vibrant paintings, immersive installations, sculptures, and text-based works, all united by a poetic quality and an enduring preoccupation with such universal themes as time and cosmic cycles. Profoundly interested in the contemplation of everyday life, Rondinone reconciles the visual language of psychedelia and advertising with meditative, intimate reflections on personal and collective experiences. This book brings fresh perspective to his remarkable life and career and is a must-have for his huge global following.
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Marc Desgrandchamps : silhouettes
Danielle Cohn, Pauline Nobécourt, Erik Verhagen
- Skira Paris
- 17 Mai 2023
- 9782370742087
Né en 1960 à Sallanches, Marc Desgrandchamps, peintre majeur de la scène artistique française, explore les notions d'opacité, de transparence, de surimpression. Son oeuvre figurative s'éloigne des codes de la représentation réaliste et laisse affleurer l'étrange, aux frontières du surréalisme : perspective déformée, espace indéfini, corps morcelés, objets fantomatiques... Évanescence, fragmentation, infinitude sont autant de mots qui reviennent pour évoquer son travail. Reconnaissable par un certain nombre de motifs récurrents - les baigneuses, les ciels bleus - sa peinture se dévoile aussi par ses « coulures », que le peintre laisse volontairement se répandre sur la toile. Puisant ses références dans de nombreux univers (histoire de l'art, photographie, cinéma, littérature, musique, mais aussi des photos personnelles) l'artiste explore les limites de la figuration, proposant une vision à la fois panoramique et synthétique de l'art moderne. Construite autour de thématiques récurrentes dans l'oeuvre de Desgrandchamps, (l'Antique, l'histoire de l'art, le paysage, l'architecture...) et enrichie par plusieurs essais de spécialistes, cette ambitieuse monographie, co-éditée avec le musée de Dijon et le [mac] de Marseille révèle une oeuvre forte et singulière, jouant des nombreuses traversées entre espace, couleur et lumière.
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Bruno Rousselot : du dessin à l'espace
Jean-christophe Royoux, Erik Verhagen, Sophie Eloy, Marie Gayet
- Hermann
- 18 Août 2022
- 9791037003584
Très tôt dans sa pratique, Bruno Rousselot (né en 1957) réalise des projets in situ. Pourtant, la question du tableau est centrale dans la recherche de l'artiste et occupe une grande partie de sa production lors de on séjour à New York, de 1987 à 1997. De retour en France, au début des années 2000, sa peinture se déplace à nouveau dans l'espace et prend place dans l'architecture. Du dessin à l'espace, en prenant comme point de départ I. n°O, l'installation picturale réalisée en 2013 dans le cadre du 1% artistique à l'hôtel Dupanloup à Orléans et inaugurée en 2014, présente l'ensemble des réalisations in situ et wall paintings de l'artiste, mis en relation avec sa pratique de peinture et de dessin.
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Mohamed Bourouissa
Mohamed Bourouissa, Alice Cherki, Olivier Marboeuf, Johny Pitts, Marie-Amélie Senot, Erik Verhagen
- Dilecta
- 15 Septembre 2023
- 9782373721874
Coédition Dilecta / LaM
À l'occasion des expositions de Mohamed Bourouissa au LaM (Villeneuve-d'Ascq, 29 septembre 2023-21 janvier 2024) et au Palais de Tokyo (Paris, 2024), les Éditions Dilecta publient une monographie de l'artiste, soulignant pour la première fois l'importance de l'oeuvre dessiné de l'artiste au sein de sa pratique.
Né en 1978 à Blida (Algérie), Mohamed Bourouissa vit et travaille à Paris. L'artiste décrit la société contemporaine par ses contours et porte un regard critique sur les représentations stéréotypés. Au-delà de sa pratique de prédilection qu'est la photographie, l'artiste explore également le dessin, la sculpture et la vidéo. Son travail, qui brouille les frontières entre fiction et documentaire, tend à rendre compte des réalités sociales de notre temps à travers l'observation de la société par ses marges. Depuis 2010, il est représenté par la galerie Kamel Mennour.
Son travail a été exposé dans de nombreuses expositions personnelles : Rencontres d'Arles, musée d'art moderne de la ville de Paris, Centre Pompidou, le BAL (Paris) ; Barnes Foundation (Philadelphie) ; Stedelijk Museum (Amsterdam) ; basis (Francfort) ; Haus der Kunst (Munich). Il a participé aux Biennales de Sydney, Sharjah, La Havane, Lyon, Venise, Alger, Liverpool, Berlin et à la Triennale de Milan. En 2018, il est nommé pour le Prix Marcel Duchamp. Ses oeuvres font partie de collections de premier plan, dont celles du LACMA, du Stedelijk Museum, du Centre Pompidou, du musée d'art moderne de la ville de Paris, de l'Art Gallery of Ontario, du Philadelphia Museum of Art, de l'Istanbul Modern et de la maison européenne de la Photographie à Paris. -
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Make it new : conversations avec l'art médiéval ; carte blanche à Jan Dibbets
Charlotte Denoël, Jan Dibbets, Erik Verhagen
- BNF Éditions
- 8 Novembre 2018
- 9782717727814
Voué à la gloire de la sainte croix, le De laudibus Sanctae Crucis se présente comme une suite de 28 poèmes figurés, qui possèdent des propriétés sémantiques, mathématiques et formelles très singulières : les vers sont disposés en carrés ou en rectangles comportant toujours le même nombre de lettres et structurés autour de la figure centrale de la croix, qui est représentée dans sa configuration traditionnelle mais aussi à travers divers arrangements visuels à partir de motifs géométriques, figurés ou graphiques.
L'exposition entend faire ressortir l'extraordinaire inventivité formelle de Raban Maur en mettant en regard cinq manuscrits enluminés de La Louange à la sainte Croix et des oeuvres d'artistes contemporains sélectionnés par Jan Dibbets (Carl André, Alan Charlton, Ad Dekkers, Donald Judd, Sol LeWitt, Richard Long, François Morellet, Niele Toroni, Franz Erhard Walther).
L'ambition de l'exposition est de montrer à quel point l'ouvrage de Raban Maur conserve toute son actualité, car il soulève un certain nombre de questions esthétiques fondamentales touchant à la représentation de l'espace au moyen de structures géométriques et/ou chromatiques, à l'expérimentation autour de la forme graphique de l'écrit ou à la sérialité des formes, qui parcourent, depuis les années 1960-1970, la démarche d'artistes contemporains appartenant aux mouvances minimaliste, conceptuelle ou du Land Art.
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Bruno Rousselot : du dessin à l'espace
Sophie Eloy, Marie Gayet, Jean-christophe Royoux, Erik Verhagen
- Hermann
- 21 Septembre 2022
- 9791037021526
Très tôt dans sa pratique, Bruno Rousselot (né en 1957) réalise des projets in situ. Pourtant, la question du tableau est centrale dans la recherche de l'artiste et occupe une grande partie de sa production lors de on séjour à New York, de 1987 à 1997. De retour en France, au début des années 2000, sa peinture se déplace à nouveau dans l'espace et prend place dans l'architecture.
Du dessin à l'espace, en prenant comme point de départ I. n°O, l'installation picturale réalisée en 2013 dans le cadre du 1% artistique à l'hôtel Dupanloup à Orléans et inaugurée en 2014, présente l'ensemble des réalisations in situ et wall paintings de l'artiste, mis en relation avec sa pratique de peinture et de dessin. -
Figure majeure et incontournable de la scène artistique du dernier tiers du XXe siècle, l'artiste néerlandais Jan Dibbets, né en 1941, est l'un des principaux créateurs à avoir intégré, et ce dès la deuxième moitié des années soixante, la photographie au sein des arts plastiques. Cet ouvrage qui couvre quarante années de création est la première monographie exhaustive dédiée à son oeuvre photographique.
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Stephan Balkenhol
Andreas Franzke, Laszlo Glozer, Richard Leydier, Guy Tosatto, Erik Verhagen
- Actes Sud
- 4 Novembre 2010
- 9782742795376
Bien qu'installé en France depuis quinze ans, le sculpteur allemand Stephan Balkenhol demeure peu connu dans l'hexagone. De fait, cette grande exposition permet de prendre conscience de la pleine dimension d'une démarche qui offre une image renouvelée, non dénuée d'humour, de la statuaire anthropomorphique et une exploration subtile de la psyché contemporaine. Apparues au milieu des années 1980, les sculptures de Balken - hol se sont immédiatement signalées par leur dimension figurative affirmée et sont très rapidement devenues les icônes d'un renouveau de la sculpture figurative en Europe.
L'attention qu'il prête à son matériau de prédilection, le bois (préserver son apparence originelle, ne pas masquer l'impact de l'intervention manuelle, lier en un même bloc solidaire figure et socle), indique clairement une optique moderniste. Cependant, ce qui retient avant tout l'attention dans son oeuvre est la place centrale accordée à la figure humaine. Jeunes, lisses, élégants, les hommes portent un pantalon noir et une chemise blanche, les femmes une robe courte de couleur unie et apparaissent comme autant d'archétypes de la société occidentale de la fin du XXe siècle. Pour accentuer leur dimension mimétique et renouer avec la tradition médiévale de la sculpture en bois polychrome, l'artiste peint ses figures, à l'exception toutefois des chairs qui sont toujours laissées en bois brut. Cette restitution réaliste confère à ses sculptures à la fois un aspect familier et une sorte d'inquiétante étrangeté, sentiment renforcé par les brusques changements d'échelle opérés par l'artiste qui traite ses sujets aussi bien aux dimensions de la miniature qu'à celles du monumental. Autour de la figure humaine, Stephan Balkenhol développe des thèmes qui croisent les interrogations fondamentales sur l'identité, la norme et l'altérité, l'individu face à lui-même et face au groupe, les rapports entre les sexes, la présence de la mort. Une thématique qui s'est enrichie au fil des décennies et que l'artiste traite sous des formes de plus en plus variées (ronde-bosse, bas-relief).
C'est précisément par cette manière, simple et subtile, d'associer héritage historique et tradition artistique à des partis pris modernes et un univers résolument actuel que Stephan Balkenhol s'inscrit avec autant de force et d'originalité dans le champ de la sculpture d'aujourd'hui. Son oeuvre ne s'appuie pas sur une relecture tonitruante du passé, mais plutôt sur une tentative sincère et exigeante de renouer avec une histoire de la sculpture réaliste en préservant un regard à la fois tendre et ironique sur ce qui l'entoure:
Une manière de réenchanter le désenchantement du monde d'aujourd'hui et de redonner à la mélancolie une forme on ne peut plus contemporaine, douce et amère.
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Conçu comme un dialogue à partir des fonds XXe et XXIe siècles de deux musées, le musée des Beaux-Arts et le musée d'Art contemporain de Lyon, cet ouvrage inaugure la collection « Transversalités », dont chacun des parcours visera à explorer la résonance des deux collections, entre correspondances et dissonances. Ce premier opus propose un aperçu des différentes recherches menées par les artistes modernes et contemporains autour de la couleur et des rapports entre forme et couleur.
Outil de composition libératoire, vecteur de sentiments ou de projections symboliques, paysage mental, monochrome, éblouissante... la couleur est versatile et les artistes exploitent toutes ses facettes, jouant avec les sens et la perception du public. La qualité vibratoire et lumineuse de la couleur, sa capacité à créer du mouvement sur une surface pourtant plane est régulièrement mise à l'épreuve. Elle disparaît cependant au profit de réflexions autour du geste, du signe, du hasard ou encore de la lumière.
À travers près de 120 peintures, sculptures, installations, dessins et objets, une soixantaine d'artistes emblématiques des deux collections sont présentés, parmi lesquels Georges Adilon, Robert Delaunay, Jean Dubuffet, Jean Fautrier, Lucio Fontana, Hans Hartung, Fernand Léger, Christian Lhopital, François Morellet, Olivier Mosset ou Pierre Soulages.
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Bernar Venet sculpture
Thierry Davila, Erik Verhagen
- Le Regard
- Monographies
- 17 Juin 2013
- 9782841053100
En 1961, Bernar Venet effectue une performance où on le voit couché sur un tas de détritus, réalisant ainsi sa première action revendiquée. Suivront Déchet (1961), Collages noirs (1961), Reliefs cartons (1963-1965), Tas de charbon (1963), Tubes (1966), Équations (1966), Triangle V2 (1966), Calcul de la diagonale du carré (1966-2010), Diagonale (1973). Puis viennent les sculptures, Arcs, Effondrements, Lignes indéterminées, Lignes droites, Diagonales, Lignes obliques, Reliefs muraux. Cet ouvrage s'attache à réunir de manière quasi exhaustive l'ensemble des sculptures monumentales de l'artiste. L'essai d'Erik Verhagen analyse la contribution de Bernar Venet aux grands questionnements sur l'art et la sculpture de notre temps. Thierry Davila quant à lui poursuit son étude sur l'horizontalité en art depuis Marcel Duchamp et la " bassesse ", de la fin du XXe au début du XXIe siècle, concept dans lequel il inclut, parmi Robert Morris, Carl Andre, Francis Alÿs entre autres, Bernar Venet : " Le premier janvier 1996, au Muy, dans le sud de la France, Venet réalise sa performance Accident Piece, qui consiste en une trentaine de barres métalliques appuyées sur le mur que l'artiste fait tomber au sol à l'aide d'un chariot élévateur. Le résultat est un amas de lignes qui jonchent le sol. "
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Corps en partage : Etudes réunies par Marcel Lubac
Sylvie Nève, Charles Pennequin, Diana Quinby, Erik Verhagen, Marcel Lubac, Céline Leturcq, Raphaël Gomérieux, Pierre Wat, Eric Bonnet
- Pu De Valenciennes
- 12 Décembre 2024
- 9782364240988
Il fut un temps où le mot corps, en art, rimait avec le mot académie. Une
Académie d'homme, ou de femme, était le résultat de cette étude du corps
humain, de sa morphologie, de son anatomie, de son potentiel symbolique,
qui constituait la base de l'éducation artistique. On venait apprendre le corps
comme un apprenti musicien devait apprendre le solfège, avant de pouvoir
jouer, composer, voire improviser. Ce temps est désormais lointain, mais
le corps comme motif, comme question - sans doute faut-il écrire comme
obsession - demeure l'un des matériaux fondamentaux des pratiques artistiques
contemporaines.
Réunir plusieurs auteurs en leur offrant ce mot unique - corps - tel un dénominateur
commun et un possible déclencheur d'écriture, est le pari de ce
livre. Il s'agit de mettre au jour la fécondité d'une obsession, loin de tout académisme,
loin de tout souci de se soumettre aux règles du bien écrire comme
les artistes dérogent à celles du bien peindre. Il s'agit de trouver les mots.
Se confronter au corps c'est se confronter à soi et à l'autre, aux frontières
entre identité et altérité. Il y a là de quoi se perdre. Il y a là de quoi se trouver,
et offrir à ceux qui regardent un monde où venir s'incorporer. -
Ugo rondinone the water is a poem unwritten by the air no the earth is a poem unwritten by the fire
Verhagen Erik /Singe
- Hatje Cantz
- 20 Novembre 2023
- 9783775756426
